Wir können Ihnen jetzt in der Verwirrung unserer Gefühle kein Fazit abliefern. Das ist unmöglich. Wir kommen gerade aus dem Bett und waren im Bad, als die neue Ausgabe uns erreicht hat. Und wir sind noch nicht einmal gewaschen.

Pünktlich um halb zehn ist die neue filmab!-Ausgabe da.

Hier die Ausgabe als PDF herunterladen.

Übrigens liegen zwischen dem 1. und 6. Mai jeweils ab dem frühen Nachmittag an folgenden Orten in Schwerin die Zeitungen aus:

• Capitol
• InterCityHotel
• Stadtkrug
• Schleswig-Holstein-Haus

Foto: Maria Buchholz

Rückblick: Im vergangenen Jahr hat die filmab!-Redaktion erstmals einen kleinen Kritikerpreis verliehen – das “Goldene Kälbchen” ging an den Spielfilm “Tag und Nacht”. Darstellerin Anna Roth war sichtlich begeistert bei der Preisübergabe am Seglerheim.
Wir auch. Deswegen wollen wir den inoffiziellen Mini-Ochsen auch dieses Jahr wieder an den Film vergeben, welcher die filmab!-Redaktion am meisten begeistert hat. Der Preis ist absolut undotiert, aber kommt von Herzem. Nach einem ersten Wahlgang mit allen rezensierten Filmen und einer anschließenden Stichwahl gibt es einen klaren Gewinner.

Leider konnte das Team um Regisseur David Schalko am Wochenende nicht mehr in Schwerin sein, um den Preis persönlich von uns überreicht zu bekommen. Deshalb werden wir das kleine, goldene Tierchen nachschicken – verbunden mit der Bitte, uns ein schönes Foto zusammen mit dem Kälbchen zuzusenden, um es hier zu veröffentlichen. In diesem Sinne: Herzlichen Glückwunsch!

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• “Das Goldene Kälbchen” im filmab!-Magazin lesen

Foto: Marco Herzog

Ehrenpreis “Der Goldene Ochse”

Otto Sander

Darstellerpreise

Nachwuchsdarstellerpreis
Alina Levshin in “Kriegerin”

Preis für die beste darstellerische Leistung
Devid Striesow und Louisa Sappelt in “Transpapa”

Spielfilmwettbewerb

Hauptpreis “Der Fliegende Ochse”
“Was bleibt” von Hans-Christian Schmid

NDR-Regiepreis
“Transpapa” von Sarah Judith Mettke

Preis für die beste Musik- und Tongestaltung
“Wie man leben soll” von David Schalko

Publikumspreis der Schweriner Volkszeitung
“Bis zum Horizont, dann links!” von Bernd Böhlich

Der CineStar
“Bis zum Horizont, dann links!” von Bernd Böhlich

Preis der Jury der deutschsprachigen Filmkritik in der FIPRESCI
“Transpapa” von Sarah Judith Mettke

Dokumentarfilmwettbewerb

Publikumspreis
“Herr Wichmann aus der dritten Reihe” von Andreas Dresen

Nachwuchsförderpreis der DEFA-Stiftung
“This ain’t California” von Marten Persiel

Kurzfilmwettbewerb

Hauptpreis
“Streuner” von Leonie Krippendorff
und “Olgastraße 18″ von Liv Scharbatke und Jörg Rambaum

Preis für die beste Bildgestaltung
“Kursdorf” von Michael Schwarz, Kamera: Alexander Griesser

“Der Findling” vom Landesverband Filmkommunikation
“Olgastraße 18″ von Liv Scharbatke und Jörg Rambaum
 

Kurzfilmnacht

“Golden Moon”
“Schwitzkasten” von Christian Ricken

Foto: blende2komma2

Aus 200 eingeschickten Filmen wurden 24 Werke ausgewählt, um am Freitagabend über die etwas verbaute Leinwand des Speichers zu flimmern. In drei Blöcken wurden die Kurzweiler runtergerasselt. Dazwischen spielte eine niedliche, junge Männerband etwas laute Musik. Moderator „Moe“ führte mit spontanen Einfällen durch den Abend, aber fasste sich angenehm kurz.

Dem besten Film winkt am Ende des Abends wie üblich der „Golden Moon“. Der 1. Platz ist mit 250 Euro dotiert und wird direkt in der Nacht vom Publikum gewählt. Alle Stimmen werden ausgezählt, die Gewinner mit einem sich überraschend ergebenen Trommelwirbel des Banddrummers verkündet. Die Stimmung im Speicher war durchweg gut mit den knapp 50 Leuten, die zur Mitte der Nacht noch verblieben waren. Leider fehlte es der Preisverleihung an Prominenz. Weder Regisseure, Kameraassistenten oder Setbeleuchter noch Kabelträger der Publikumslieblinge waren anwesend, um ihre Urkunden würdigend entgegenzunehmen. Sehr schade, aber vielleicht lag es auch daran, dass aus nicht ganz ausgeführten Gründen der Abspann einer jeden Produktion abgebrochen wurde. Ist unsere Zeit denn deratig knapp bemessen?

Einsame Spitze war die Auswahl der Filme. Von Romanzen zwischen Kitsch und Klamauk über Action von Trashig und Splatter bis zu großen Gedanken des Lebens, Erklärungsversuchen zur Jugendkultur, Aufbereitung historischer Fakten oder Geschichten von gesellschaftlichen Konflikten sowie kunstvoll gelungenen Inszinierungen oder berührenden Ansichten einer jungen Frau, die sich eine Stimme lieh, um sich uns mitzuteilen. Am Ende war es schwierig, nur drei Filme zu favorisieren.

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Foto: Kinowelt

Cassiel (Otto Sander) ist unsterblich. Von der Siegessäule aus blickt er über Berlin, streift durch Straßen und U-Bahn-Stationen, beobachtet das rege Treiben der Menschen, lauscht ihren Gedanken und Sorgen. Niemand kann ihn sehen, doch sein Freund Damiel (Bruno Ganz) kann Cassiel spüren, wenn dieser ihm sanft ins Ohr pustet.
Der Engel und seine Gefährtin Raphaela (Nastassja Kinski) sind enttäuscht: „Die Menschen haben sich nicht der Erde Untertan gemacht, sie sind ihr Untertan geworden.“ Sie sind deprimiert von der sozialen Kälte und davon, nicht zu wissen, wie es sich anfühlt ein Mensch zu sein. Als Cassiel der kleinen Raissa das Leben rettet, wird er plötzlich quicklebendig. Doch wenn Engel fallen, fallen sie tief: Begleitet von einem gewissen Emit Flesti (Willem Dafoe) verliert der sanftmütige Bote nicht nur sein Geld, sondern auch seine Orientierung. Als er in die Geschäfte des dubiosen Tony Baker (Horst Buchholz) einsteigt, nimmt die Geschichte um ein verstecktes Waffenlager unterhalb des Tempelhofer Flughafens ihren schicksalhaften Verlauf.

„In der Ferne, so nah!“ ist eine poetisch-melancholische Großstadtsage mit wunderbaren Gastauftritten von Peter Falk, Heinz Rühmann und Michail Gorbatschow. Eingebettet in beeindruckenden Kamerafahrten und sphärischer Musik erzeugt die Fortsetzung von „Der Himmel über Berlin“ eine außergewöhnliche Stimmung. Die 144-minütige Sinn-und-Zeit-Suche wäre ohne das leidenschaftliche Spiel und die warme, vertraute Stimme Otto Sanders undenkbar. Einziger Wermutstropfen: Zu viele Nebenstränge konzentrieren sich auf einen kriminellen Clou, dessen gesamte Aussagekraft so viel geringer ist als ein einziger Song von Lou Reed.

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Foto: Maria Buchholz

Von Sophie Wenkel, Rebecca Bruhn und Martin Funck

	Silke (28) … verrückt sein, so wie „Klappe Cowboy!“.
Raffael (3) …lang.
	Alex (23) …auf die Protagonisten keine Rücksicht nehmen.
Eric (16) … mit Zac Efron sein und High School Musical 4 heißen.
	Matthias (35) …mich unterhalten können – wenn ich nicht darüber nachdenke wie er gemacht ist.
Stefan (38) …mir etwas zeigen, dass ich noch nicht kenne.
	Inge (73) …sollte Action haben.
Sandra (21) …jede Menge Humor haben.
	Jule (22) …endlich mal kein Happy End haben.
Günther (52) …viel Geld in die Kasse bringen.

Foto: filmkunstfest MV

Ein letztes Mal breche ich auf, um eine Begleitausstellung zu besuchen. Treppauf, treppab laufe ich durch die Flure der Volkshochschule Schwerin. Hier sollen seit Ende April russische Filmplakate ausgestellt sein. Diesmal ist das wirklich keine Kunst. Nicht etwa, weil ich finde, dass es keine Kunst ist – sondern weil ich die Kunst einfach nicht finden kann. Die Sonne scheint draußen auch nicht mehr.

Die Kunst, das filmkunstfest und ich – irgendwas läuft da noch nicht ganz rund. Formabzug gibt es für die schlecht ausgeschilderte (oder nicht vorhandene) Filmplakat-Ausstellung sowie für die deplatzierte Videointervention „Anxiety States“ im Staatlichen Museum. Besser präsentieren sich die Objekte und Installationen von Alexei Kostroma im Schleswig-Holstein-Haus, die außer dem Ursprungsland Russland aber wenig mit dem filmkunstfest gemein hatten. Nette Worte zur Interpretationshilfe fielen bei der Eröffnung von Matthias Siggelkows „Caspar David Friedrich Projekt“ im Schweriner Dom. Dort findet man neben einer Hand voll Gemälden auch einen ausgebrannten Jollenkreuzer im Kirchenschiff.

Das „Forum der Künste“ hinkt den Filmen dieses Festivals noch hinterher. Die Ausstellungen werden außerhalb des Programmfaltplans schlecht beworben, Personal vor Ort scheint nicht hundertprozentig von dem Sinn der Sache überzeugt. Ein Trost: Hochkarätige Lesungen standen mehrmals im Festivalplan.
Für die Zukunft wünsche ich dem filmkunstfest und mir ein vielfältigeres Kunstangebot, das auch inhaltlich klüger ins Programm eingebunden und an den Standorten besser organisiert ist. Egal, ob die Sonne scheint oder nicht.

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Foto: Filmstill

Arusha Ntarama (Sheri Hagen) will Rache. Ihren Mann und ihre Töchter hat sie bei einem Massaker im Kongo verloren, das heute längst vergessen scheint. Wirtschaftsminister Simon Taylor (Tyron Ricketts) und sein Begleiter Joseph (Morgan Domingos) kommen nach Berlin und checken in ein Hotel ein. Dort werden sie von der bewaffneten Arusha überrascht, die die Beiden mit ihrer Vergangenheit konfrontiert und Gerechtigkeit fordert. Sie will Commander Robert Makeni, der sich in ihren Augen als Taylor ausgibt, zur Rechenschaft ziehen. Als der Manager des Hotels Marco Held (Ken Duken) nach seinen Gästen im Zimmer schauen will, gerät er unfreiwillig zwischen die Fronten und wird Zeuge eines schmutzigen Kapitels in der Geschichte Kongos. Wie erstarrt von den gegensätzlichen Darstellungen fällt es Marco schwer, sich für eine Seite zu entscheiden. Soll er den Gefangenen befreien oder zusehen wie er erschossen wird? Doch dann kommt unerwartet Simons Sohn ins Zimmer…

„On the Inside“ (Regie: Uwe Janson) ist an eine wahre Geschichte angelehnt. Ein 2002 stattgefundenes Massaker im Kivu, das an der Weltöffentlichkeit größtenteils vorüberging, diente als Handlungsvorbild und Anlass für den Thriller, der sich auf kleinstem Raum in einem Hotelzimmer abspielt. Mit fesselnder, brutaler Realität wird nach Gerechtigkeit verlangt. Eine Suche nach der Wahrheit, auf dem schmalen Grat zwischen Schuld und Unschuld. Die Konflikte und Umstände sind ein Sinnbild für Kriegsverbrechen, die auf der ganzen Welt passieren. Eine mitreißende Verfilmung mit herausragender schauspielerischer Darbietung.

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Foto: www.yert.com

50 Staaten, drei Freunde, ein Auto: das ist „Your Environmental Road Trip“. Ben, Mark und Julie nehmen sich vor, auf umweltfreundliche und energiesparende Art eine einjährige Reise durch die Vereinigten Staaten von Amerika zu unternehmen. Sie wollen ihren Müll, den sie produzieren, aber nicht kompostieren können, im Auto mitnehmen und nur einen Schuhkarton voll Abfall im Monat produzieren. Sie wohnen in Lehmhütten, Bretterbuden und bei Weggefährten. Sie treffen zahllose Umweltaktivisten, Projektgruppen und Organisationen, die verschiedene Spezies oder Lebensräume schützen wollen, Energie oder Wasser sparende Erfindungen präsentieren oder alternative Energiequellen entwickeln – kurzum: die Welt verbessern wollen. Bei der Menge der leidenschaftlich vorgestellten Projekte fällt es allerdings schwer, die Wichtigkeit und Qualität jedes einzelnen wertzuschätzen.

Der in Originalsprache gezeigte amerikanische Dokumentarfilm „YERT- Your Environmental Road Trip“ erinnert an Al Gores „Eine unbequeme Wahrheit“ und „We Feed The World“, welcher sich kritisch mit der Lebensmittelindustrie auseinandersetzt.

Zu Zeiten von globaler Erwärmung und schwindenden Ressourcen wird ein unumstritten ernstzunehmendes und überlebenswichtiges Thema beleuchtet und versucht, Alternativen zu finden. Das Engagement und die Begeisterung der Interviewpartner steckt an. Die nett gemachte, aber phasenweise unübersichtliche Doku regt an, seinen eigenen Umgang mit der Umwelt zu überdenken.

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Foto: Filmstill

Irgendwo in Russland wird ein Film gedreht. Danila Bagrow (Sergej Sergejewitsch Bodrow) stolpert über das Set. In der nächsten Szene sitzt er verprügelt auf der Polizeistation. Seine Mutter schickt ihn nach St. Petersburg zu seinem großen Bruder, um Arbeit zu finden und sich nicht mehr auf unterschiedlichste Art mit dem Gesetz anzulegen. Doch sein Bruder Wiktor ist in der Mafia keine kleine Nummer…
Zwei Brüder, knappe Gespräche, russische Rockmusik, misshandelte Frauen, ein bisschen Liebe und Zuneigung, schmierige Bandenführer und Waffen sind die Zutaten dieses russischen Dramas. Die Handlung ist in groben Zügen dargestellt und bedarf keiner weitschweifigen Erklärungen. Ausufernde, stille Passagen zeichnen eine trübe Stimmung in den elenden Gegenden einer grauen Stadt. Für Danila gibt es keine Perspektive und keine Alternativen. Stattdessen läuft er immer mit seinem Discman herum, ununterbrochen die russische Rockband Nautilus Pompilius hörend.

„Brat“ (zu Deutsch: „Der Bruder“) von Alexei Balabanow ist ganz großes Kino. Ein Gangsterfilm mit einem Handlanger, der seine eigenen Regeln von Recht und Gesetz aufstellt. Sergej Sergejewitsch Bodrow erhielt für seine Rolle als Danila den „Silberner Hugo“ beim Chicago International Film Festival. Mit markigen Sprüchen wie „Stärke liegt nicht im Geld, sondern in der Wahrheit.“ wird Bodrow in den Neunzigern zum Idol einer ganzen Generation – ehe er 2002 bei einem Lawinenunglück im Kaukakus tödlich verunglückte.
Ein sehr klassisch anmutender Film für jeden, der dubiose Gestalten mit hochgestellten Mäntelkragen und versteckten Waffen mag.

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Foto: blende2komma2

Herr Glatzeder, Sie sind dieses Jahr zum ersten Mal Mitglied der Kurzfilmjury. Wie ist es für Sie, als Schauspieler auf der anderen Seite zu sitzen und Filme zu beurteilen, statt selbst mitzuwirken?

Es ist natürlich einfacher, darüber zu urteilen, als es selbst zu machen. Deshalb bin ich aber auch sehr vorsichtig. Wir haben zehn Filme gesehen und unter diesen zehn haben wir die gefunden, die uns am originellsten und überraschendsten erschienen.

Was macht für Sie einen guten Kurzfilm aus?

Da es sich meistens um Absolventen von Filmakademien handelt, sagt man gern: wenig Geld, viel Fantasie. Es ist die Chance, alles machen zu können. Man hat keine Beschränkungen, außer man setzt sich selbst Denkbarrieren. Andererseits: Kurzfilme sind noch schwieriger, weil man eine Geschichte pointiert in zehn Sätzen erzählen muss. Man hat keinen Raum und kein Geld, um viel zu labern, sondern muss sich auf das Wesentliche konzentrieren. Das ist sicher eine große Schwierigkeit.

Was ist Ihnen dabei besonders wichtig? Was muss ein Kurzfilm haben, damit er aus der Masse hervorsticht?

Ich hoffe immer auf eine besondere Sicht auf unsere Zeit, auf unsere Welt, auf unser Leben. Jede Geschichte an sich ist irgendwie besonders, aber komischerweise auch so, dass ich denke: Das hab ich alles schon gesehen. Ich lauer immer auf Überraschungen, wenn ich mit Humor und Witz hinters Licht geführt werde. Das ist schön. Das Leben ist ja auch so: Du gehst aus dem Haus, stolperst und rutscht auf ‘ner Bananenschale aus. Die Wirklichkeit schlägt erbarmungslos zu.

Sie haben eben von Denkbarrieren gesprochen. Wo kommen diese her?

Das hängt stark von der Erziehung ab. In unserem Leben ist es schwierig, den Alltag zu bewältigen. Eingefahrene Rhythmen sind wichtig, um das alles durchzustehen. Das geht schon mit dem Zähneputzen los. Ob Kindergarten, Schule oder Studium – das Pensum an Lernstoff ist so groß, dass die Fantasie dabei völlig hops geht. Wenige erhalten sich das, was Kinder eigentlich haben. Kinderbilder haben einen so schönen Rausch der Farben, der Dynamik. Sie sind eine Abstraktion, die wahnsinnig ist und man sieht sofort, was gemeint ist.

Dürfen Kurzfilme denn auch schön sein?

Ja, natürlich. Das war letztens bei einem Kurzfilm ganz schön: Ein blondes Mädchen in einem Kindergarten. Sie hat eine Grube gegraben, vier kleine, schwarze Katzenbabys reingelegt und sie lebendig vergraben. Das ist außer der Norm.
Ich bin eher ein praktischer Mensch. Als ich meine Autobiografie „Paul und ich“ geschrieben habe, habe ich anderthalb Jahre gekämpft. Ich habe Hochachtung vor einem Autor, der da sitzt und sich zwei oder drei Jahre mit 600 Seiten abquält. Das ist wirklich eine gigantische Arbeit. Bei meiner Diplomarbeit war es so: Ich habe 60 Seiten geschrieben, mein Dozent kam zu mir und meinte: Ist alles scheiße. Danach waren es nur noch 15 Seiten. Dabei ging es eben um einen Kurzfilm. Noch heute wird die Diplomarbeit oft aus der Bibliothek der Filmhochschule ausgeliehen und wie eine Kochanleitung benutzt. Sie scheint also ganz interessant zu sein.

Vielen Dank für das Gespräch!

Foto: Conny Klein

Bewegungstherapie, Wassermassagen, Chor und Lesenachmittage – das ist alles, was der letzte Lebensabschnitt noch an Überraschungen für Annegret Simon (Angelica Domröse) bereit hält. Die Seniorin wird von ihrer Familie in ein Altersheim abgeschoben. Wenig begeistert davon resigniert sie und isoliert sich von allen anderen Heimbewohnern. Ähnlich wie ihr ergeht es auch Eckhardt Tiedgen (Otto Sander), der schon seit acht langen Jahren ein unspektakuläres Leben in der Seniorenresidenz fristet. Der Einzug von Annegret bekräftigt ihn in dem Wunsch nach Veränderung, nach dem Ende der Resignation und einem Ausbruch aus der täglichen Tristesse des Altersheimes. Ein geplanter Rundflug über Brandenburg wird zum perfekten Zeitpunkt eines frechen Clous: Tiedgen entführt völlig unvorbereitet das Flugzeug. Er weiß genau, wohin es gehen soll – ans Meer.

„Bis zum Horizont, dann links!“ von Bernd Böhlich ist ein liebenswertes Plädoyer für das Anrecht auf ein erfülltes Leben. Selbstbestimmt handeln, lieben und leben will jeder Mensch, vollkommen unabhängig davon, wie alt er ist. Böhlich ist es dabei besonders gut gelungen, die richtige Balance zwischen der eigentlich traurigen Realität und dem lebensfrohen Ausbruch zu finden. Jeder Charakter besticht mit seinem ganz eigenen Charme und macht die ungewöhnliche Entführungsgeschichte zu einem sehenswerten Kinoerlebnis. Man kommt nicht drum herum, sich von dieser Komödie mit Tiefgang das Herz erwärmen zu lassen – ganz egal, wie sehr man sich vor solch einer Metapher sträuben mag.

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Foto: 2012 Rockador Film.

An der Himmelspforte steht der junge Vater Hannes (Christof Arnold) in der Schlange zu Mr. Peterson (Johannes „Jopi“ Heesters). Hannes will sich nicht damit abfinden, dass sein Leben vorbei ist. „Sogar ich könnte im Nullkommanix alle Gebote brechen“, erklärt Hannes verärgert. Der Pförtner stellt ihn vor eine verhängnisvolle Wette: In einer halben Stunde soll er alle zehn Gebote brechen. Gelingt ihm das, darf er für drei Monate zu seiner schwerkranken Tochter zurück. Verliert er, geht er in die Hölle. Unbedacht schlägt Hannes auf der Erde ein, um festzustellen, dass der Transitmanager ein Schlitzohr ist. Eine verrauchte Kneipe wird zum Schauplatz für den unmoralischen Bruch der zehn Gebote.

Im 18-minütigen Kurzfilm „TEN – Sündige und du wirst erlöst“ schaffen zwei außergewöhnliche Locations eine besonderes Atmosphäre. Während der Flughafen Memmingen die moderne Himmelspforte symbolisiert, wurde die legendäre Münchener Szenekneipe „Schwabinger 7“ zum Ort der Sünden auserwählt.
Mit dem im Dezember 2011 verstorbenen Johannes Heester hat der Regisseur Stefan Hering die passende Star-Besetzung für die Schlüsselfigur des Transitmanagers gefunden. Seine spannende Geschichte über Sünde, Sehnsucht und Moral ist ein Spiegelbild menschlicher Abgründe. Ist wirklich alles erlaubt, wenn das Leben eines geliebten Menschen bedroht ist? Ein neuer Perspektivwechsel der christlichen Gebote entfesselt einen spannenden Diskurs über moralische Verantwortung.

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Foto: "Jenny Them" / www.jugendfotos.de, CC-Lizenz(by)

Unter dem Pseudonym Thomas Kuban ist der Reporter Kameramann und Hauptperson zugleich. Immer mit der Angst im Nacken aufzufliegen und das Projekt und sein Leben zu riskieren, zeigt ihn Regisseur und Produzent Peter Ohlendorf auf seinem unermüdlichen Einsatz, die rechte Rockszene in Deutschland und weiteren europäischen Ländern aufzudecken. Unverblümt wird die Verherrlichung faschistischer Propaganda offengelegt. Es ist erschreckend, wie unreflektiert menschenverachtende Gesänge zelebriert und mit Sieg-Heil-Rufen „beklatscht“ werden.

Schwach ist der Film hinsichtlich der einseitigen Perspektive und immer gleicher Bilder: Die rechte Kultur wird lediglich an ihrer Oberfläche dargestellt. Es kommen nur Menschen zu Wort, die selbst distanziert sind und die Musikszene von außen analysieren. Keine Stimmen und Motivationen von innen, keine Aussteiger, keine Jugendlichen, die vielleicht schon Kontakt mit der rechten Kultur hatten.
Die dauernde Wiederholung ähnlicher Bilder aus saufenden und grölenden Skinheads wird im Verlauf der Dokumentation ermüdend. Informierte Zuschauer werden wenig Neues in dem Film erkennen, weil er Insidereindrücke, jedoch kein Insiderwissen offenlegt.
Die Dokumentation „Blut muss fließen – Undercover unter Nazis“ ist weniger als Film, sondern mehr als politisches Projekt zu würdigen. Regisseur und Kameramann sind Kämpfer für die Demokratie. Sie halten Erkenntnisse und Aufnahmen nicht zurück, sondern versuchen sie zeitnah durch Sendeanstalten zu publizieren. Sie erreichen dadurch – wenn auch kleine – politische Erfolge und gehen den lobenswerten Kompromiss ein, dass der fertige Film an Neuheitsgehalt einbüßt.

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Foto: Maria Buchholz

Axel, wie haben deine Mitmenschen reagiert, als du anfingst, den Film „Dicke Mädchen“ mit deiner Omma zu drehen?
Ich habe es einfach gedreht und vorher nichts erzählt. Im Nachhinein finden es alle toll, sie ist ja auch so toll. Sie ist leider heute abgereist, weil sie viel zu tun hat. Sie ist 90 Jahre alt und ein Hit!

Wie viel Autobiografie steckt in dem Film?
Die Geschichte ist sehr dicht an uns allen dran. Ich bin schwul und der Sven ist schwul. Ich glaube, den Verlust eines lieben Menschen oder eine unglückliche Liebe kennen wir alle. Insofern ist es wurscht, ob es 17-Jährige erleben oder in diesem Fall zwei reife, gestandene Männer mit einem dicken Bauch. Den habe ich auch selber. Insofern ist es schon dicht dran.

Passt der Film für dich in die Reihe „die jungen wilden“?
Ich kann mich damit identifizieren. Das sind zwei super Attribute! Wenn Omma auf der Bühne steht mit ihren 90 Jahren, das ist auch super. Ich wünsche mir für sie leidenschaftlich gern einen Nachwuchsschauspieler-Preis. Es wäre toll, wenn bei irgendeinem Festival ein Juror meinen Humor hätte…

Wie gehst du mit Flops um?
Wenn ein Film von mir als Regisseur floppt, dann ist das eine mittelschwere, gigantische Oberkatastrophe. Das will ich mir gar nicht ausdenken! Wenn es als Schauspieler passiert, dann ist es ein bisschen anders. Als Regisseur führt man alles auf sich selber zurück, es zerreißt einem die Seele. Ich bin eher ein Sensibelchen. Ich reagiere auf schlechte Kritiken bestürzt.

Aber die gab es bisher noch nicht oft, oder?
Ich habe in der Vergangenheit böse Kritiken gehabt. Über „Dicke Mädchen“ hat noch keiner schlecht geschrieben. Es ist grauenhaft,was ich da gemacht habe – mit dem Wackeln und den ständigen Schärfen und Unschärfen. Und der Ton ist andauernd übersteuert und der Wind laut! Ich weiß nicht, was ich mir dabei gedacht habe. „Dicke Mädchen“ war ein Befreiungsschlag. Und dann musste es auch so scheiße aussehen.

Foto: Maria Buchholz

Als wir „Wie man leben soll“ sahen, erstaunte es uns, dass du so selbstverständlich nackt vor der Kamera stehst.
Das war so grauenhaft! Ich hatte das Gefühl, dass ich die drei Monate Dreh über nur nackt rumgelaufen bin (lacht). Das war unangenehm, weil man erstens kein Schauspieler ist, sondern eigentlich selber Regisseur. Ich wurde auch permanent mit meinem Übergewicht konfrontiert. Der Kostümbildner war ein Sadist! Der hat mich in die unmöglichsten Kostüme gesteckt, in denen ich noch fetter aussah.

Nach dem bahnbrechenden Erfolg von „Schnitzi, Schnitzi“ fragen wir uns: Steht dir eine Karriere als Musiker bevor?
Ich bin sehr froh, dass der „Schnitzi-Schnitzi-Kelch“ an mir vorbeigegangen ist. Ich hatte ein bisschen Angst, dass die mich noch zur Après-Ski-Saison einladen. Ich hatte kurz überlegt: Würdest du das mitmachen? Also nur um ordentlich Kohle zu scheffeln (lacht). Aber dann kam es Gott sei Dank nicht dazu, dass ich mir diese Frage stellen musste.

Kannst du dich mit deiner Rolle als Charlie identifizieren?
Ich kenne den ganz gut. Ich habe den auch in mir, diesen patschigen Schlendrian, der nicht aus dem Arsch kommt. Ich bekämpfe ihn, so gut es geht.

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• Internetseite von Axel Ranisch
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Foto: Jürgen Wittdorf

Nervös und unruhig fahren seine Hände die Stuhllehnen entlang, während er von seinem Coming-out erzählt. Es war nicht einfach für ihn. Jürgen Wittdorf, Jahrgang 1932, ist Grafiker, Aktzeichner und homosexuell. Erst spät, als er längst über 30 Jahre alt ist, wird er sich seiner Sexualität bewusst. Er ist einer von sechs Männern, die von Markus Stein und Ringo Rösener für die Dokumentation „Unter Männern – Schwul in der DDR“ interviewt wurden.
Die ausgewählten Charaktere könnten dabei unterschiedlicher kaum sein. Eduard Stapel studierte Theologie, um sich im Schutz der evangelischen Kirche für die Belange der Schwulen zu engagieren. Oder der ausgeflippte Friseur Frank Schäfer, der die Verhaftungen heute eher locker sieht. Oder der Lehrer Christian Schulz, der verzweifelt versucht, etwas gegen sein „Anderssein“ zu tun.
Was sie alle verbindet, ist die gemeinsame Erfahrung, im sozialistischen System des Arbeiter- und Bauernstaates unerwünscht zu sein. Das Leben fand für sie in einer verbotenen Parallelgesellschaft statt, die sich anonym und heimlich in der Unterwelt der DDR zu etablieren versuchte. Dabei gehen sie alle ganz unterschiedliche Wege mit der Repression, der Ächtung und den inneren Konflikten umzugehen.

Einfühlsam und ehrlich wird von den Erfahrungen der Homosexuellen mit einem Staat berichtet, der sie wegen ihrer Sexualität als Staatsfeinde einstufte. Dabei wird deutlich, dass jeder von ihnen das Leben in der DDR auf seine eigene Art und Weise als beklemmend und erdrückend empfand.

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Foto: Filmstill

Die in den sechziger Jahren beginnende Handlung dreht sich um einen Mann, der zusammen mit seiner Frau die Wohnung in der „Olgastraße 18“ bezieht. Sie bekommen ein Kind. Mit den Jahren leben sich die Eheleute auseinander und lassen sich scheiden sich. Die Frau verlässt den Mann, welcher alleine zurückbleibt. Altes wird durch Neues ersetzt. Die Gewohnheiten zwischen den vier Wänden laufen in einem Zeitraffer ab, in dem Jahre zu Sekunden werden und große Lebensabschnitte pfeilschnell vorbeirauschen. Die Papierstapel auf dem Schreibtisch wachsen und verschwinden, das Ticken der Uhr gibt den Rhythmus auf den Weg in die Gegenwart vor.

Die Spuren der Vergangenheit finden sich in den kleinen Gegenständen des Alltags wieder. Wechselnde Bilder an der Wand zeugen vom Älterwerden und von Veränderungen, die im Hintergrund laufenden Radiosequenzen lassen alte Erinnerungen aufkommen. Die Wohnung wird zum Zeitzeugen, mit dem man auch ohne Darsteller, einen Sprecher oder erläuternde Worte die Lebensgeschichte der Familie erfährt. In melancholisch-romantischer Atmosphäre wird der Zuschauer auf eine Fantasiereise durch die Vergänglichkeit der Zeit mitgenommen.
Das vierminütige Experiment „Olgastraße 18“ ist im Stoptrick-Verfahren hergestellt. Es wurde als gemeinsames Filmprojekt von Liv Scharbatke und Jörg Rambaum umgesetzt, die beide an der Filmakademie Baden-Württemberg studierten. Ein realitätsnahes Memoire, das manch einen an seine eigene Kindheit zurückerinnert.

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Foto: teamworx

„Weißt du noch, wie du unseren Volvo vollgekotzt hast? Du warst noch ganz klein und ich hab immer gedacht: Wie kann aus so einem kleinen Wesen so viel Kotze rauskommen? Wir mussten bis Holland mit offenem Fenster fahren, weil der Wagen so gestunken hat.“ – „Ja, ich weiß. Die Geschichte habt ihr mir schon tausend Mal erzählt.“ Sophia strahlt herzerwärmend, während ihre Tochter ihr nur die kalte Schulter zeigt.

Maren (Luisa Sappelt) ist ein ganz normaler Teenie und befindet sich mitten in den Wirren der Puber… Nein, ich kann nicht schon wieder so anfangen. Und eigentlich stimmt das auch gar nicht. Maren ist überhaupt nicht normal. Sie ist nicht so aufgestylt wie ihre beste Freundin Zora (Henriette Nagel), ist Jungs gegenüber schüchtern und hat zwei Mütter. Bei Uli (Sandra Borgmann) lebt sie – natürlich in Berlin – und Sophia (Devid Striesow) hat sie nicht mehr gesehen, seitdem sie auf der Suche nach sich selbst spirituelle Bücher in Nepal schrieb. Sophia hieß damals noch Bernd. Als sie zu ihrem Geburtstag eine Karte von ihr findet, beschließt Maren sie zu besuchen. Die geballte Weiblichkeit ihres eigentlichen Vaters überfordert sie enorm.

Sarah Judith Mettke schuf einen Spielfilm, der sich sehr diplomatisch mit Transsexualität auseinandersetzt. Durch die langsame Kameraführung und den minimalistisch gehaltenen Filmstil wird die Aufmerksamkeit verstärkt auf die Handlung gelenkt. Der Zuschauer verfolgt das Geschehen durch die Augen Marens, die der sexuellen Orientierung von Bernd/Sophia anfangs sehr kritisch gegenübersteht. Trotzdem schafft sie es, dass man im Laufe des Filmes mit Sophia sympathisiert. Genau wie mit „Transpapa“.

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Foto: Maria Buchholz

Hand aufs Herz – hast du gerade dein Smartphone an und bist erreichbar?
Ja, ich hab gerade erst vor fünf Minuten Mails gecheckt.

In deinem Dokumentarfilm „Speed – Auf der Suche nach der verlorenen Zeit“ sprichst du mit einem Journalisten, der ein halbes Jahr digital fastet, also ohne Handy und Computer lebt. Du hast auch überlegt, diesen Schritt zu gehen. Wieso hast du das letztendlich doch nicht gemacht?
Während der Produktionsphase war es unmöglich, nicht erreichbar zu sein. Die neuen Medien haben definitiv auch Vorteile. Man muss nur aufpassen, dass man nicht regiert wird, sondern die Kontrolle behält.

Schaut man sich „Speed“ genauer an, merkt man, dass wir unser Leben durch Innovation vereinfachen wollen, es aber nicht wirklich schaffen. Gab es in den letzten 200 Jahren Neuheiten, die uns wirklich Zeit zurückgegeben haben?
Die Erfindungen geben uns alle Zeit zurück. Wir wissen nur nicht richtig, sie zu nutzen. Ich glaube, das Problem sind nicht die Geräte an sich, sondern die Selbstdisziplin der Menschen im Umgang mit ihnen.

Das Problem mit der Zeit kennt jeder. Kommen die Leute jetzt zu dir und fragen nach Rat? Bist du der neue Zeitmanagement-Papst?
Das wäre auf jeden Fall eine gute Einnahmequelle. Ich versuche den Leuten immer zu erklären, dass ich keine allgemein gültige Lösung habe, sondern Denkanstöße gebe. Der Umgang mit Zeit ist etwas, das jeder für sich selbst herausfinden muss.

Foto: Maria Buchholz

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Foto: 23/5 Filmproduktion

Eine Familie. Mutter, Vater, zwei Söhne, ein schönes Haus in einem ruhigen Ort. Doch als Marko (Lars Eidinger) an einem Wochenende mit Sohn Zowie (Egon Merten) seine Eltern besucht, gerät die Familienidylle ins Wanken. Seit vielen Jahren ist Mutter Gitte (Corinna Harfouch) depressiv. Sie wird beherrscht von einer Krankheit, die in ihrem Inneren brodelt. Niemand anders kann sie sehen oder begreifen, alle anderen befürchten oder erwarten sogar einen Ausbruch. Als sie ihren Liebsten verkündet, dass sie bereits seit zwei Monaten die verschriebenen Medikamente nicht mehr nimmt, sondern auf alternative Methoden setzt, ist die Angst, die im Raum um sich greift, auch im Kino spürbar. Ein Problem nach dem anderen taucht auf, ob finanzieller oder persönlicher Natur. Während jede Figur des Films mit sich selbst zu kämpfen hat, verschwindet Gitte. Und niemand weiß, wohin.

Regisseur Hans-Christian Schmid schafft mit seinem fast schon dokumentarischen Spielfilm „Was bleibt“ einen intimen Einblick in das komplizierte Konstrukt einer Familie, die zwischen Selbstverwirklichung und Verpflichtung schwankt. Mit zarten Bildern und eindringlicher Musik definiert er die Familie als einen schmalen Grat zwischen Kontrolle und Vertrauen. Zwischen sich Sorgen machen und den Dingen ihren Lauf lassen. Wenn Kinder plötzlich zum Halt ihrer Eltern werden und sich die Rollen verschieben, scheint sich ihr kleines Universum auf den Kopf zu stellen. Alles und jeder verliert den Boden unter den Füßen. Trotzdem bleibt der Kinobesucher fest auf seinem Platz sitzen, um keinen Aspekt dieses stillen und nahen Films zu verpassen.

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Foto: Leif Heanzo

Christian „Flake“ Lorenz trägt Brille, ist groß, dünn und seine Lehre zum Werkzeugmacher schließt er nur mit mäßigem Erfolg ab. Nebenbei macht Flake auch Musik.
Mittlerweile international bekannt und gefeiert als Keyboarder der Ausnahmeband Rammstein, erinnert er sich an seine Kindheit in Ostberlin, erste erfolglose Auftritte am Keyboard, Jazz und Blues auf Schallplatten. „Wenn da so ein Heinz kommt und da rumdüdelt… Also ick würd’ da auch rausgehen.“

Er spielt in Bands wie „Feeling B“ oder „Die Maske des roten Todes“, bis er nach der Wende zu Rammstein findet. Dort ist er vor allem in den Bühnenshows der fragile Außenseiter. Flake ist die „ironische Brechung“ der Band. Eine Witzfigur, die gleichzeitig mit ihrer „komischen, um die Ecke gedachten Musik“ das i-Tüpfelchen auf die düsteren Heavy-Metal-Sounds seiner Bandkollegen setzt. Zu einer Gruppe zu gehören ist ihm wichtig, Einsamkeit scheint ihn zu beängstigen. „Dann sind da welche, die freuen sich, dass man kommt und sagen: ‘Mensch, du hast aber beschissene Schuhe an.’ Das gibt einem das Gefühl, nicht allein auf der Welt zu sein.“

Annekatrin Hendels Dokumentation porträtiert Lorenz abseits seines oftmals grenzdebilen Alter Egos. „Flake – Mein Leben“ ist eine Collage aus Gesprächen mit dem Musikjournalisten Ronald Galenza und eine persönliche Führung durch Lorenz’ Berlin. Für eingefleischte Rammstein-Fans leichte Unterhaltung, für alle anderen eine sympathische, kleine Künstlerbiografie.

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Foto: Jäger & Becker Film

Die rüstigen Rentnerinnen Eva (Ursula Werner) und Christine (Monika Lennartz) leben im Altersheim und könnten unterschiedlicher nicht sein. Christine hat seit dem Tod ihres Mannes mit ihrem Leben abgeschlossen. Die optimistische Eva hingegen beschließt unter der Parole „Man ist nie zu alt, um jung zu sein“ richtig einen drauf zu machen und überredet die zurückhaltende Christine mitzukommen. Diese ist umso überraschter, als das Taxi vor einem Stripclub hält, taut aber nach ein paar Cocktails zwischen den sympathischen Showtänzern auf. Vergnügt torkeln sie schließlich zurück ins Heim und schleichen sich wie junge Schulmädchen an der Nachtschwester vorbei in ihr Zimmer. Beide strahlen vor Glück. Doch schon am nächsten Morgen sieht die Welt ganz anders aus.

Inspiriert durch seine eigenen, sehr verschiedenen Großmütter präsentiert Autor und Regisseur Timo Becker mit „Mädchenabend“ ein unterhaltsam inszeniertes Drama mit bekannten Gesichtern und schönen Bildern. Der Kurzfilm regt zum Nachdenken über den eigenen Lebensabend an. Möchte man ihm gefasst und sachlich entgegengehen oder das Beste draus machen? „Mädchenabend“ ist ein kleiner Appell für mehr Schabernack im hohen Alter. Eine einfach gestrickte Story mit einem umso bewegenderen Ende.

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Foto: Filmstille

Die Kleinwüchsigen Sergio (Manni Laudenbach) und Gregor (Jojo Langenberg) waren ein erfolgreiches Zauberduo im strahlenden Showhimmel. Eines Tages verlässt Gregor die Welt der bunten Lichter. Der „große“ Sergio versucht an die Erfolge anzuknüpfen, doch das gelingt ihm nur schwer. Er beauftragt den professionellen Auftragskiller Cristobal (Peter Brownbill), das lästige Problem aus der Welt zu schaffen. Cristobal unterschätzt seinen kleinwüchsigen Gegner Gregor gewaltig. Am magischen Ende kommt alles anders als gedacht.

Auf den Brettern, die die Welt bedeuten, ist der fröhliche Schein der Einzigartigkeit zu Hause. Erlischt der letzte Scheinwerfer, ist diese Welt geschlossen und den Künstler trifft die harte Realität. Der schreckliche Alptraum eines missglückten Tricks ist das AUS für jeden Zauberkünstler.
Der junge Regisseur Andreas Irnstofer nahm den spannenden Comic „Washing Day“ von Thomas Ott als Grundlage für seinen unterhaltsamen Kurzfilm „The Wrinkle“. Am Anfang steht das Wort „wrinkle“ und dessen mehrfache Bedeutung. Doch wenn Sprache keine Rolle spielt, verstehen es Menschen auf der ganzen Welt. Der nostalgische Schwarzweißfilm ist ganz im Stile des düster-mysteriösen Film noir gestaltet. Am Ende läuft ein Abspann mit charakterischen Szenen aus der Comicvorlage.
Die Moral von der Geschicht: Unterschätze niemals deinen Gegner, auch wenn er noch so klein ist!

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Foto: http://www.farbfilm-verleih.de

Der Blick fällt in eine unwirkliche Landschaft: Erdölbohrtürme mitten im Schnee. Die Kamera schwenkt herum, eine Ortschaft ist zu erkennen. „Was filmen Sie?”, fragt der Jugendliche, der wohl zufällig im Bild steht. „Einen Dokumentarfilm über Michail Chodorkowski“, antwortet ihm Cyril Tuschi. „Kennt ihr den?“
Chodorkowski, 2003 wegen Steuerhinterziehung verurteilt, sitzt irgendwo in Sibirien im Gefängnis. Vorher gehörte er zu den reichsten Menschen der Welt. Chodorkowski hat mit „Menatep“ die erste Privatbank Russlands gegründet, später übernahm er die Mineralölfirma YUKOS. Im Dezember 2010 wird er in einem zweiten Verfahren der Geldwäscherei und Unterschlagung schuldig gesprochen. Michail Borissowitsch Chodorkowski wird voraussichtlich bis 2016 in Haft bleiben.

Die Fakten der Biografie reihen sich ruhig aneinander, sie werden unterbrochen von aktuellen Entwicklungen in der russischen Presse oder den Hindernissen der eigenen Recherche. Fünf Jahre lang befasste sich Cyril Tuschi mit dem „Fall Chodorkowski“. Für seinen Film befragte er über 70 Menschen, schnitt 180 Stunden Filmmaterial zusammen. Existenzielle Ängste plagten ihn: Von vergifteten Kollegen bis hin zum mehrmaligen Diebstahl fertiggestellter Filmversionen.
Man muss sich nicht im Thema auskennen oder von Chodorkowski bereits gehört haben. Die Dokumentation ist umfassend mit Fakten gefüllt. Das erfordert viel Aufmerksamkeit, doch Tuschi schafft es, alle Konflikte zwischen Politik und Wirtschaft, zwischen Macht und Moral, zwischen Putin und Chodorkowski verständlich darzustellen. Wie gut kennt ihr die Politik der Russischen Föderation?

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Foto: klappecowboy.de

Cowboy (Timo Jacobs) ist der Prototyp eines gescheiterten Künstlers. Schon als jugendlicher Rebell träumt er davon, ein unkonventioneller Regisseur zu werden, um sich zu verwirklichen und seine eigene Realität zu erschaffen. Er will sich nichts sagen lassen, sondern selbst die Anweisungen geben. Mit Nichts in der Tasche, aber einer großzügigen Portion Selbstbewusstsein geht er nach Berlin. Gewappnet mit einem überholten Camcorder, der nur noch mit Tape zusammengehalten wird, schlägt er sich mit selbstgemachten, sexistischen Homevideos durch, in denen Transvestiten oder hoffnungslose Gestalten die Hauptrolle spielen.

Die Bandbreite seiner Drehorte beschränkt sich auf Dönerbuden oder laute, viel befahrene Straßen. Der Durchbruch liegt greifbar nah – oder anders gesagt: auf der anderen Seite der Realität. Leere Versprechungen und die berechtigte Ablehnung seiner „Arbeit“ in der Branche führen zu einem Kampf nach Anerkennung. Zusammen mit dem arbeitslosen Pseudoschauspieler Kinski (Peter Koskowski), der die Wirtschaftskrise als Ausrede für sein Dilemma nutzt, und der esoterisch angehauchten Konzeptkünstlerin YPS (Yps Van Tule) versucht der übermotivierte Antiheld Cowboy seine Visionen in einem Action-Painting-Porno umzusetzen. Er lebt nach dem Motto, lieber ein kurzer Jemand als ein langer Niemand zu sein. Der Dilettantismus seiner Rolle verdeutlicht sich durch seine epochal nichtssagenden Reden. Doch seine Konzepte erscheinen wie ein ewiges, erfolgloses Hinhalten des Rezipienten.

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Foto: Polish Film Institute

Ein eigener Chauffeur, Bedienstete, maßgeschneiderte Anzüge – all das hat Dominik (Jakub Gierszal). Doch was der 18-Jährige wirklich will, bekommt er nicht: Zeit mit seinen Eltern, Respekt, Aufmerksamkeit.
Auf der Suche nach Anerkennung und Zuwendung flüchtet er sich in die digitale Welt. In einem Internetforum wird er Mitglied des „Suicide Room“ und findet dort Gleichgesinnte. Sie helfen sich gegenseitig, unterstützen einander und werden so immer mehr zu der Familie, die Dominik nie hatte. Vollkommen isoliert von der Außenwelt verliert er völlig den Bezug zum wirklichen Leben. Virtuelle Welt und Realität beginnen sich zu vermischen, sodass nicht mehr klar ist, was Sein ist und was Schein.

„Suicide Room“ von Jan Komasa ist kein typischer Coming-of-Age-Film. Dominiks Flucht in die virtuellen Weiten gleicht für ihn einer Flucht ins Leben – auch, wenn das bedeutet von der Wirklichkeit abgeschnitten zu sein. In der farbenfrohen, exzellent durchdachten Welt des Suicide Rooms kann er sein, wer und wie er will. Ohne die Vorurteile, Regeln und ständige Anpassung an seine Umwelt fühlt er sich zum allerersten Mal wirklich frei. Seine Eltern verzweifeln unterdessen an der Entwicklung ihres Sohnes, suchen letztlich sogar Hilfe bei einem Psychiater – vergebens. Nichts scheint Dominik noch aus seiner fantastischen, neuen Welt herauslocken zu können. Durch die Mischung aus animierten und realen Szenen beginnt man als Betrachter mit der Zeit selbst, ein bisschen den Bezug zur Realität und dem, was faktisch passiert, zu verlieren.

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Foto: Filmstill

Yola (Ellen Gronwald) ist Mitte zwanzig und lebt in Berlin. Sie ist anders als ihre studentischen Freunde. Sie will keine feste Beziehung, sondern sucht die freie Liebe. Diese findet sie in den Armen, ähm… Händen, ähm… Fingern – na im Parkhaus halt – der Kindergärtnerin Anna (Henrike von Kuick). Doch dafür muss sie den bodenständigen, attraktiven Elias (August Wittgenstein) sitzen lassen, der sich bereits in den dunklen Augen der jungen Frau verloren hat.

Der Kurzfilm „Streuner“ thematisiert eine Suche, auf die sich viele Jugendliche begeben. Der Konflikt zwischen verbindlicher Liebe und verlockendem Abenteuer prägt die heutige Zeit loser Beziehungen. Ziellos wie Yola scheint auch Leonie Krippendorffs Film ins Nichts zu steuern. Die Kamera arbeitet mit verschwommenen Bildern, die ihren Fokus nur auf das wirklich Relevante richten. Nicht zuletzt dadurch wirkt die Atmosphäre insgesamt etwas mysteriös.
Für “Streuner” lohnt es sich, die 15 Minuten aufzubringen. Danach wird man den Kinosaal wahrscheinlich leicht verwirrt verlassen. Doch bleibt die Stimmung, die der Ausgangssong “Robbers” der Cold War Kids vermittelt:
„Sulkin’, walkin’ round the city after dark. (…) I’m knockin tip toe outside a stranger’s door. (…) As robbers in my thoughts they tell me what to think. They’re hiding in my clothes crawling in the kitchen sink.“

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Foto: openclipart.org / Worker

Seine politische Vorstellungen bis zum bitteren Ende zu vertreten – dafür stand Rosa Luxemburg (Barbara Sukowa). Die Sozialistin war eine Rednerin des Volkes, keine Sklavin der Partei. Es ist das Leben einer unbequemen Revolutionärin. Ihre kämpferische Stimme für Mut und Hoffnung mobilisierte ihre begeisterten Anhänger. Sie war nicht die Kämpferin, sondern die Lehrerin der Masse. Rosa Luxemburg sprach sich gegen den Krieg „ohne Bombenabwurf oder verwundete Polizisten aus“. Auf ihre Forderung nach Meinungs- und Pressefreiheit bekam sie eine Absage: „Aber nicht jeder, der eine Meinung hat, hat auch eine Druckmaschine.“ Später wurde Karl Liebknecht (Otto Sander) der zentrale Pol der Revolution, Luxemburg blieb seine linke Hand. Für ihre Ideale bezahlte sie einen tödlichen Preis.

Der Spielfilm „Rosa Luxemburg“ aus dem Jahre 1986 stammt aus der Hand von Drehbuchautorin und Regisseurin Margarethe von Trotta. Für das deutsch-tschechoslowakische Biopic gewann sie den Deutschen Filmpreis, Hauptdarstellerin Barbara Sukowa wurde bei den Filmfestspielen von Cannes als beste Schauspielerin ausgezeichnet. Die Einbindung von historischen Schwarzweiß-Aufnahmen unterstützt die realistische Darstellung. Herausgekommen ist die spannende Verfilmung einer außergewöhnlichen Lebensgeschichte. Die Produktion war für filmkunstfest-Ehrenpreisträger Otto Sander die erste Rolle einer historischen Persönlichkeit.

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Foto © Peter Hartwig

Henryk Wichmann ist ein ausgesprochen freundlicher Mensch. Wenn er auf Seniorenmessen fleißig Hände schüttelt, einer Schulklasse von seinen Haustieren erzählt oder 10.041 Unterschriften für den Erhalt der Polizeiwache Templin an den Innenminister übergibt – immer hat er einen netten Spruch auf den Lippen. Wichmann weiß, wie er seinen Mitmenschen das Gefühl gibt, dass ihnen jemand zuhört. Ein aufmerksamer Blick, bedächtiges Nicken.
Herr Wichmann ist Abgeordneter für die CDU im Brandenburger Landtag. In der Fraktion sitzt er etwas abseits in der hinteren Reihe. Sein Wahlkreis liegt in der fernen Uckermark. Wichmann ist immer in Bewegung. Äcker und Wälder rauschen an ihm vorbei, wenn er mit seinem Wahlkampfbus durch die Alleen fährt. Seine Schwerpunkte sind Verbraucher- und Bildungspolitik. Und immer wieder geht’s um den Schreiadler. Doch Wichmann hat Ausdauer, er ist Überzeugungstäter: „Mein Job ist es, dass ick Ihnen zuhör und weiß, wo der Schuh drückt. Dafür bin ick da.“

Nach „Herr Wichmann von der CDU“ im Jahr 2002 ist der bekannte Filmemacher Andreas Dresen ein zweites Mal in die Beobachterrolle geschlüpft und hat den 34-jährigen Abgeordneten ein Jahr lang begleitet. Entstanden ist ein Portrait, das mit gewissenhafter Ruhe und frei von jeglicher Ironie der ostdeutschen Lokalpolitik auf den Zahn fühlt.

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• Internetauftritt des Abgeordneten Wichmann
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Foto: Facebook-Seite des Films

Kinder sind unschuldige Diamanten in einer aufregenden Welt voller Farben. Sie gestalten sie, wie es ihnen gefällt. Die kindliche Fantasie ist grenzenlos. Bis der erzieherische Erwachsene sie zerstört. Eine Welt, die nur eine erdachte Welt ist, um Zeit zu sparen. Eine Welt voller Leben, und trotzdem leben wir nur ein einziges. Jeder erfasst das eigene Leben mit seinen Sinnen.
Wie erklärt sich ein Blinder (Ruben Zumstrull) die Welt, wenn er sie nicht mit den Augen fassen kann? Wir erleben das Leben auf ganz unterschiedliche Weise. Gestalten die Welt „wie einen Film, der vor unseren Augen abläuft und all die Vermittler zwischen uns und der Welt gemeinsam mit uns inszeniert“, wie es der Augenarzt (Johann Adam Oest) erklärt. Es ist unmöglich, die gesamte globale Vielschichtigkeit zu erfassen. Sie verschlingt den Protagonisten: „Ich bin ihr ausgeliefert wie ein Traum, in einem Traum, in einem Traum.“

Der fünfzehnminütige Kurzfilm „Sechster Sinn, drittes Auge, zweites Gesicht“ von Nachwuchsregisseur Jan Riesenbeck wird beim diesjährigen filmkunstfest erstmalig aufgeführt. Der aufmerksame Beobachter wird in eine geheimnisvolle Fantasiewelt tausender Facetten entführt und ist vom rasanten Bildwechsel und der Informationsüberflutung schlichtweg überfordert. Am Ende ist es eine Frage der Perspektive, wie man dieses Kinoexperiment betrachtet.

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• Internet-Auftritt zum Film
• Interview mit dem Regisseur zur Filmpräsentation auf dem FISH (10.-13.05.2012) in Rostock
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Foto: HANFGARN & UFER Filmproduktion

Yehya hat einen eigenen Staatsanwalt, obwohl er noch nicht einmal volljährig ist. 54 Strafanzeigen gab es schon gegen ihn, bevor er überhaupt strafmündig wurde. Dennoch ist er Vorbild für seine Brüder und Freunde. Er ist der ganze Stolz seiner Familie. Geboren im Libanon, aufgewachsen in einem Flüchtlingslager und in Berlin zum Bandenchef geworden. Yehyas Leben war nie einfach und er selbst schwer zu durchschauen. Jeder Tag war ein einziges Schauspiel, nur um allen Erwartungen gerecht zu werden. Erst als es schon fast zu spät ist, beginnt er zaghaft, sich zu befreien.

Mit dem Dokumentarfilm „Gangsterläufer“ ist Christian Stahl ein feinfühliges Portrait gelungen, das dazu anhält, sich nicht von Klischees und Vorurteilen vereinnahmen zu lassen. Dabei wird Yehya zum Stellvertreter einer Generation, die weder eine Zukunft hat, noch sich sicher ist, ob sie überhaupt eine will. Als im Libanon geborener Palästinenser ist er hin- und hergerissen zwischen Tradition und dem reizvollen Leben auf der Straße.
Christian Stahl hat Yehya und seine Familie fünf Jahre lang begleitet. Dadurch wurde er nicht nur zu einem Freund, sondern zu einem Teil der Familie. Dennoch bewahrt er die emotionale Distanz, zeigt ungeschönt und ehrlich die vollkommen gegensätzlichen Facetten des jungen Einzelkämpfers. Diese einzigartige Nahaufnahme verwirft Klischees, eröffnet Fragen und regt zum Nachdenken an: Über sich selbst, die Gesellschaft im Allgemein und über die angeblich existierenden „Parallelgesellschaften“ in unserem Land.

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Foto: Luna Filmverleih

Charlie Kolostrum (Axel Ranisch) lebt in Wien und hat gerade sein Matura bestanden. Nun heißt es, einen Studienplatz zu finden und endlich raus von Zuhaus. Doch der 128 Kilo schwere Teenager ist anders als die anderen. Er schnorrt sich sein Startkapital bei Verwandten zusammen, ist ein „Sitzer“. Er beginnt ein Studium in Kunstgeschichte, aber nur weil ein Berater es ihm empfiehlt. Ein neuer Lebensabschnitt beginnt, und Charlie muss herauszufinden, „wie man leben soll“.

Die österreichische Komödie wartet mit vielen kreativen Animationen auf. Sie wird von passenden, eigens von Florian Horwarth komponierten Liedern umrahmt. Einprägende Lyrics wie „I want you so much more on the kitchen floor“ ziehen sich durch das ganze Werk. Der Protagonist wird ausgezeichnet von Axel Ranisch gespielt, doch erinnert in seinen Wesenszügen zu sehr an den „Big Lebowski“. Die Dialoge werden alle im österreichischen Dialekt gesprochen. Dieser ist für Ungeübte teils nicht zu verstehen und trübt das Filmvergnügen.
Der Zuschauer kann Charlies Reifeprozess leicht mitverfolgen. So werden die Lektionen eingeblendet, die Kolostrum für sich als Erfahrung verbucht. Mit viel Witz und Ironie lehrt er uns beispielsweise: „Ist man dick, hat unreine Haut und trägt eine Brille, so ist es angebracht, nicht die Klassenschönste zu wählen.“
„Wie man leben soll“ gelingt es, fabelhaft zu unterhalten. Die komischsten Szenen sind die Tagträume Charlies, in denen er meist als Superheld auftritt. Denn wer findet sich nicht schmunzelnd in Situationen wieder, in denen man denkt: „Was ist, wenn ich mit der und der Idee zu ‘Wetten, dass..?’ gehe?“

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Foto: die thede filmproduktion

„Die Frage ist oft gekommen: Wie kann einer dafür sein, für die Ansiedelung eines Kernkrafwerkes?“, resümiert Eggert Block, ehemaliger Bürgermeiser der Gemeinde Brokdorf die damaligen Argumentationen. Ein AKW bringe viele Arbeitsplätze mit guter Bezahlung. Eine Region wie Brokdorf könne das doch nicht ablehnen.
Antje Huberts Dokumentarfilm „Das Ding am Deich“ zeichnet Portraits der regionalen Widerstandsbewegung vom Beginn des Protests bis zur aktuellen Lage in Politik und Gesellschaft.
Über 30 Jahre liegen die Ursprünge vomn Brokdorfs Anti-AKW-Bewegung zurück. 1976 wird der Bau eines neuen Atommeilers am oberen Elbeflusslauf beschlossen. Der Widerstand steht mit Megafon am Zaun. Diskussionen, Erörterungen und Empörungen werden vom Baubeginn am 25. Oktober 1976 in nebliger Nacht überrollt. Die angrenzenden Gemeinden reichen Klage ein, es kommt zu vier Jahren Baustopp. In der Wilstermarsch drücken über 100.000 Menschen ihren Unwillen aus, es wird die bis dato größte Demonstration in der BRD. Dennoch: Das AKW wird gebaut. Am 26. April 1986 kommt es zur Katastrophe von Tschernobyl. Am 8. Oktober wird das AKW von Brokdorf eingeweiht und ans Netz geschlossen, genau vor der Haustür.

„Alleene ist man so ‘ne kleene Schneeflocke im Wind“, fasst Ali Reimer, Atomkraftgegner und Milchbauer der Region Brokdorf, resigniert zusammen. Doch sie waren nicht alleine. Die Kamera von Barbara Metzlaff fängt sensible Bilder der Gesichter ein, die sich von Beginn an engagierten. Entstanden ist ein kollektives Portrait mit verschiedenen Erinnerungen, Gefühlen und eigenen friedlichen, kreativen Protestaktionen.

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Foto: Filmgalerie451

Charo (Mariangel Böhnke) ist 13, lebt in Berlin und befindet sich mitten in den Wirren der Pubertät. Sie trifft sich am liebsten mit ihrer besten Freundin Laura (Mira Aring), hat den coolsten Jungen der Schule im Visier und sticht sich heimlich ein Bauchnabelpiercing. Scheinbar durchlebt sie die ganz normale, schwierige Phase eines Teenies. Nur für das Gymnasium kann sie sich nicht anmelden – sie hat keine Papiere.
Die junge Kolumbianerin und ihre Mutter Inés (Angeles Aparicio) leben illegal in Deutschland. Vor ein paar Jahren sind sie mit einem Touristenvisum eingereist und flüchten seitdem vor der Abschiebung. Als die Polizei an der Tür klopft und Inés festnimmt, wird die Welt von Charo erneut von Grund auf erschüttert.

Frieder Schlaichs „Weil ich schöner bin“ ist ein feinfühliger Spielfilm über die Probleme des Erwachsenwerden und die Angst, in die eigene Vergangenheit zurückgeschickt zu werden. Mit dem nötigen Fingerspitzengefühl und einem atemberaubenden Soundtrack versetzt sich der Zuschauer sofort in die typische Meine-Mama-weiß-nicht-was-gut-für-mich-ist-und-zerstört-mein-ganzes-Leben-Haltung und sympathisiert mit Charo.
Kurze Frequenzen der Langatmigkeit werden durch liebevoll gestaltete Comicszenen aufgelockert. Allgemein beweist der Film ein überdurchschnittliches Maß an Kreativität. Ein guter Mix aus Gewohntem und Neuem, laut und leise, schnell und langsam.

Übrigens: Charo hat die Wette natürlich gewonnen.

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Foto: Marie Kutzer

Vielleicht gehe ich das Ganze verkehrt an. Wieder scheint die Sonne, wie schon am Montag, als ich die Ausstellung „Feathered Diary“ im Schleswig-Holstein-Haus besuchte. Diesmal freue ich mich auf die Videoinstallation „Anxiety States“ im Staatlichen Museum. Dennoch bin ich enttäuscht, als ich erst nach einigem Herumirren in der Ständigen Ausstellung den Fernseher etwas deplaziert zwischen mindestens 300 Jahre älteren Gemälden des Kabinetts „Krieg und Krise“ finde. Na wenigstens Krise passt.
In ihrer Videointervention thematisiert Alina Gutkina die Angst der Menschen in der Postsowjetunion. Unscharfe, verwackelte, grelle Bilder von Landschaften erinnern an Omas Urlaubsvideos. Im Fokus stehen jedoch Teenager, geboren in den Neunzigern. Ihre Zukunft ist unsicher. Selbe Generation, ähnliche Probleme. Warum kann ich mich nicht identifizieren? Soll ich das überhaupt?

Ich frage die hinter mir lauernde Museumsangestellte, was sie von dem Film hält. Sie scheint genauso ratlos zu sein wie ich und druckst etwas rum. Den Standort finde sie auch unpassend, vor allem aber die Sprache. In Dialogen und Monologen in ihrer Muttersprache sprechen die Jugendlichen über ihre Ängste, es gibt Untertitel auf Englisch. „Wer beide Sprachen nicht kann, ist aufgeschmissen“, so ihre Beobachtung. „Na ja, und am Ende erschießt er sich dann.“ Wollte er, tut er aber nicht. Die Szene endet, bevor ein Schuss fällt. Die Pistole ist Richtung Zuschauer gerichtet.
Ich gehe. Wenigstens für die derzeitige Bloemart-Ausstellung hat sich ein Besuch im Staatlichen Museum gelohnt. Und um ein wenig Abkühlung von der Sonne zu haben.

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Foto: MFA+ FilmDistribution e.K.

Die Tragödie „Faust“ mag kein neuer Filmstoff sein. Der hochgelobte, russische Regisseur Alexander Sokurov nutzt den Klassiker von Johann Wolfgang von Goethe lediglich für eine bizarre Adaption. Der 2011 produzierte Spielfilm ist bemerkenswerterweise in deutscher Sprache gedreht. Ein Kniefall vor dem wohl meistzitiertesten Werk deutscher Literatur, es in seiner Originalsprache zu belassen.

Damit sind die Ähnlichkeiten zwischen Werk und Verfilmung bereits am Ende. Die Handlung wird in das frühe 19. Jahrhundert verlegt. Weder Zitate noch Figuren entsprechen der ursprüngliche Vorlage, 140 Minuten lang werden des Dramas erster und zweiter Teil verwurstet. Dr. Faustus ist nicht recht von Mephisto zu unterscheiden, es ergeben sich keine Gegensätze in den Handlungen der vermeintlichen Gegenspieler. Die Ähnlichkeit geht so weit, dass der Wucherer sie als Partner bezeichnet und irgendein Vertrag abgeschlossen wird. Das Gute und das Böse mögen lediglich durch den Menschen existieren, doch ein stärkerer Kontrast zwischen Hell und Dunkel wäre hier wünschenswert. Gar Gretchen, das unschuldige Mädchen, gliedert sich in das finster überzeichnete Welt- und Menschenbild ein und wird selbst zur teuflischen Verführung. Wo die literarische Vorlage des Universalgelehrten mit höchster Motivation nach Wissen strebt, scheint die Filmfigur aus Geldmangel und Hunger umtrieben zu sein.
Sokurovs „Faust“ ist ein aufwendig produzierter Langfilm, der mit beeindruckenden Drehorten aufwartet und mit viel Liebe zum Detail ausgekleidet ist – aber ohne nachvollziehbaren Tatendrang der Charaktere auskommt. Wem es gefällt…

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Laut und fast ohne Worte beginnt die Eröffnungsveranstaltung im Capitol. Die Bolschewistische Kurkapelle Schwarz-Rot rockt mit ihrem russischen Ska ordentlich die Hütte, hier und da wippt ein schüchterner Fuß. Jedoch hat man teilweise das Gefühl, das Schweriner Publikum könnte noch nicht bereit sein für solch geschichtlich-ironische Texte.

Kurze Zeit später eröffnet Moderator Wladimir Kaminer die Veranstaltung mit den Worten: “Alles wird zum Film. Ich bin selbst irgendwie ein Film geworden.” Was er nun genau meint, ist auch an anderer Stelle manchmal nicht ganz klar. Das ist aber auch völlig unerheblich, da die gute Laune im Saal mit jeder weiteren Laudatio steigt. Mit diesem typisch osteuropäischen Humor führt Kaminer durch das Programm, vergisst das ein oder andere und holt es eben etwas später nach. Beeindruckt von dem vielen Platz, den wir hier in Mecklenburg-Vorpommern haben, erklärt er unserem Minister Mathias Brodkorb, wie er seine Amtsbereiche Bildung, Wissenschaft und Kultur am besten ordnen könnte.

Authentisch und sympathisch gestaltet der künstlerische Leiter Stefan Fichtner seine Begrüßung. Auch wenn er noch nie in Sibirien war, konnte er zumindest schon einmal in Moskau die russische Atmosphäre inhallieren und betont, dass russisches Kino vor allem die Vereinbarkeit von Komödie und Kontroverse auszeichne. Nachdem Kaminer noch dem russischen Kulturbotschafter ein Autogramm und ihm somit seine Reiseberechtigung gibt, und der Oberbürgermeisterin Angelika Gramkow zu ihrem Amt gratuliert, endet dieser heitere Abend mit einem weiteren musikalischen Beitrag der Kulturkapelle und dem Eröffnungsfilm “Ausgerechnet Sibirien“.

HFF Konrad Wolf

Die 19-jährige Susanne (Cornelia Kwanka) gerät in Panik. Die Wehen haben plötzlich eingesetzt. Unvorbereitet hastet sie in die Notaufnahme. In ihrer Aufregung sieht sie die Geburt Nathans (Christopher Kwanka) als Offenbarung. Er habe eine Bestimmung und werde Großes leisten. Zwölf Jahre später ziehen die beiden nach Berlin, um neu anzufangen. Die Beziehung mit einem französischen Poeten gibt Susanne neue Hoffnung. Sie bemerkt dabei nicht, wie schwer der Anschluss für Nathan in seiner neuen Klasse ist. Nathan ist ein blasser, schmächtiger und zurückhaltender Junge, dessen einzige Vorherbestimmung es ist, von seinen Mitschülern angespuckt zu werden. Er wird schikaniert, ausgegrenzt und gedemütigt. Seine schulischen Leistungen entsprechen bei weitem nicht dem geforderten Niveau für das Gymnasium, weshalb die Versetzung auf eine Sonderschule droht. Nun muss die allein erziehende Mutter mit ihrem Sohn um Anerkennung und einen Platz im Leben kämpfen.

„Headlock“ (Regie: Johan Carlsen) thematisiert die Integrationsprobleme eines ungewöhnlichen Mutter-Kind-Gespanns. Die tristen Alltagsbilder, ob aus dem grauen Plattenbau oder der Schule, sorgen für eine düstere, eintönige und sehr langatmige Stimmung. Der Wunsch, etwas Besonderes zu sein, äußert sich in Szeneneinblendungen, in denen Nathan denkt zu fliegen oder in einem himmlischen Licht erstrahlt. „Headlock“ wurde mit dem „new berlin film award“ als bester mittellanger Film ausgezeichnet.

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Foto: HFF Konrad Wolf

Wenn er zaubern könnte, dann würde er sich wünschen ein Power Ranger zu sein. Ein lieber Power Ranger, der gegen die Bösen kämpft – und gewinnt. Hannes ist fünf und hat schon seine erste Freundin. In seinem Kindergarten ist er der Stärkste. Seitdem sein Papa weggezogen ist, ist ihm das noch wichtiger geworden. Stark zu sein wie sein „Stiefvadder“, das wünscht er sich. Denn der ist der Allerstärkste auf der Welt.

Mit dem Dokumentarfilm „Hannes – Über Papas und Power Ranger“ ist Daniel Abma ein eindrucksvoll sensibles Portrait eines kleinen Kämpfers gelungen. Dabei stehen jederzeit Hannes und seine Sicht auf die Welt im Vordergrund. Zwischen zwei Papas aufzuwachsen ist für ihn nicht leicht. Auf der Suche nach Anerkennung und dem Platz, an den er gehört, hat er bereits ein bisschen seine kindliche Art verloren. Seine Wortwahl und sein Umgang mit Anderen erinnern manchmal schon zu sehr an einen Erwachsenen.
Neben dem starken, kämpferischen Hannes existiert aber auch der verletzliche, der stets auf der Suche nach Liebe und Anerkennung ist. Daniel Abma gelingt es mit einfachen Mitteln, beide Seiten des eigenwilligen Rabauken einzufangen. Mit einer Ernsthaftigkeit, die man sich nur von mehr Erwachsenen wünschen kann, nimmt er Hannes wahr und hört ihm zu. Dadurch verschafft er dem Zuschauer einen authentischen Einblick in das (nicht immer einfache) Leben eines Fünfjährigen.

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Foto: Filmstill

Jakob (Jonas Nay) kommt in die Klasse und setzt sich auf seinen Platz. Die Sonne scheint, er ist gut gelaunt. Das gestrige Date mit Hannah (Sophia Boehme) lief toll. Er schaut zu seinem Klassenkameraden Henry (Jannik Schümann). Der guckt ihn an, stöhnt laut und tut so, als würde er masturbieren. Man fühlt, wie Jakobs Herz zu rasen beginnt und die Angst ihn erfüllt. Hat Henry das Video gesehen? Die Hitze durchströmt ihn, er sucht verzweifelt nach Worten und rennt weg.
Eigentlich klingt seine Geschichte nach einem klassischen Teenie-Sonntagabend-Streifen: In der Schule läuft es schlecht, das Sensibelchen hat keine richtigen Freunde und die Eltern lassen sich scheiden. Als Jakob der lang angehimmelten Hannah näher kommt, scheint es endlich einmal gut für ihn zu laufen. Doch dann nimmt er ein Video von sich in einer kompromittierenden Lage auf, das durch Zufall in die Hände seiner Mitschüler gerät. Der Weg des sozialen Absturzes ist geebnet. Demütigung, Mobbing und Ausgrenzung beginnen.

Kilian Riedhofs Spielfilm besticht durch die schauspielerische Leistung und eine authentische Handlung. Dank der fein gezeichneten Charaktere versetzt sich der Zuschauer problemlos in die prekäre Situation Jakobs und fühlt in seiner misslichen Lage mit ihm. Die zielgerichtete Kameraarbeit und sorgfältig gestaltete Filmmusik komplettieren diese Produktion zu einem anspruchsvollen Jugendstreifen. „Homevideo“ ist ein Spielfilm, der realitätsbezogener nicht sein könnte und doch so hypothetisch wirkt.

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Foto: Alexander Janetzko / Ascot Elite Filmverleih

Nazis. Merkmale: Glatzen, Hakenkreuztattoos, T-Shirts mit Symbolen wie „88“. Sie ziehen durch einen Zug irgendwo in Mecklenburg-Vorpommern. Verprügeln Ausländer, schikanieren Hopper, setzen den Schaffner aus, übernehmen die Kontrolle. Alltag „hier bei uns im Norden“. Und mittendrin die emanzipierte „Kriegerin“ Marisa (Alina Levshin). Gemeinsam sind sie stark, werden wahrgenommen, haben ein Ziel: den Endsieg.

Svenja (Jella Haase) – 15 Jahre, hasserfüllt, misshandelt, verliebt in einen Nazi.
Rasul (Sayed Ahmad Wasil Mrowat) – Afghane, Asylbewerber, will gar nicht in Deutschland sein, sondern in Schweden.
Was passiert, wenn diese Welten aufeinandertreffen? Was passiert, wenn Gewalt ein Gewissen bekommt? Was passiert, wenn Regionen mit rechtsradikalem Gedankengut allein gelassen werden? Was passiert, wenn niemand den „Nationalen Widerstand“ verhindert? Was passiert, wenn Landkreise aussterben und nur Nazis übrigbleiben? Was passiert, wenn Verwahrlosung, Misshandlung und Perspektivlosigkeit auf Propaganda treffen?

Genau dann passiert das, was ich meine ganze Jugend lang erlebt habe:Nachts nicht mehr durch die Stadt gehen können. Freunde im Krankenhaus besuchen. NPD-Plakate abmontieren. Ehemalige Klassenkameraden in Volkswagen mit Aufschriften wie „100% deutsch“ wiedererkennen.
David Wnendt beschreibt in „Kriegerin“ diese Situation in einer Art und Weise, die beeindruckender nicht sein könnte. Hier in MV. Hier, wo Vielfalt nicht nur gut tut, sondern auch täglich bestraft wird.

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Foto: Filmstill

Louisa ist 22, Psychologiestudentin und liebt Musik. Sie redet und lacht gern. Und doch ist sie anders: Sensibler, feinfühliger, aufmerksamer. Louisa ist gehörlos. Aufgewachsen ist sie dennoch mit der Lautsprache. Erst seit Kurzem lernt sie Zeichensprache. Kommunikationsprobleme gab es kaum, im Alltag hilft ihr das Sprechen ungemein. Trotzdem fühlt Louisa sich betrogen. Da helfen auch nicht die liebevollen Worte ihrer Eltern.

Katharina Pethkes einfühlsames Portrait zeigt eine willensstarke, junge Frau, die sich Schritt für Schritt eine Welt erschließt, der sie eigentlich schon immer angehört. Mit dem Lernen der Gebärdensprache eröffnet sich für Louisa eine völlig andere Ebene der Kommunikation. Nicht mehr sie ist es, die sich anpassen muss, sondern die Hörenden müssen nun umdenken: „Ich sehe mich jetzt als Gehörlose.“
Durch die zahlreichen Nahaufnahmen ist die Vibration der Töne beinahe spürbar. Alle Sinne werden geschärft. Der Zuschauer ist ganz nah dabei, wenn Louisa ihre neue Art der Verständigung erlernt, erprobt und letztlich verteidigt. Katharina Pethke gelingt es mit ihrer 60-minütigen Dokumentation, gekonnt und einfühlsam auf die immer noch bestehende Benachteiligung von gehörlosen Menschen in der Gesellschaft aufmerksam zu machen. Der entscheidende Unterschied: Die Filmemacherin setzt nicht am Mitleid der Hörenden an, sondern legt den Fokus darauf, Respekt zu schaffen.
„Louisa“ ist Teil des Aktionstages „Jede Barriere ist eine zu viel!“ am 3. Mai, an dem das filmkunstfest ein eigenes Programm für Zuschauer mit Sinnesbehinderungen anbietet.

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Foto: Filmstill

Der penetrante Gymnasiallehrer Immanuel Rath (Emil Jannings) findet bei einem Schüler eine aufreizende Fotokarte von der Sängerin Lola Lola (Marlene Dietrich). Verzaubert von ihrer fesselnden, erotischen Ausstrahlung verbringt Rath regelmäßig Zeit mit ihr, bis die beiden heiraten. Doch statt der wahren Liebe sucht die gierige Lola nur Geld. Sie ist wie ein Roboter „von Kopf bis Fuß auf Liebe eingestellt“. Blind vor Hingebung verkommt Rath immer mehr. Bei einer erzwungenen Darbietung schlüpft der Professor in eine erniedrigende Clownrolle. Ungeachtet dessen bändelt Lola mit einem Artisten an – und ahnt nichts von den fatalen Konsequenzen.

Mit dem Kinoklassiker „Der blaue Engel“ erzeugt Josef von Sternberg einen charmanten Einblick zwischen glänzendem Bühnenschein und harter Realität. Die alte Schwarzweiß-Romantik der frühen dreißiger Jahre täuscht nicht über die ungenaue, filmische Verarbeitung der Novelle „Professor Unrat“ von Schriftsteller Heinrich Mann hinweg. In der Anfangszeit des Tonfilms gab es noch keine Synchronisation. Deshalb filmte Josef von Sternberg die englische Fassung mit der gleichen Besetzung. Viele Szenen wurden für den populären Spielfilm „Die Feuerzangenbowle“ von 1944 übernommen. Die deutsche Produktion „Der blaue Engel“ war ein weltweiter Kassenschlager der UfA und verhalf Marlene Dietrich mit ihrer eleganten Ausstrahlung zu internationalem Ruhm. Im Rahmen des filmkunstfestes läuft dieser „Schatz der Filmgeschichte“ als Lieblingsfilm der Leser der Schweriner Volkszeitung. Ein Relikt (fast) vergessener Zeiten mit nostalgischem Charme.

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Foto: Filmstill

Inmitten von Berlin leben Franz (Franz Rogowski), Adrian (Simon Finkas) und Anastasia (Paula Schramm) in den Tag hinein. Verantwortung tragen? Nee, lass ma. Den Alltag verbringen sie mit ziellosen Aktionen, ohne zu wissen, was sie selbst eigentlich wollen. Franz, der gerade von seiner Freundin verlassen wurde, sucht den Ausgleich im Poetry Slam oder verbringt seine Zeit mit nicht ernstgemeinten Wohnungsbesichtigungen. Adrian, der eine Inzestbeziehung mit seiner Mutter Ursula (Gabi Herz) führt, beginnt als vielversprechender Musiker Triangelunterricht zu nehmen. Anastasia nimmt das Couchsurfing wörtlich und ist gleichgültig als Stadtmatratze ihrer Gastgeber unterwegs.

„Frontalwatte“ ist die Projektionsfläche für die gemeinsame, haltlose Unsicherheit der vier Protagonisten, die sich in vulgärer Sprache und niveaulosen Obszönitäten ausdrücken. Die Inhalte bewegen sich weit entfernt vom nüchternen Zustand, der zusätzlich verstärkt wird durch Unschärfen und die schwankende Kameraführung. Es scheint, als ob die Figuren in ihrem Austausch von sinnfreien Banalitäten und provokanten Aussagen den Fremdschämfaktor des Zuschauers auf ein absolutes Maximum bringen wollen. Ungläubig schaut man der Willkür der Handlung zu und fühlt eine seltsame Mischung aus verständnislosem, komisch-traurigem Mitleid. Die Szenen sind improvisiert, als wenn man auf dilettantische Art dem Zuschauer mit versteckter Kamera auf den Zahn fühlen wolle. „Frontalwatte“ versinkt im Strudel der Orientierungslosigkeit und ist New-Trash-Unterhaltung ohne großes Budget: Schonungslos und mutig!

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Foto: Filmstill

Die junge Studentin Isabell (Liv Lisa Fries) war bei einer Krebsvorsorge. Ein unscheinbarer Leberfleck am Hals. Doch ihr Schicksal kann sich in einer Minute ändern. Sie könnte Hautkrebs haben – und was ist dann? Was ist mit ihrem Leben, ihren Gefühlen? Kaum beachtet versucht Isabell, Kontakte zu knüpfen und lernt auf einer Party Susanne (Sinja Dieks) kennen. Siesteht vor einer Entscheidung: Beachtung finden, oder zur Wahrheit stehen? „Trennen Sie sich von Gerechtigkeit, Mitgefühl, Schuld oder Wahrheit. Kein Urteil ist wirklich gerecht. Wahrheit ist ein höchst subjektives Gut.“, referiert ihr Professor im Hörsaal. Die verhängnisvolle Verstrickung wird für Isabell wie eine Sucht. Mit jedem Schwindel, jeder noch so kleinen Unwahrheit wächst das illusorische Kartenhaus, das sie für ihre Außenwelt konstruiert. Was wird es zusammenfallen lassen? Die falsche Freundschaft zu Susanne? Oder die Mitleidsbeziehung mit Felix (Marlon Kittel)?

Der 17-minütige Kurzfilm „Nimmersatt“ von Nachwuchsregisseur Jakob Schmidt führt den Zuschauer durch eine aufmerksame Charakterstudie und lässt ihn zum Beobachter eines dramatischen Zusammenspiels von Wahrheitskosmetik und Sehnsucht nach Anerkennung werden. Was macht das Leben lebenswert? Welche Rolle muss ich haben, um als Jemand beachtet zu werden? Die Regeln einer Gesellschaft sind vielschichtig. Einige bekommen mehr, andere weniger Aufmerksamkeit und Wertschätzung. Im Gegensatz zu der gleichnamigen Kinderbuch-Raupe „Nimmersatt“ entwickelt sich Isabell nicht zu einem wunderschönen Schmetterling, sondern bleibt in ihrem Kokon gefangen.

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Foto: Filmstill

Ein Raum. Die Tür geht auf, ein Mann kommt herein. Die Diele knarrt. Er stellt die Umzugskiste ab. Doch es sind noch mehr Räume, Leute und Geräusche im Haus. Alles scheint zu klingen, ob zufällig oder gewollt, von Maschinen oder Menschen verursacht, laut oder leise, gehört oder verklungen, gedämpft oder verstärkt, manchmal nur der Widerhall.

Hinter „Maison Sonore“ steckt eine bis auf den letzten Ton durchkomponierte Stoptrickanimation, die ähnlich wie ein Lied aus dem Radio knappe fünf Minuten lang ist. Der zweite Kurzfilm von Jonatan Schwenk lief bereits auf einigen nationalen und internationalen Filmfestivals. Schwenk, Student der Visuellen Kommunikation an der Hochschule für Gestaltung in Offenbach, zeigte sich bei dieser Produktion verantwortlich für Regie, Animation, Kamera, Licht und Schnitt. Musik und Sounddesign stammen von Nils Wildegans.
„Maison Sonore“ ist ein kurzweiliges Vergnügen, in dem nicht eine Handlung oder Geschichte im Vordergrund steht. Selbst auf den zweiten Blick ist ein dichter Zusammenhang nicht erkennbar. Die Schauplätze könnten unterschiedlicher nicht sein: Die Kamera führt uns in zwei Wohnungen, eine Eingangshalle, einen Fahrstuhl und bis hinunter in den Keller. Doch alle Szenen und Klänge spielen sich in einem einzigen Haus ab. Ein Lied klingt an, um sich durchzusetzen. Wieder und wieder.

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Foto: Dreamer Joint Venture

Als Rebecca und ich beim Frühstück vor einer Tasse heißem Kaffee sitzen, unterhalten wir uns über Filme, die verändern: Sie geben Denkanstöße, lassen das Gewohnte in einem anderen Licht erscheinen. Man fühlt sich, als müsse man sofort aufstehen und sein Leben anders leben. „Speed – Auf der Suche nach der verlorenen Zeit“ ist ein solcher Film.

Florian hatte eigentlich immer das Gefühl, ein ganz normales Leben zu führen, ohne große Probleme. Als Kind war er Pfadfinder, später wurde er Punk. Er hat einen Job, der ihm Spaß macht: Florian dreht Dokumentarfilme. Doch irgendetwas stimmt nicht mit ihm – er hat keine Zeit. Für nichts.
Also macht er sich auf die Suche danach. Befragt Manager und Aussteiger, besucht be- und entschleunigte Menschen, diskutiert mit Soziologen und Forschern. Er reist in der Hoffnung durch die Welt, die verlorene Zeit und die ultimative Lebensform zu finden.

Florian Opitz‘ Selbstversuch beleuchtet unser modernisiertes Leben aus einer neuen Perspektive. Das für uns so selbstverständliche Keine-Zeit-Haben und Immer-auf-dem-Sprung-Sein wird durch provozierende Thesen angezweifelt. Der Betrachter hinterfragt sich selbst und seine eigene digitale Sphäre. Interessante Dialoge und unterschiedliche Ansichten ergeben ein wunderbares Wechselspiel mit Frequenzen in der Tilt-Shift-Miniaturperspektive.
Wermutstropfen: Die aufgeworfene Frage, wo die Zeit hin ist, wird so richtig nicht beantwortet. Vielleicht ist das aber auch ein individueller Weg des Begreifens, den jeder für sich selbst gehen muss.
So, und ich schalte jetzt Laptop und Handy ab, gehe raus und genieße die herrliche Sonne. Hoffentlich ohne Zeitdruck.

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Seit gestern Nachmittag gehört eine weitere Redakteurin zu unserem filmab!-Team: Lan Behrendt hat den Weg in die Jugendgästeetage etwas später gefunden, aber wir freuen uns deshalb nicht weniger, dass sie uns journalistisch unterstützt. Wir sind gespannt auf schöne Texte und eine tolle Zeit mit ihr.

Foto: Tom Akinlemin, © Junifilm

Lothars Tochter ist verschwunden. Obwohl er seit sieben Jahren keinen Kontakt mehr zu Martha oder ihrer Mutter hat, begibt er sich raus aus seinem überordentlichen Leben. Lothar entdeckt, dass immer mehr Kinder und Jugendliche umherstreunern oder als vermisst gemeldet werden. Er ist einer Gruppe auf der Spur, die sich ähnlich einer Geheimorganisation organisiert. Auch Martha soll Teil der Gruppierung „Die fliegende Ratte“ sein.
Immer wieder kreuzen sich die Wege des adrett geschniegelten Lothars (André Hennicke) und der burschikosen Lou (Luzie Ahrens), die scheinbar von Zuhause weggelaufen ist. Gemeinsam machen sie sich schließlich auf den Weg. „Ihr nehmt euch das Leben, als ob es immer Nachschub geben würde.“ – „Besser, als selbst Nachschub zu sein.“
Leere Straßen, Bürgerwehren, hohe Polizeipräsenz gehören nun zum Alltag. Lou und Lothar treffen auf eine Ansammlung bepackter Jugendlicher, Anhänger der „Fliegenden Ratte“. Seine Tochter findet Lothar nicht, dafür die Anfänge einer Bewegung einer ganzen Generation.

Zwar thematisiert der Film das international aktuelle Thema jugendlichen Aufbegehrens gegen eine Gesellschaft, die ihnen keine Zukunft bietet, fokussiert aber auf den phasenweise sehr langatmigen Weg des Vaters durch die Pampa. Es folgt die Hilflosigkeit der Eltern gegenüber der Vernetzungsmacht ihrer Kinder in einem politisch-relevanten Was-wäre-wenn-Szenario, das den Standpunkt der jungen Generation allerdings nur in Nebensätzen angedeutet.

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Foto: Adrian Stähli

Zsuzsi (Krisztina Kerekes) und Sándor (Zsolt Bogdan) sind seit dreizehn Jahren verheiratet und haben gerade ihr Eigenheim bezogen. Ihre zwei Kinder sind im Ferienlager, so hat das Ehepaar Zeit für sich. Sándor sucht Zsuzsis Nähe, will Sex. Doch sie weicht ihm aus und flüchtet sich in Telefonate mit ihrer Mutter (Eszter Csákányi) in Budapest. Die Liebenden emigrierten vor vielen Jahren in den Süden Deutschlands, haben nun gut bezahlte Jobs und einen Mercedes in der Garage. Doch Nähe und Ferne trennen die beiden, sie leben sich zunehmend auseinander. Die Beziehung scheint gerettet, als Zsuzsi und Sándor eine Paartherapie beginnen. Doch dann meldet sich unerwarteter Besuch aus Ungarn an und die Mittelschichtsidylle gerät aus den Fugen.

Mit „Heimat, Sex und andere Unzulänglichkeiten“ gelingt Regisseurin Réka Kincses ein eindrucksvolles Werk über Routine, Abwechslung und Sehnsucht. Wer einen packenden Film mit schnellen Handlungsabläufen erwartet, ist hier an der falschen Adresse. Der Fokus liegt auf der Beziehung des Ehepaares samt ihren Höhen und Tiefen. Zwischenzeitlich wird der Streifen etwas schleppend, Situationen sind voraussehbar. Die Protagonistin Zsuzsi driftet in Selbstmitleid ab: Ihre Heimat ist ein Ort, an dem sie nicht anders als glücklich sein kann. Deutschland ist an allem Schuld! Diese eigensinnige Haltung zerrt an den Nerven des Zuschauers.
Die Rollen sind sehr gut besetzt. Angesprochene Probleme und Verhaltensweisen sind typisch, sodass sich der Zuschauer mit den Figuren identifizieren kann. Ein bisschen mehr Dynamik hätte dem Film nicht geschadet, doch als ruhiger Ausgleich ist er sehenswert.

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Hier die Ausgabe als PDF herunterladen.

Übrigens liegen zwischen dem 1. und 6. Mai jeweils ab dem frühen Nachmittag an folgenden Orten in Schwerin die Zeitungen aus:

• Capitol Kino
• Intercity Hotel
• Schleswig-Holstein-Haus

Foto: Harald Schmitt

Denis ist Schwimmer und unter Druck gesetzt von seinem Trainervater. Ausgleich findet er beim Rollbrettfahren mit seinen Freunden im Ostberlin der 80er-Jahre. Die Bretter bauen sie selbst, die Kamera ist immer dabei. „Dit war eigentlich unsere schönste Zeit, die Sommer zu dritt.”
Denis skatet. In Berlin ist das plötzlich eine Attraktion, die Freunde finden ihre Szene, ecken an, die Frauen stehen drauf. Die Staatssicherheit nicht, von „Unmoral und einzelgängerischen Individualismus” ist die Rede. Skaten soll organisierter Sport für die Nation werden.
Trainer werden gesucht. Denis rebelliert und heißt nun „Panik“. Panik ist eine Legende. Er verbindet Skater aus Ost- und Westdeutschland, fördert so den Sport, den Jugendliche auf beiden Seiten der Mauer als ihren neuen Lebensstil feiern. Überwacht von der Stasi rastet Panik aus, kommt in Haft. Die Freunde verlieren Kontakt. Jahre später treffen sich die Skatekumpels von Früher wieder – auf Denis’ Beerdigung. Sie kehren zurück an die Umgebung ihrer Jugend, schwelgen in Erinnerung: „Dit war unser schöner, geheimnisvoller, hässlicher Betonspielplatz – die DDR.“

„This ain’t California“ präsentiert sonnendurchflutete Super-8-Filmaufnahmen aus dem Archiv der Jungen, direkt im Wechsel mit den vom Lagerfeuer beleuchteten Gesichtern der Freunde nach der Beerdigung. Sie berichten einander von ihrer Zeit mit dem eigensinnigen Denis. Ebenso eigenwillig ist der zeitweise zu laute, zu typische Soundtrack. Marten Persiels Dokumentation ist ein vielleicht zu persönlicher Film über die Anfänge der Skatekultur in der DDR und einem rebellierenden, beeindruckenden Protagonisten.

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Foto: Filmstill

Es ist 6:45 Uhr. Wie jeden Morgen wacht Edeltraut Ritter in der Sorge (Ruth Bickelhaupt) auf, zu spät zu kommen. Neben ihr im Bett liegt ihr Sohn Sven (Heiko Pinkowski). Er erklärt ihr, es sei Wochenende. Wie jeden Morgen. Edeltraut ist dement. Sven Ritter lebt allein mit seiner Mutter. Wenn er tagsüber in der Bank arbeitet, kümmert sich Daniel (Peter Trabner) liebevoll um sie. Eines Tages haut die eigensinnige Seniorin ab. Auf der Suche nach ihr entdecken Sven und Daniel zärtliche Gefühle füreinander. Plötzlich ist nichts mehr wie zuvor.

„Dicke Mädchen“ lautet der Titel von Axel Ranischs Beitrag für die neue Reihe „die jungen wilden“, der dem Zuschauer einen distanzlosen Einblick auf das Leben mit Demenz gewährt. Dabei steht nicht die Krankheit im Vordergrund, sondern das Leben der Protagonisten und ihre Beziehung zueinander. Dialoge sind improvisiert, ein festes Drehbuch gibt es nicht. All das macht das Geschehen spürbar für den Zuschauer. Gedreht allein mit einem MiniDV-Camcorder war der komplette Film innerhalb von 3 Monaten fertiggestellt.
Ruth Bickelhaupt begeistert mit ihrer authentischen Darstellung, vor allem vor dem Hintergrund, dass sie erst vor wenigen Jahren mit der Schauspielerei begann. Heiko Pinkowski und Peter Trabner gelingt es trotz minimalistischer Mimik und Gestik die diffizile Entwicklung der Beziehung zwischen Sven und Daniel erkennbar zu machen. „Dicke Mädchen“ als Filmtitel ist dabei die passendste Wahl um die durchweg frohe Stimmung einzufangen, die zum Schmunzeln bringt.

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Foto: Filmstill

Was für viele Menschen ein Alptraum wäre, ist in Kursdorf tägliche Realität. Früher herrschte in dem sächsischem Örtchen reges Treiben mit über 250 Einwohner. Heute leben in diesem Dorf nur 30 Bürger. Die katastrophale Ursache ist die aktuelle Verkehrsstruktur. Zwei Start- und Landebahnen mit täglich über 100 Flügen, 1 Bahnhof mit über 100 Zugverbindungen und die Autobahnen A9 und A14 bereisen 50.000 Fahrzeuge täglich. Das ist Alltag bei den Bewohnern von Kursdorf und liegt „in der Sache der Natur eines Flughafens“. Sicherlich wünscht sich so manche Großstadt so eine Infrastruktur. Doch in Kursdorf zerstört sie Existenzen.

Michael Schwarzs viertelstündige Dokumentation spielt beim diesjährigen filmkunstfest in der Wettbewerbsreihe der Kurzfilme. Es spiegelt das Dorfleben im Jahre 2011 an einem der lautesten Plätze Deutschlands wider. Auch wenn der Fortschritt für viele Menschen erhoffte Arbeit bedeutet, so bedeutet es für andere Menschen ihre Heimat zu verlieren. Menschen wie Sybille Baude. Täglich kehrt sie in ihr vom Verfall bedrohtes Dorf zurück und arbeitet wehmütig in einer kleinen Pension.
„Kursdorf“ ist ein kleines Gesellschaftsportrait, in welchem der Zuschauer die stille Beobachterposition inmitten von rauschenden Lärmkulissen einnimmt. Nicht nur das aktuelle Urteil zum Nachtflugverbot am Frankfurter Flughafen ist ein deutlicher Beweis dafür, wie einschneidend Verkehrslärm für die Lebensqualität sein kann. Quo vadis, soziale Verantwortung?

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Foto: Filmstill

Thomas’ Eltern lassen sich scheiden. Zu allem Unglück trifft der 17-Jährige (Sven Gielnik) auf seine Spanischlehrerin Angélica (Carolina Clemente). Es stellt sich heraus, dass die attraktive Frau schon länger eine Affäre mit seinem Vater (Hans-Jochen Wagner) hat. Seine Welt steht Kopf, als er plötzlich mitten im Wald auf Djamile (Eye Haidara) trifft. Die junge Kongolesin floh auf einem Boot nach Europa, der Großteil der Besatzung kam dabei um. Thomas nimmt sie in seinem Hotelzimmer auf – was jedoch nicht lange unentdeckt bleibt.
Der Konflikt zwischen Vater und Sohn spitzt sich zu, denn Niels fürchtet um seinen Job als Staatsanwalt. Seines Erachtens soll die Polizei über das Schicksal des Flüchtlingsmädchens entscheiden. Doch Thomas hat Angst, dass diese die Abschiebung von Djamile beschließt.
Die Handlung gewinnt an Fahrt, als die Afrikanerin offenbart, was der finster dreinblickende Livingston mit ihrem Leben als Prostituierte zu tun hat. Thomas lässt nichts unversucht, um seine neue Freundin zu retten. Ein Krieg zwischen Gesetz und Moral entflammt, den der Teenager scheinbar nicht mehr alleine bewältigen kann.

Mit überzeugenden schauspielerischen Leistungen und exzellenter musikalischer Umrahmung gelingt Sören Voigt mit „Implosion“ eine authentische Darstellung. Gekonnt baut er einen Spannungsbogen auf, der bis zum Ende nicht abreißt. Eindrücklich zeichnet Voigt den Einfluss des Wohlstandes auf den Menschen als Egoisten nach. Hierbei wird immer wieder die Frage aufgeworfen, inwiefern wir verantwortlich für das Elend der afrikanischen Flüchtlinge sind.

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• Trailer (ZDF Mediathek)
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Foto: Sputnik OY, Pandora

Marcel Marx (André Wilms) ist Schuhputzer. Täglich treibt er sich in den trostlosen Gassen herum – auf der einen Schulter sein Putzköfferchen hängend, auf der anderen der Hocker und immer einen passenden Spruch auf den Lippen. Obgleich die Schuldenliste bei Bäcker, Gemüsehändler und Bistrobesitzerin länger als ein französisches Baguette ist, wird er gemocht und findet Unterstützung. Unterstützung braucht auch Idrissa (Blondin Miguel), der sich illegal in Frankreich aufhält. Ohne lange zu zweifeln versteckt Marcel ihn bei sich zu Hause. Dort ist momentan mehr Platz als sonst, denn seine Frau Arletty (Kati Outinen) liegt schwerkrank im Hospital.

Obwohl der afrikanische Flüchtling und der vom Leben gezeichnete Ex-Autor auf den ersten Blick nicht viel miteinander gemeinsam haben, befinden sie sich in einer ähnlichen Situation: Sie wissen nicht, was der nächste Tag für sie bereithält und wohin die sanfte Meeresluft sie treiben wird. Marcel hat nichts – und gibt doch Alles für Idrissa.
„Le Havre“ findet die richtige Balance zwischen schneller Handlung und langsamen Schnitten, zwischen seichten Dialogen und tiefschürfenden Gesprächen. Die Schauspielkünste sind genauso ergreifend wie die Blicke der Flüchtlinge. Das farbliche Konzept schafft eine Atmosphäre, als spiele der Film lange vor 2011. Automatisch versetzt man sich in Marcel, um zum Schluss zu kommen, dass er das einzig Richtige tut. Der Betrachter riecht sein Rasierwasser förmlich in der Nase, fühlt den Stoff von Arlettys Kleid zwischen den Fingern und schmeckt den Rotwein auf der Zunge. Auch nach der 93. Minute bleibt die Erkenntnis, wie wichtig Menschlichkeit, Vertrauen und Zusammenhalt sind.

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Foto / Quelle: Icestorm Entertainment / rudata.ru

Nach der Entlassung aus seiner 5-jährigen Haft versucht der Dieb Egor Prokudin (Wassili Schukschin), nicht wieder in Kontakt mit seiner alten Bande zu kommen. Egor wünscht sich einen Neuanfang. So geht er aufs Land zu Ljuba (Lydia Fedossejewa-Schukschina), mit der er während seines Gefängnisaufenthaltes Briefe schrieb. Doch wider seinen Wunsch erfährt er Ablehnung, Misstrauen und muss sich den Vorurteilen der Dorfbewohner beugen. Ljuba glaubt als Einzige an seine Menschlichkeit und ist bereit, ihn gegen ihre Familie zu verteidigen, um ihm eine Chance zu geben. Zutiefst missverstanden versucht Egor, sich nicht in seiner Einsamkeit zu verlieren.

Regisseur und Drehbuchautor Wassili Schukschin nimmt sich in der Tragödie „Roter Holunder“ (Original: „Kalina Krassnaja“) leidenschaftlich der Rolle des Protagonisten an. Auf hoch emotionaler Ebene verarbeitet er die Probleme der Wiedereingliederung eines ehemaligen Kriminellen. Ljuba wird von Schukschins Frau gespielt. Zusammen verkörpern sie den damaligen russischen Geist, der sich in pragmatischen Denkweisen, temperamentvollen Gefühlsausbrüchen und viel Leidenschaft ausdrückt.
Gezielt wird volkstümliche Musik in die Szenen integriert, um das Gefühlsleben Egors zu untermalen. Auch wenn Sprache und Dramaturgie für heutige Verhältnisse etwas übertrieben erscheinen, so erregte der Film 1974 zur Zeit seiner Veröffentlichung sowohl auf nationaler als auch auf internationaler Ebene große Aufmerksamkeit. Mit nur 45 Jahren starb Schukschin kurz nach der Premiere von „Roter Holunder“, der sein letzter Film blieb.

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Foto: Leonard Zubler

Geboren wurde Sander 1941 in Hannover. Zunächst studierte er Theaterwissenschaft, Germanistik, Philosophie und Kunstgeschichte in München. Dort begann er 1964 Schauspielunterricht zu nehmen. Bei den Kammerspielen Düsseldorf, am Theater der Stadt Heidelberg und der Freien Volksbühne Berlin hatte er erste Engagements. Insgesamt 11 Jahre gehörte er dem Ensemble der Schaubühne Berlin am Halleschen Ufer an.

Otto Sander, Ehrenpreisträger des diesjährigen filmkunstfestes, ist ein wahrer Querdenker. Raum zu schaffen, zu befreien und über alles lachen zu können – das ist es, was sein Schauspiel bezweckt. In seiner Schulzeit wurde er von seinen Mitschülern aufgrund seiner roten Haare gehänselt, so erzählte er in einem Interview. Um diesen Schikanen zu entgehen, beschloss er von da an das Lachen lieber selbst zu erzeugen: „Das war der Angriff nach vorn.“ Daher wirken seine typischen Figuren selbst dann noch komisch, wenn sie nicht gerade ein leichtes Leben haben. Das Konzept scheint zu funktionieren, wie etliche Beiträge am Theater sowie in Film und Fernsehen zeigen.
Anlässlich der Verleihung des Ehrenpreises „Goldener Ochse“ wird im Capitol eine Auswahl von Spielfilmen zu sehen sein, in denen Otto Sander mitgewirkt hat. Teil dieser Hommage sind Kinofilme, die sein schauspielerisch breit gefächertes Talent besonders zum Ausdruck bringen. Neben den Klassikern wird außerdem „Bis zum Horizont, dann links!“ aus dem Jahre 2011 am diesjährigen Spielfilmwettbewerb teilnehmen.

Doch nicht nur auf der Leinwand begeistert Sander das Publikum. Durch seine unverwechselbar warme und kräftige Stimme ist er ebenso als Sprecher für Hörbücher, Hörspiele, Synchronisationen und Dokumentationen gefragt. Unter anderem verlieh er in Schlöndorffs „Tod eines Handlungsreisenden“ Dustin Hoffmann seine Stimme.
Bei so viel Talent fällt es nicht immer leicht, bodenständig zu bleiben und den Überblick zu behalten. Doch auch das gelingt dem Ehemann und Stiefvater zweier Kinder. Seit über 20 Jahren ist Otto Sander mit Monika Becker liiert. Sie war es auch, die die beiden Kinder mit in die Ehe brachte. Meret und Ben Becker sind, ebenso wie ihre Mutter und ihr Stiefvater, der Schauspielerei verfallen. So oft es geht tagt der Familienkreis, um gegenseitig Kritik und Rat zu geben.

Auf die Frage, wie Sander selbst seine Schauspielkunst erkläre, antwortete er in einem ZEIT-Interview anlässlich seines 70. Geburtstages: „Ich will ja gar nichts – nicht belehren, nicht aufklären, nicht erklären. Ich will mich jedenfalls nicht aufdrängen.“ Wahrscheinlich ist es diese angenehme Unaufdringlichkeit, die Sander zu einem der Großen der deutschen Theaterbühnen und Kinofilme macht – und warum Otto Sander den Ehrenpreis verdient hat.

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Foto: Port au Prince Film & Kultur Produktion GmbH

Origami-Künstler Lanzelot (Peter Weiss) lebt in Berlin, ist Mitte Zwanzig und eigentlich in seinen besten Jahren. Doch mit der Liebe will es nicht klappen: Er ist schüchtern und traut sich nicht, Mädchen anzusprechen. Deswegen erklärt sich Mitbewohner Milan (Manuel Cortez) eigenständig zum Abteilungsleiter Internetdating. Schnell verkuppelt er den verwirrten Kumpel mit Hotbunny, Knuddelhexe, Brigitta und Konsorten. Die weiblichen Großstadt-Singles lassen sich nicht lumpen und warten mit allerlei Überraschungen auf: Speed, Hackebeilen, schwer erziehbaren Kindern, Schlachterkitteln, Schließschränken, Eltern und Sex, Sex, Sex.

Ob am Ende dieses Gruselkabinetts noch die Traumfrau auf ihn wartet, ist gar nicht so wichtig. Die Komödie strotzt vor unbeschwerter Frische, Skurrilitäten, witzigen Soundeffekten und einfallsreichen Animationen. Sie ist definitiv Geschmackssache und nichts für Leute, die ein Problem mit intimen Szenen haben. Regisseur Oliver Rihs gelingt mit „Dating Lanzelot“ ein Unikum, welches nicht nur die Berliner Szene widerspiegelt, sondern auch richtig gut unterhält.
Der Streifen macht einfach Bock – und ist sicherlich nicht nüchtern entstanden.

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Foto: Anna Levinson

Ein kleiner Tropfen führt Alisa (Magdalena Zahn) buchstäblich in den mörderischen Wahnsinn. Alisa versucht am tropfenden Haupthahn die Lösung des Problems zu finden – und scheitert kläglich. Sie versucht es mit einer Rohrzange, aber verschlimmert es noch. Die hoffnungsvolle Suche nach Unterstützung bei der ortsansässigen Klempnerfirma Müller & Sohn verlief „außerhalb der Öffnungszeiten“.
„Alisa ist soooo müde.“ In ihrer Schlaflosigkeit erschafft sie eine eigene Welt, verliert die Wirklichkeit in ihren vier Wänden und führt merkwürdige Selbstgespräche. Die weißen Kittelträger mit wechselnden Gesichtern verfolgen Alisa in ihre schlaflosen Nächte.

Die freie Filmemacherin Anna Levison stand bei der skurrilen Verfilmung von „Still Awake“, wie die 23-Jährige selbst sagt, vor schwierigen Entscheidungen. Wer soll in ihr Team und wer wird die Hauptdarstellerin? Die Auswahl war groß und als junge Regisseurin sicherlich nicht ganz einfach. Wurde das eine Problem gelöst, kamen andere hinterher. Die Aufnahme dieses 7-minütigen Kurzfilms erwies sich technisch sehr kompliziert. Viele Szenen wurden mittels Stop-Motion oder vor einem Greenscreen gespielt. Am Ende dieser Entstehungsgeschichte steht ein bizarres Psychospiel, dessen überdramatisierte Handlung den Zuschauer mehr verstört als ihn zu fesseln.

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Foto: blende2komma2

Draußen scheint die Sonne, wir leiden etwas an Nachmittagsmüdigkeit, unsere Hände kleben vom Eis und Presseausweise haben wir auch nicht dabei. Vielleicht sind wir denkbar schlecht auf Kunst eingestellt und tun uns deswegen schwer, einen Zugang zu Alexei Kostromas Ausstellung „Feathered Diary” zu finden.
Alexei Kostroma erregte weltweit Aufmerksamkeit in der Kunstszene, als er 1994 eine Kanone aus dem Zweiten Weltkrieg befederte. Auch für die zurzeit im Schleswig-Holstein-Haus gezeigten Objekte und Malereien verwendete er Federn und Eierschalen. Immer wieder findet man scheinbar willkürliche Rechnungen oder akribisch notierte Nummerierungen auf den Bildern. Ich erkenne einen roten Faden, der sich durch die Ausstellung zieht, sehe aber keine Aussage, die ich zu finden versuche. Sollen die Bilder zum Denken anregen? Was übersehe ich?
Erst als ich im Obergeschoss ein mit Federn eingekleidetes Urinal entdecke, ziehe ich die Parallelen zu Marcel Duchamps Objektkunst. Ich schaue mich erneut um – Alltagsgegenstände, zweckentfremdet, abstrahiert. Kostroma verkleidet gebrauchte Gebrauchtgegenständen mit empfindlichen Naturmaterialien und ordnet ihnen so eine neue Funktion zu.

Ich habe Mühe, meine Begleitung vom Berühren der verschiedenen Texturen abzuhalten. Sie fragt: „Ist das Kunst?“ Als wir wieder hinaus in die Sonne schlendern, beneide ich Alexei Kostroma. Er hatte beim Fertigen dieser Installationen und Collagen sicherlich mehr Freude, als wir beim Besuch seiner Ausstellung. Aufgrund des eigenartigen Materialmixes ist „Feathered Diary“ aber dennoch sehenswert. Es sei denn, draußen scheint die Sonne.

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Foto: Mathias Bothor / Majestic

Matthias Bleuel (Joachim Król), Logistiker beim Modeversandhandel Fengler, wird von seinem Chef auf Dienstreise geschickt. Irgendwo in Südsibirien soll er in einer kleinen Verkaufsstelle neue Verwaltungssoftware installieren. Eigentlich sind nur drei Tage geplant. Doch die Reise entwickelt sich zur unfreiwilligen Odyssee, zu einem Selbsterfahrungstrip tausende Kilometer entfernt vom heimischen Leverkusen.

„Ausgerechnet Sibirien“ ist eine deutsch-russische Produktion aus der Hand von Ralf Huettner. Mit Gastauftritten von Katja Riemann und Armin Rhode ist die Kulturclash-Komödie reich besetzt und sicher gespielt. Passend fängt die Kamera feine Bilder der Charaktere und ihrer Umgebung ein, gerade wenn es um die zahlreichen Schlüsselsymbole wie die Libelle, Tomaten oder den schorischen Kehlkopfgesang geht.
Genau hier ergibt sich aber eine Kluft zwischen Umsetzung und Erwartung. Der ursprüngliche Stoff der Geschichte, welcher auf den Roman „Der Neuling“ von Michael Ebmeyer basiert und die Faszination des Autors für Kehlkopfgesang einfängt, kommt nur randläufig zur Geltung. Die Begegnung mit der russischen Lebensart ist klischeehaft und entspricht eher dem deutschen Bild von temperamentvollen Russen und abgelegenen, esoterisch wirkenden Orten.

Entstanden ist eine humorvolle Story für einen Donnerstagabend ohne Alternativen. Der Roadmovie zeichnet die Entwicklung von Matthias nach, der vom joggenden Hörbuchhörer zum sinnsuchenden Eisbader wird – raus  aus der Reihenhaussiedlung, hinein ins sibirische Abenteuer. Doch für ein Filmfest hoffen wir auf mehr, was den Einblick in die russische Kultur betrifft.

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Es ist Sonntag, 12.52 Uhr. Tino und ich verlassen das Komplex, um uns auf den Weg zum filmkunstfest-Büro zu machen. Genau genommen ist es sogar ein verkaufsoffener Sonntag und so erklärt sich auch, warum die Straßen der Schweriner Innenstadt gut gefüllt sind.

Als alljährliches filmab!-Ritual und Einstieg in den Redaktionsalltag mussten alle Teilnehmer und Teamer Interviews durchführen, um sich besser kennen zu lernen. Wie es das Schicksal so wollte, zogen Tino und ich einander – im übertragenen Sinne – aus dem Hut. Eine perfekte Gelegenheit, mehr über den Anderen zu erfahren. Was eigentlich schon fast nicht mehr möglich ist, da Tino und ich uns schon einige Jahre kennen. Seit so circa, über den geeichten Daumen gepeilt, 6 Jahren. Das sind 6/22 meines Lebens.
Vor 5 Jahren drückte er mir den Flyer für dieses komische filmab!-Seminar in die Hand und irgendwie begann von da an eine Freundschaft. Diese ist vor allem durch gemeinsame Freunde, aber auch durch unsere Zeit beim JMMV und somit vielen halb durchgemachten Nächte geprägt, in denen wir Flyer gelayoutet oder über die Zukunft philosophiert haben. Und jetzt sind wir hier, in Schwerin, auf dem vertrauten Weg zum filmkunstfest-Büro. Das vierte Jahr in Folge zusammen. Noch wissen wir nicht, auf was für eine “beschwerliche” Reise wir uns an diesem letzen ruhigen Tag vor der großen Woche begeben haben.

Wo wir grade bei beschwerlicher Reise sind: Nachdem wir gemeinsam 2008 Abitur gemacht und anschließend in Greifswald unseren Zivildienst geleistet haben, zog es Tino in die weite Welt. Gut, nicht so weit weg, aber immerhin nach Potsdam, um dort zu wohnen und in Berlin Publizistik zu studieren. Wenig später rief ihn das Meer zurück und Tino sollte bald wieder Ostseeluft schnuppern. Voller Tatendrang und Wissensdurst verschlug es ihn in seine Geburtsstadt Rostock, der er bis heute treu geblieben ist, um dort Politik- und Erziehungswissenschaft zu studieren. Von dort aus untersützt er den JMMV, wo immer er kann im Büro, da er zufällig fast nebenan wohnt. Wer Tino kennt, der weiß: Wenn Tino sagt, dass er was macht, dann macht er es auch! Selten findet man heute noch Menschen, die so zuverlässig sind, die sich die Nächte um die Ohren schlagen, um zum Beispiel Texte zu korrigieren. Sei es nun die Bachelorarbeit eines Freundes oder der Artikel für die nächste “JMMV-aktuell”.

Tino als Freund zu haben ist so, als hätte man immer eine Konstante, die auch nach mehrmaligem Integrieren nicht zu Null wird. Er ist einfach immer da und vervollständigt die Gleichung, die ohne ihn einfach falsch wäre.

Erik a.k.a. „Meister Eder“ hat viele Qualitäten: Er ist der JMMVler mit der längsten Aktivenhistorie, ehemaliger Redakteur der Schülerzeitung „Stichling“, Ex-FSJler und diplomierter Verwaltungsökonom – um nur einige Stationen zu nennen. Bei filmab! ist Erik unser eifriger IT-Hausmeister und widmet sich der technischen Feinarbeit an unserem Blogsystem.

Allein heute hätten wir ohne Erik ziemlich alt ausgesehen: Annas Computer hätte kein Servicepack-Update bekommen, Katha würde sich immer noch mit dem Drucker rumärgern, Marco hätte alleine über überhitzte Lüftungen philosophieren müssen. Wie gut, dass er da ist, auch wenn er leider erst Sonntagnachmittag nachkommen konnte. Die verpasste Zeit holt er umso schneller auf: Mit Erik wird geklickt und doppelklickt, auf- und zugeklappt, in- und deinstalliert, gespeichert und exportiert, ein- und ausgeschaltet, hoch- und runtergeladen. Kurz nach 23.00 Uhr erklärt er Marie die Plugins für ein Audioschnittprogramm, um sich gleich danach um die Reanimierung ihres komatösen Laptops zu kümmern. Mit etwas Kabelkunde ist es um 23:43 Uhr geschafft, dass der Beamer läuft und die Redaktion den Eröffnungsfilm sehen kann. Fabelhaft.

Gehört hatte ich von ihr bereits: „Marie Lu Ku“, wie sie sich selbst bei Facebook nennt. Im wahren Leben Marie-Luise Kutzer, 20 Jahre jung und Studentin der Anglistik und Germanistik in Greifswald. Durch eine dem Interview vorangegangene Recherche war mir bereits bekannt, dass sie sich schon länger im JMMV engagiert. Wir gehen durch das heute eher kalte Schwerin, auf der Suche nach einem windstillen Ort, an dem wir unser Interview beginnen können.

Am Pfaffenteich angelangt, frage ich sie zuallererst, wie sie zum JMMV gekommen ist. Marie erzählt mir, dass sie an ihrer ehemaligen Schule Redakteurin der Schülerzeitung war und mit dieser an einem Wettbewerb teilnahm, den der Jugendmedienverband organisiert. Seitdem ist sie ein aktives Mitglied und offiziell zuständig für Öffentlichkeitsarbeit – inoffiziell für die Abteilung Alkohol. Auf die Frage hin, warum sie sich entschieden hat, sich zu engagieren, erklärt sie mir: „Ich wollte schon immer was mit Medien machen und hatte Lust am kreativen Schreiben. Deswegen war ich Teil der Schülerzeitung und deswegen bin ich zum JMMV.“

Es ist Maries erstes Mal bei filmab!. Wie viele ist auch sie kein Freund der heutigen Hollywood-Blockbuster, die ja doch immer wieder nur eine der etlichen Möglichkeiten darstellen, wie unsere Welt zugrundegehen könnte. Eher, sagt sie, interessiere sie sich für Verfilmungen von guten Büchern und künstlerisch anspruchsvollen Filmen. „Langsam juckt es mir auch schon in den Fingern – ich will endlich wieder was schreiben“, berichtet Marie mir, als ich sie frage, warum sie sich entschieden hat, bei filmab! mitzumachen und auf was sie sich in dieser Woche besonders freut. Während sie das erzählt, spürt man ihre Begeisterung für’s Schreiben. Ich kann mich nicht dagegen wehren, mich ein wenig anstecken zu lassen von ihrer Vorfreude.

„Gibt es für dich schwierige Themen, bei denen es dir schwerfallen würde, dazu eine Rezension zu schreiben?“ lautet meine nächste Frage daraufhin. Die Antwort ist schwieriger als gedacht. Grundsätzlich, so sagt sie, muss ein Film nicht schwierig sein, nur weil er ein schwieriges Thema behandelt. „Soziale Tabus, Moral und Ethik, Sachen zu denen man sich noch keine klare Meinung gebildet hat, das sind für mich schwierige Themen. Dennoch finde ich: Wenn dich ein Film bewegt, gibt es immer eine Menge, die man dazu schreiben kann.“, so ihre Aussage. Nach dieser Frage vermeiden wir das ziemlich mies zu definierende Wort „schwierig“.

Eigentlich wollte ich mein Interview mit der Frage nach Maries persönlichem Gewinner des Kurzfilmwettbewerbs enden lassen, aber sie kann keine eindeutige Entscheidung fällen. Während ich ihr all diese Fragen stelle, hat sich unsere Umgebung mehrfach geändert, immer wieder wurden wir von irgendwas umgetrieben und flüchteten vor Wind und Menschen. Schlussendlich kann ich nur bestätigen, was man mir sagte. Ich hatte ja schon von ihr gehört.

Wir wollen raus. Anna will eine rauchen und ich will an die frische Luft. Über Anna weiß ich, dass sie einen weitgefächerten Musikgeschmack von K.I.Z. über Rise Against bis Wolfgang Petri hat. Sie arbeitet in Dreilützow. Bei Facebook haben wir drei gemeinsame Freunde. Am Pfaffenteich angekommen, will ich mehr von ihr wissen.

Anna, was sind drei  Dinge, die ich nicht auf deinem Facebook-Profil über dich erfahre?
Dass ich rauche. (lacht)
Drei wichtige Dinge, die etwas über dich aussagen, bitte.
Dort steht nicht, was ich arbeite, wie alt ich bin und was meine Interessen sind.

Anna ist 19 Jahre alt und macht zurzeit ein Freiwilliges Soziales Jahr der Kultur im Schloss Dreilützow, einem Schullandheim mit Bildungs- und Begegnungsstätte. Was ihre Interessen sind, kann sie erst nicht so genau sagen.

Meine Interessen stehen dort nicht, weil ich einfach glaube, dass das niemanden interessiert. Ich finde es auch schwer zu beschreiben, ‘Hobbies’ ist für mich auch ein ganz schlimmes Wort. Wenn ich Zeit finde, dann lese ich etwas und ansonsten versuche ich, Kunst in mein Leben zu integrieren. Aber im Moment ist mein Kopf so voll, ich bin total unkreativ. Deswegen habe ich im Moment keine anderen Interessen außer Atmen und Schlafen (lacht). Und Rauchen und Bier trinken.

Wie willst du nach deinem FSJ Kunst in deinem Leben integrieren?
Eigentlich wollte ich Kunst studieren, fand mich aber nicht talentiert genug. Deswegen studiere ich Soziale Arbeit und mache danach etwas in Richtung Kunst, Ausbildung zur Kunsttherapeutin oder Kulturpädagogin. Ich bin mir noch nicht sicher.

Bleiben wir doch bei der Kunst. Anna freut sich, zum ersten Mal beim Filmkunstfest live dabei zu sein, endlich Zeit für Filme zu haben und quasi gezwungen ist, die Filme wirklich anzusehen, um darüber zu schreiben.

Nachdem wir gestern schon einige Kurzfilme gesehen haben: Ist das ungefähr das, was du dir vorgestellt hast untern dem Filmangebot auf dem Festival? Oder hat es dich eher abgeschreckt?
Kurzfilme finde ich sowieso immer recht schwierig. Ich hatte auch schon Angst, dass das Filmkunstfest schwierig wird wegen der Filmauswahl. Aber bis auf einen verwirrenden, schnellen Dokumentarfilm, der mich ziemlich erschlagen hat, geht’s eigentlich (lacht). Auch, wenn die meisten Filme traurig waren: Ich glaube, es ist zu bewältigen.

Von den anderen Filmen erhofft sich Anna, dass sie etwas weniger traurig werden. Gespannt ist sie auf den Film „Hannes“, erzählt aus der Sicht eines 5-Jährigen.

Ich mag eher Dokumentarfilme. Filme, die mehr in die Kunst-Richtung gehen und bei denen man nicht mehr wirklich weiß, worum es geht, die finde ich immer schwierig.

Also Kunst ja, aber nicht im Film?
Ja, schon. Kunst ist schwierig manchmal, ähnlich wie in der Austellung im Dom, auf der wir gestern waren. Wenn man nicht genau weiß, was dahinter steht oder was es bedeuten soll, dann  ist es schwer.

Jetzt weiß ich: Anna macht lieber selbst Kunst. Zeit, wieder ins Büro zu schlendern.

Rebecca, liebevoll nur „Rebäggä“ genannt, und ich sitzen am Pfaffenteich. Die Enten schnattern vergnügt. Ein kleiner Junge kommt auf die Schar zugerannt und schreit „Abflug! Abflug!“, während sich seine Stimme überschlägt. Wir lachen.

Ein bisschen Augenringe hat sie noch. Ob das vom Pauken fürs Abi kommt? Fast alle Prüfungen hat Rebecca jetzt fertig geschrieben, in ein paar Wochen wird Schule nur noch eine Erinnerung sein und die Welt steht ihr offen. Aber hysterisch oder aufgeregt ist sie nicht. Nur wie immer – ganz entspannt. „Och, momentan denke ich eigentlich nicht so viel. Natürlich könnte ich mir auch sagen ‚Mensch, du hättest mehr lernen sollen!‘, aber das bringt ja nichts.“
Sie hat die Stunden lieber damit verbracht, Hefter ordentlich hinzulegen, Stifte zu spitzen, nochmal alles wegzuräumen, den Tisch abzuwischen, um es danach wieder penibelst anzuordnen. „Aber wenn ich gelernt habe, war ich immer gut fürs Lernen vorbereitet!“ sagt sie, mit einem breiten Grinsen auf dem Gesicht. Puh, bei so viel „lernen“ in einem Absatz kriege ich auch fast ein schlechtes Gewissen.

Wenn „Rebelli“ nicht gerade pauken muss, engagiert sie sich beim JMMV, macht Mitgliederbetreuung. Und bei der Schülerzeitung. Und beim Bundeswettbewerb der Fremdsprachen. Und bei Jugend im Landtag. Und als Schulsprecherin. Und als Klassensprecherin. Und im Internatsrat. Ganz schön viel also. Aber ihre Arbeit trägt Früchte – vor wenigen Tagen erst wurde dem „Toaster“, der Schülerzeitung vom CJD Rostock, der Preis als beste gymnasiale Schülerzeitung des Landes verliehen. „Wenn ich erstmal eine Idee habe und mich dafür begeistere, kann ich Berge versetzen. 18 Stunden Arbeit am Tag und Schlafmangel sind kein Hindernis.“
Auch filmab! zog Rebecca in den Bann. „Eigentlich habe ich vorher gar nicht viel recherchiert und hatte keine großen Hintergrundinfos. Aber je mehr ihr von den letzten Jahren erzählt, desto mehr Lust bekomme ich. Das Faszinierende ist, dass die Zeitung so enorm viel Gewicht hat und auch die Filmemacher sie lesen.“ Sie strahlt. Ich auch.

„Und, welchen Film möchtest du hier noch unbedingt sehen?“ – „‘Wie man leben soll‘. Weil er den Konflikt zwischen Erwachsenwerden und ob sich das lohnt thematisiert. Ein Konflikt, den jeder austrägt, mich eingenommen.“ Als ich sie danach angucke merke ich, dass das Unbeschwerte und Fröhliche, womit das Wesen eines Kindes beschreiben wird, wohl immer in ihr stecken wird. Manchmal ist sie wie Peter Pan: derbe cool, aber kein Stück erwachsen.

Es ist Sonntag, 12.52 Uhr. Marco und ich verlassen das Komplex, um uns auf den Weg zum Filmkunstfest-Büro zu machen. Genau genommen ist es sogar ein verkaufsoffener Sonntag, und so erklärt sich auch, warum die Straßen der Schweriner Innenstadt gut gefüllt sind.

Dass der Zufall gerade uns zwei als Interviewpartner auserwählt hat, gefällt uns ganz gut. So gesehen kennen wir uns aber viel zu lange, um uns noch besser kennenzulernen. 2008 haben wir gemeinsam Abi am Schlossgymnasium Gützkow gemacht, haben die Sommer mit den gleichen Freunden genossen und stiegen zeitgleich als Aktive beim Jugendmedienverband ein. Dieses Jahr ist es unser viertes gemeinsames filmab!-Seminar. Routine und Erfahrung sind zwei gute Voraussetzungen, um mit Marco etwas zu organisieren: Der 22-jährige Ex-Zivildienstleistende, JMMV-Vorstandskollege und bekennende Club-Mate-Trinker ist – und das wird niemand bestreiten, der ihn kennt – ein ausgesprochen zuverlässiger, im besten Sinne „chilliger“ Freund.

„Machen wir das Interview auf dem Weg zum Filmkunstfest-Büro?“ – gute Idee. Zwei Fliegen mit einer Klappe. Aus der Interview-Lostrommel haben wir beide einen Dreieck-Zettel gezogen. Während wir am Pfaffenteich vorbeischlendern, überlege ich, was das Dreieck ist, das Marcos Lebensachsen zusammenhält. Bekanntlich sind Dreieckskonstruktionen – aus Sicht eines Ingenieurs – besonders stabil. Ecke 1 ist schnell ausgemacht: Marcos bessere Hälfte ist seit drei Jahren Maria, die in die schönen Fotos auf diesem Blog genauso viel Enthusiasmus hineinsteckt wie in die Vorbereitung der gemeinsamen Hochzeit im Sommer.
Damit wären wir schon bei Ecke 2: Marco stellt seit mehreren Jahren eigene Fotografie- und Filmprojekte auf die Beine. Dazu gehören nicht nur die gut besuchten Wochenendseminare des JMMV. Marco und Maria sind das Duo blende2komma2 und haben ihr Steckenpferd mit der Portrait- und Veranstaltungsfotografie gesattelt.
Und welcher Eckpunkt macht die Dreifaltigkeit komplett? Marco studiert im dritten Semester Nachrichtentechnik an der HTW Berlin. Der Weg zum „Bachelor of Engineering“ ist gepflastert mit Seminaren zu Elektrotechnik, digitaler Signalverarbeitung und „verdammt viel Mathe“. Für mich wäre das nichts – Marco beißt sich jedoch fleißig durch die anspruchsvollen Klausuren und regelmäßigen Lerngruppentreffen.

Apropos Treffen: Wir sind angekommen. Das Büro über dem Capitol ist ungewohnt leer und ruhig – der letzte freie Tag fürs Filmkunstfest-Team. Einzig allein der Techniker Steffen ist da. Mit einem Dutzend Festivalkataloge im Rucksack geht es zurück zur Redaktion.

Auf, auf zur Vorstellungsrunde: Lose ziehen, Hallo sagen, hinsetzen, erzählen, Notizen machen. Und am Ende werden wir und ihr uns, die Redaktion, besser kennen. Was also darf ich euch über Maria schreiben?

“Klappe, die Dritte!” heißt es für sie zum 22. Filmkunstfest. Und fängt gleich vom Familienflair an zu sprechen. Nicht nur auf dem Festival, auch in der Redaktion geht es bekanntschaftlich zu. So stellt Maria sich als “Mutti” vor, denn die nächsten Tage will sie sich nebenbei um Versorgung, Gruppe und Leute kümmern. Das große Ganze im Blick, die Details zur Aufgabe: Hauptsächlich gehört sie zur Fotoredaktion des Magazins. Seit Samstag springt sie bereits mit der niedlichen Canon 7D herum, zusammen mit Marco. So auch heute für die Teilnehmerfotos: Mit einem bestimmten Lächeln kommandiert sie jeden in Position.

Ihr fotografischer Werdegang fing bei Interesse an. Über Begeisterung und Workshops des JMMV erlernt und geschult, ist Maria seit zwei Jahren selbstständige Fotografin. Obwohl sie beruflich als Erzieherin im Kindergarten angefangen hatte. Über ihren bunt gemischten Lebenslauf zieht sie kreative Motivation für neue Aufgaben. Folglich geht Maria mit dem guten Vorsatz in die Woche, die nächsten Nächte bis zum Layoutschluss durchzuarbeiten – und durchzuhalten?

Seit 2005 ist Katha als aktives Mitglied im Jugendmedienverband MV e.V. und übernimmt dort wertvolle Aufgaben. Sie sitzt im Vorstand des anerkannten Dachverbands, dem Landesjugendring MV e.V., und gestaltet dort mit anderen Mitgliedern die Jugendarbeit von MV mit. Als zielstrebige, junge Frau studiert sie Erziehungswissenschaft an der Universität Rostock und nutzt ihr Studium für ihre Verbandsarbeit.

Bei einem frischen Kaffee mit Milchschaum versinkt Katha, die 25 Jahre alt ist und eigentlich Katharina heißt, in spannende Bücher. Kollegen meinen, sie sei verrückt und doch macht sie nur Medien fassbar. Sie hofft auf viel Schlaf bei der filmab!, als Layouterin hat sie wohl keine Chance. Die Hoffnung stirbt bekanntlich zuletzt. Am Ende der Woche wird der Lohn der Zusammenarbeit ihre Früchte zeigen. Ihr zukünftiges Glück sieht die junge Engagierte in Mecklenburg-Vorpommern.

Ich sitze am Schweriner Pfaffenteich, im Gegensatz zum Vortag lässt sich das Wetter als kalt beschreiben. Ich ziehe den Reißverschluss meiner Winterjacke höher. Rechts von mir sitzt Sophie Wenkel. Sie ist junge sechzehn Jahre alt und verbringt ihre Zeit in der Oberstufe des Friderico-Francisceum-Gymnasiums Bad Doberan. Sie lacht – wie immer.

Als Vorbereitung dieses Interviews schaute ich mir ihr Facebook-Profil genauer an. „Sophie Charlotte Wenkels Aktivitäten: Nutten und Koks“. Da hake ich gleich am Anfang – gespannt auf ihre Reaktion – nach.
Sophie lacht: „Die haben einzeln was für sich und sind im Zusammenspiel ganz fesch. Nein, Quatsch. Ich bin gegen Prostitution. Diese Angabe verdeutlicht eher, dass man bei mir nicht alles auf die Goldwaage legen darf. Meine Späße müssen als solche auch verstanden werden. Ich bin ein lustiger Kumpel. Eine Person, mit der man nicht ständig tiefschürfende Gespräche führen muss.“ Provozierend fasse ich zusammen: „Du bist also so die Kumpelin von nebenan?“ Nein, das auch nicht. Es sei wichtig, das Gleichgewicht zwischen Ernst und Oberflächlichkeit zu halten.

Jetzt werde ich gemein: „Nenne mir vier Eigenschaften, die dich am besten charakterisieren.“ – „Nenn du mir doch welche!“ Und da hätten wir auch schon die erste: Nicht auf den Mund gefallen. Entspannt, nicht verspießt, auch mal aus der Reihe tanzend. „Du bist ein Rebell?“ Nein, das auch nicht. Man müsse nicht immer rebellisch sein. Es sei wichtig, seine Meinung nach außen zu tragen und zur Sprache zu bringen. Aber sie sei auch nicht gegen Dinge, weil andere dafür sind. Sie handle nicht nach einem Stereotyp.

„Was ist denn deine Schublade, in die dich deine Mitmenschen stecken?“, will ich wissen. „Einige denken, dass ich mich nur vielseitig engagiere, um mich beliebt zu machen. Dass ich besser sein will als sie. Mir ist das aber absolut latz.“ Die Schublade für sie müsse also noch erfunden werden? Nein, sie sei ein offenes Regal mit ganz vielen kleinen Facetten, was als Gesamtbild gesehen werden muss. Ob die Metapher nicht toll war, will sie wissen. Ich lache. Sophie ist genauso verwirrt wie ich.

„Für was engagierst du dich denn alles, Schopfie?“ Die Schülerzeitung „Stichling“, im JMMV-Vorstand, beim Schülerzeitungswettbewerb und auf Seminaren, als Streitschlichterin in der Schule, in Abi-Komitees und im Teeladen. Ich staune nicht schlecht, noch so’n verrücktes Workaholic-Hühnchen also. „Macht es Spaß, im Teeladen zu jobben?“ Ja, in der Tat. Sie wisse jetzt, dass aromatisierte Tees kacke seien. Sehr symbolisch finde ich das.

Da fällt ihr ein, dass sie sich jedes Jahr noch für die filmab! begeistert, zum vierten Mal ist sie nun dabei. Es sei ihre Lieblingsveranstaltung. Am Anfang kennen sich viele Teilnehmer gar nicht. Doch es entstehe immer eine familiäre Atmosphäre auf engstem Raum, ohne dass alle einen Hüttenkoller bekämen. Sie sei fasziniert von der geballten Kreativität. Ihr Wunschtraum für die Woche? Dass ihr das Gastland Russland nähergebracht wird.

Schublade auf, Sophie raus.

Mir gegenüber sitzt eine junge Frau mit langen Dreadlocks und leuchtend blauen Augen, von der ich bisher irgendwie noch nicht all zu viel gehört habe. Umso besser, dass sie als mein Interviewpartner gelost wurde. Erstmal starten wir mit den Grundlagen: Wie alt? Was machst du so? Wieso bist du hier? Erstmal abchecken, wie der andere so tickt. Hunde würden sich beschnuppern, wir belassen es beim Small Talk.

Also dann mal los: Wiebke ist 24 Jahre alt und zum ersten Mal bei der filmab! dabei. Gerade macht sie ein Freiwilliges Jahr beim Gutshaus Hermannshagen e.V. (den gestandene JMMVler bereits von den letzten beiden Weihnachtsfeiern kennen) und übernimmt dort ganz unterschiedliche Aufgaben. Von der Apfelsaftpresse über Büroaufgaben bis hin zur Veranstaltungsorganisation: Hauptsache, Wiebke kann sich ordentlich einbringen und etwas beitragen. Löblich, finde ich.

Ihre „Davor-Geschichte“ ist damit aber noch lange nicht vorbei: Abitur, Studium der Mechatronik in Dresden, Praktikum beim Fernsehen in Leipzig, Selbständigkeit in Kamera und Schnitt. Das ist schon so einiges und das Beste: es ist noch nicht vorbei. Per Ausschlussverfahren ist Wiebke gerade dabei, ihre Zukunft zu gestalten, auch wenn dort noch das ein oder andere Fragezeichen im Raum schwebt. Aber einen entspannten Geist wie den von Wiebke bringt so schnell nichts aus der Ruhe.

Gleich zu Beginn unseres Gesprächs finden wir eine einschlägige Gemeinsamkeit: die Fotografie. Wiebke lichtet besonders gerne Personen ab, da diese einfach oft vor die Linse springen und sie mit Perspektiven und Lichtverhältnissen experimentieren kann. Vor allem, da nun nach fünf Jahren die technischen Voraussetzungen wiederbelebt wurden und sie wieder samt Kamera unterwegs ist.

In der nächsten Woche freut sich Wiebke vor allem auf die Kurzfilme, die wir uns bereits gestern Abend gemeinschaftlich angesehen haben. Für sie waren durchaus ein paar interessante dabei, auch wenn es teilweise schwierige Themen und Geschichten sind. Ebenfalls stößt das Gastland Russland bei ihr auf Interesse. Auch, wenn Wiebke noch nicht knietief im Wissen über die aktuelle politische Situation Russlands steckt, bleibt ihr ja noch ein wenig Zeit für die Recherche.

Ich bin mir sicher, dass wir von Wiebke, die zwar sonst in dieser illustren Runde eher still im Hintergrund bleibt, noch Einiges hören und vor allem lesen werden. Ich freue mich schon auf das ein oder andere Gespräch mit ihr, da sich, sobald man in diesen blauen Augen versunken ist, ihre absolute Ruhe auf einen selbst überträgt.

Das Los hat entschieden. Bei einem O-Saft setzen wir uns in die geräumige Küche der Jugendgästeetage und fangen an zu plaudern. Ich sitze einem gut gelaunten, charmanten und wissbegierigem Menschen gegenüber.

Nachdem sich Kevin 2011 in der Gruppe pudelwohl fühlte und Spaß am Filmerezensieren hatte, entschied er sich auch in diesem Jahr, die filmab!-Redaktion wieder tatkräftig zu unterstützen. Im wahren Leben ist Kevin als selbstständiger Künstler unterwegs und begeistert nicht nur Kinder mit seinen Zauber- und Ballonattraktionen. Auch das filmab!-Team kommt hin und wieder in den Genuss der farbenfrohen Tricks. Er liebt es, eigenständig und zielstrebig zu arbeiten. Gerne zaubert er Menschen ein Lächeln ins Gesicht.

Wie schon in den vergangenen 18 Jahren entsteht hier in der nächsten Woche während des 22. filmkunstfestes Mecklenburg-Vorpommern die filmab! – ein unabhängiges Magazin, welches von jungen Medienmachern aus dem ganzen Bundesland geschrieben und gestaltet wird. Unsere Aufgabe: Über das Filmkunstfest, über die Filme und die Filmemacher informieren. Das Ganze gibt es ab Dienstag fünf Mal druckfrisch an den Festivalstätten hier in Schwerin, oder eben online für den Rest der Welt auf diesem Blog. Zusätzliche Eindrücke aus dem Redaktionsleben wird es auf der Facebook-Seite des JMMV geben.

Heute standen bereits zwei Ausstellungseröffnungen auf dem Plan: zum Einen “FEATHERED DIARY’s” von Alexei Kostroma im Schleswig-Holstein-Haus, zum Anderen das “Caspar David Friedrich Projekt” von Matthias Siggelkow im Schweriner Dom.

Freut euch mit uns auf eine cineastische Woche, in der wir unsere schöne Landeshauptstadt unsicher machen und hoffentlich zwischen dem Kino und dem Redaktionsraum das ein oder andere Mal die Sonne zu Gesicht bekommen.

Viel Spaß beim Lesen, eure Maria.

neun tolle Tage filmab! liegen hinter uns. Alle fleißigen Redakteure sind wieder nach Hause aufgebrochen, alle fünf Ausgaben gedruckt und verteilt, unsere Live-Cam ist nach acht Tagen Dauereinsatz abgebaut und somit ist auch das 21. filmkunstfest zu Ende. So viel sei gesagt: Wir hatten sehr viel Spaß beim Zeitungsmachen und freuen uns besonders über das viele positive Feedback. Danke an alle fleißigen Leserinnen und Leser, danke an alle Helfer und Unterstützer – und vor allem: Danke an die Menschen, die diese vielen interessanten Filme möglich gemacht haben.

Auch im nächsten Jahr werden wir wieder dabei sein, wenn das 22. filmkunstfest seine Tore öffnet und Russland als Partnerland begrüßen wird, wie uns Stefan Fichter im Interview verriet. Wir freuen uns schon jetzt riesig auf das Wiedersehen zwischen Pfaffenteich und Capitol im Mai 2012.

Und zu guter Letzt: Die diesjährigen Preisträger, die gestern auf der Abschlussveranstaltung prämiert wurden – natürlich mit den Links zu den jeweiligen Rezensionen und Interviews. Nicht zu vergessen: Unser erstmaliger, kleiner Redaktionssonderpreis “Das Goldene Kälbchen”. Ein herzlicher Glückwunsch an alle Prämierten!

Spielfilmwettbewerb

Hauptpreis “Der Fliegende Ochse”
“Über uns das All” von Jan Schomburg

NDR-Regiepreis
“Silberwald” von Christine Repond

Nachwuchsförderpreis
“Vergiss dein Ende” von Andreas Kannengießer

Nachwuchsdarstellerpreis
Jasna Fritzi Bauer

Preis für die beste Musik- und Tongestaltung
„Mein Prinz. Mein König.“ von Ciril Braem Tscheligi

Publikumspreis
“Die verlorene Zeit” von Anna Justice

Der CineStar
„Das System – Alles verstehen heißt alles verzeihen“ von Marc Bauder

Preis der Jury der deutschsprachigen Filmkritik in der FIPRESCI
“Die Ausbildung” von Dirk Lütter

Lobende Erwähnung der Jury der deutschsprachigen Filmkritik in der FIPRESCI
“Vergiss dein Ende” von Andreas Kannengießer

Dokumentarfilmwettbewerb

Publikumspreis
„Wadans Welt“ von Dieter Schumann

Kurzfilmwettbewerb

Hauptpreis
„n‘gschichtn“ von Eva Becker

Preis für die beste Bildgestaltung
„Rausch“ von Verena Jahnke

Der Findling vom Landesverband Filmkommunikation e.V.
“Der Stift und sein Sheriff” von Florian Borkamp

3. Handyfilmwettbewerb MV

1. Preis: “Aryuveda Chakra TV” – Klasse 9a der ecolea Internationale Schule Schwerin
2. Preis: “Benutzung elektronischer Geräte – ohne Energie undenkbar!” – Léon Schmutzler
3. Preis: “Wie man auch ohne Strom Spaß haben kann” – Lisa Buchholz

Kurzfilmnacht

GOLDEN MOON
“Regeln der Filmkunst” von Holger Löwe

Ehrenpreis “Der Goldene Ochse”

Katrin Sass

“Das Goldene Kälbchen”, (inoffizieller) Kritikerpreis der filmab!-Redaktion

“Tag und Nacht” von Sabine Derflinger

Das PDF zum Download

Nachdem Mose die Israeliten dazu angeleitet hatte, Ägypten zu verlassen, zog er sich auf einen Berg zurück, um mit Gott in Kontakt zu treten. Das Volk jedoch konnte nicht warten. Und so schmolzen sie die goldenen Ohrringe der Frauen zu einer neuen Götzenfigur – einem Kälbchen.

Ja, ein Kälbchen. Sozusagen ein Baby-Ochse. Und genau wie die Israeliten können auch wir, die filmab!-Redaktion, nicht auf die Verleihung des Goldenen Ochsen warten. So haben wir uns kurz vor dem Redaktionsschluss dieser letzten Ausgabe zusammengefunden, um den für uns besten Film des gesamten Festivals auszuwählen. Ein wahrhafter Kritikerpreis. Der Sieger wird mit dem Goldenen Kälbchen gekürt, außerdem soll er ewigen Ruhm erlangen. Wer letztendlich der glückliche Gewinner ist, wird am Sonntag auf unserem Blog www.filmab.jmmv.de verraten. In diesem Sinne: Ein Glückwunsch im Voraus und auf ein Wiedersehen auf dem filmkunstfest 2012!

Schirmherr und Kultusminister Henry Tesch höchstpersönlich rief in einem kurzen Clip dazu auf, “Eine kurze Geschichte der Energie” mit dem Mobiltelefon festzuhalten. Am Gewinner des letzten Jahres, Daniel Zimmermann, könne man sehen, wie es laufen soll. Der Wettbewerb bietet die Chance, einen Fuß in die Tür des professionellen Films zu bekommen. Gute Idee, nur leider ging das Konzept auch im dritten Anlauf nicht auf: Geradezu traurig sieht die spärliche Auswahl der vier Handyfilme aus, die insgesamt zum Wettbewerb eingereicht wurden. Woran hapert’s also?

Das Projekt birgt noch viel Ausbaupotential, denn die Idee ist nach wie vor lobenswert. Es ist gut zu sehen, dass die Kritik an den letzten beiden Wettbewerbsrunden durchaus ernst genommen wurde. So hatte das diesjährige Thema mehr geistige Tiefe als noch 2010 mit “it’s handy, it’s party”.
Nur warum hat es trotzdem nicht geklappt mit der Förderung der “Filmemacher von Morgen”? Dem Wettbewerb fehlt es an Bekanntheit bei denjenigen, die man erreichen möchte: Junge Menschen, die fast alle ein Handy in der Tasche haben. Vielleicht wäre es ein guter Anfang, statt der Onlineplattform MV-Spion einen seriöseren Partner mit ins Boot zu holen. In Kombination mit einem kleinen Workshop, der das wichtigste Know-How zum Handyfilmen vermittelt, geht dann auch das Konzept der Medienkompetenz erst auf. Und der Funke zündet.

Zerstreutheit und Frust zeigen sich, wenn man Hanna (Sophie Rois) und Simon (Sebastian Schipper) auf der Leinwand sieht. Wie sie miteinander leben und doch nicht. Wie sie Dinge in ihrem Alltag sehen, die nicht existieren und doch so real scheinen. Eine Telefonleitung als gemeinsamer Lebenslauf: Auf, ab, weit auseinander, dicht zusammen. Und das seit 20 Jahren.

Hanna ist Fernsehmoderatorin und trifft bei einem Ethikkongress auf Adam (Devid Striesow). Der Gentechniker ist debattierfreudig und äußerst sympathisch. Sie tauschen sich aus und beginnen eine Affäre. Hanna ist das fremd, aber sie kann sich nicht entziehen. Kurz danach trifft Simon Adam zufällig im Schwimmbad. Er interessiert sich nicht für Männer – jedenfalls nicht auf diese Art, eigentlich.
Tom Tykwer präsentiert nach erfolgreichen Filmen wie „Das Parfum“ einen ganz eigenen Film über eine Dreiecksbeziehung. Die Geschichte spielt in Berlin – dort, wo es doch eigentlich mehr Menschen geben müsste, mit denen man eine Affäre haben kann, als sich genau den auszusuchen, in den sich schon der eigene Partner verguckt hat.

Tykwer gelingt mit „Drei“ ein Verwirrspiel. Die Figuren sind auf den ersten Blick ein wenig vom Leben verbraucht, unauffällig, eigen und eher unzufrieden. Als sie jedoch die wahre Erfüllung ihrer Sehnsüchte finden, stellt sich Zufriedenheit ein. Auch im Umgang miteinander. Sie sehen ihr eigenes Drama als Schwarzweiß-Filme im Kopf. Keinem ist bewusst, dass der andere ein ähnliches Problem mit sich herumträgt. Man hätte es ja auch dreiteilen können.

„Ein schönes Gleichnis über einen Grabstein: Da stehen zwei Daten dran. Das Geburtsjahr. Das Todesjahr. Dazwischen ein kleiner Strich. Und der kleine Strich ist das ganze Leben; mit all den Ängsten, mit der Hoffnung. Menschen, die man getroffen hat, die Erfahrung, die man hatte. Alles ist dieser kleine Strich.“ Was nach fatalistischer Lebensphilosophie klingt, ist der poetisch-philosophische Auftakt des Kurzfilms „Fredi und Frau Landgraf“ von Anne Münch.

Hinter Fredis roter Mediclownnase versteckt sich Ingolf Löhne. Im wahren Leben ein praktischer Ingenieur, der gelernt hat, das Leben anders zu sehen. Früher war er ein selbständiger Bauunternehmer. Doch trotz allen Gehetzes konnte er die Firma nicht mehr halten. Seine Ehe auch nicht. Tiefer Blick in die Flasche, Verbitterung, quälende Gefühle. „Und da hab ich mich gefragt: Warum sollte ich denn nicht einfach so leben, wie es kommt, das Leben?“ Einfach keine Angst davor haben zu scheitern, seine Schwächen lieben lernen und Freude bringen können.

„Fredi und Frau Landgraf“ ist nicht nur eine großartige Kurzdoku einer beflügelnden Lebenswandlung. Sondern ein Zeichen für uns alle. Das Szenario beschreibt nämlich den wahren Ingolf Löhne. Die Umsetzung ist angelehnt am Format der Scripted Reality. Durch ein besonderes Gefühl für Prägnanz wird dem Zuschauer nichts vorenthalten. Der Wechsel zwischen hintergründigen Kommentaren und musikalischer Implikation ist gefühlvoll und berührend. Wer nach Besinnung und Einsicht strebt, ist hier an der richtigen Stelle.

„Das Leben ist sauer und süß. Die Milchsäure und die Hefebakterien liefern sich einen ständigen Kampf.“ Ähnlich gestaltet sich auch der Film „En Familie“ von Pernille Fischer Christensen.
Ditte (Lena Maria Christensen) ist erfolgreiche Galeristen und Tochter von Rikard (Jesper Christensen), Leiter der geschichtsträchtigen Familien-Bäckerei:„Urgroßvater kam zu Fuß aus Deutschland. Nur mit einem Sack Getreide und sonst nichts.“ Als sie ein Angebot für einen Job in New York bekommt, lässt sie das Kind von ihrem Künstler-Freund Peter abtreiben. Beide beschließen, in der amerikanischen Metropole ein neues Leben anzufangen. Doch als Dittes Vater schwer erkrankt, muss sie ihre Pläne neu überdenken. Denn Rikard möchte den Traditionsbetrieb seiner Tochter übergeben. Ditte muss sich entscheiden: Kopenhagen oder New York, Familientradition oder Selbstverwirklichung.

„En Familie“ ist ein Film, der negative und positive Seiten im Innenleben der Bäckerfamilie Rheinwald beleuchten mag. Ohne aufgesetzte Dramatik und geschwollene Lebensweisheiten liefert Pernille Fischer Christensen ein sehenswertes Drama. Trotz des ständigen Wechsels zwischen Liebesszenen und Bilder des leidenden Vaters besticht der Film durch Authentizität und Ehrlichkeit: Der Zuschauer fühlt förmlich Dittes Zerrissenheit. Ein ruhiges Familienportrait, sowohl in den Kameraeinstellungen als auch in seiner schauspielerischen Darstellung.
Übrigens: Die Namensgleichheit aller Christensens ist zufällig.

Es ist dunkel im Kinosaal. Der Abspann von „Aserot – Eingeschlossen“ läuft noch, während jemand die Saaltür aufreißt. Schimmernde Gestalten sorgen für Unruhe vor der Leinwand. Aus Höflichkeit trauen sich nicht so viele gleich raus. Und bleiben auf ihren Plätzen sitzen.

Das Bildungswerk Schwerin der Konrad-Adenauer-Stiftung hat zur Podiumsdiskussion „Die Rolle von Film und Medien im Israel-Palästina-Konflikt“ eingeladen. Schleifend formuliert die Moderatorin Yasemin Ergin ihre erste Frage an die Regisseurin Anat Even. Lange Pause. „I’m not surely understood your question…” Sehr lange Pause. Ungefähr so ging es auch weiter. Anfangs gab es wohl Probleme mit der Dolmetscherin. Elda Beck, Korrespondent einer israelischen Zeitung, spielte des Öfteren die Vermittlerrolle.
Jedes Mal, wenn die Moderatorin zu Wort kam, konnte leider keiner mehr mitkommen. „Das ist fast eine Frage für eine Dissertation.“, meinte dazu Islamwissenschaftlerin Irit Neidhard. Mit vielen „Ähm, also damit meine ich…“ und „Was mich eigentlich interessiert…“ versuchte Ergin, ihre „Fragen“ nochmals vergebens zu präzisieren. „Sie redet einfach zu viel.“, so ein Mann neben mir. Die Gäste saßen vor einem persönlichen Gewissenskonflikt. Der Saal wurde immer leerer.

Mit vielem Hin und Her umkreisten wir etliche Themen, die nichts mehr mit Israel zu tun hatten. Keine klaren Fragen, keine klaren Antworten. Man merkt schon, dass der Nahe Osten einfach zu komplex für eine 2-Stunden-Diskussion ist. „Beide Seiten sind zu viel Macho! Und das führt eben zum Krieg.“, so das Kurzversion-Fazit des Abends von Elda Beck.

Schließen Sie einmal die Augen. Erinnern Sie sich an das fesselnde Gefühl im Kinosaal, in dem Sie auf die „Black Pearl“ entführt wurden. Riechen Sie das Salz in der Nase und lauschen Sie der Freiheit. Und jetzt nehmen Sie die Szenen mit allen Sinnen auf. Was wäre dieses Gefühl ohne die markerschütternden Meisterwerke von Hans Zimmer? Die surreale Traumwelt aus „Inception“ existiere nicht und niemandem wäre „Der letzte Samurai“ großartig aufgefallen. Auch Jack Sparrow wäre nur als unrasierter Streuner in den Gedächtnissen verblasst.
Die Sprache der Musik verbindet Nationen ohne Worte. Hans Zimmer beherrscht diese Sprache wie kein anderer. Er hat uns sein Herz geöffnet – und an Sie verschenkt. Es liegt an Ihnen, dieses Geschenk anzunehmen.

„Hans Zimmer – der Sound für Hollywood“ erzählt die Lebensgeschichte eines Visionärs. Der gebürtige Deutsche lebt in seinem Musikstudio in Hollywood – eine Höhle, in der er wie im Rausche seine experimentellen Stücke kreiert. Und es gibt keine Regeln. Wie ein Verrückter kann er an einer Note sein ganzes Leben herumbasteln, doch „die Unvollkommenheit ist etwas Gutes“.
Der Durchbruch gelang ihm durch seine neugierige Art, die Welt zu betrachten. Seine Interpretationen von Filmen treffen immer den richtigen Nerv. Ehrlich, echt und bescheiden – Zimmer hat es begriffen, sich treiben ohne sich hängen zu lassen.
Eine faszinierende Dokumentation, die eine große Persönlichkeit der Gegenwartsmusik von Freiheit, Aufbruch und Experimenten erzählen lässt. Mit der musikalischen Untermalung seiner Stücke ist für Gänsehautfeeling gesorgt.

Eine Insel mitten im arktischen Ozean. Einöde, so weit das Auge reicht – und ein Sommer ohne Dunkelheit. Der junge Student Pawel (Grigory Dobrygin) hat sich einen außergewöhnlichen Ort für ein Praktikum ausgesucht: Er assistiert dem erfahrenen Meteorologen Sergej Gulybin (Sergei Puskepalis) bei dessen Forschungen auf Höhe des nördlichen Polarkreises. Bald schon muss Pawel feststellen, dass seine Arbeit dort so eintönig ist wie die karge Landschaft, die ihn umgibt. Ein Funkgerät stellt für die beiden Männer den einzigen Kontakt zur Außenwelt dar. Eines Morgens erfährt Pawel, dass Sergejs Familie tödlich verunglückt ist. Weil der Student sich vor der unheimlichen, aufbrausenden Art seines Vorgesetzten fürchtet, versucht Pawel, die furchtbare Nachricht geheim zu halten. Er ahnt nicht, dass er damit alles noch viel schlimmer macht.

Der Titel „Mein Sommer mit Sergej“ ist irreführend: Bei dem 2010 erschienenen Film von Regisseur Alexei Popogrebsky handelt es sich keineswegs um eine Road-Trip-artige Urlaubsgeschichte vor traumhafter Kulisse. Der Psychothriller ist auf verstörende Weise packend, auch wenn in seinen 124 Minuten die Handlung extrem in den Hintergrund rückt. Paradox wird es, wenn Pawels innere Anspannung zwischen der beinah klaustrophobischen Panik in den Stationsräumen und der Verlorenheit in einer schier endlosen Wildnis hin- und herpendelt. In beeindruckenden Naturaufnahmen vom Ende der Welt konstruiert Popogrebsky ein teilweise anstrengendes Kammerspiel über das Verhältnis zweier Menschen, die weder die Einsamkeit noch ihr Gegenüber ertragen können.

Die beliebte DDR-Fernsehfigur „Das Sandmännchen“ streut noch heute pünktlich um kurz vor 18 Uhr seinen Traumsand in müde Kinderaugen. Die moderne Kinofassung „Das Sandmännchen – Abenteuer im Traumland“ wurde wie auch die Fernsehclips mit der bewährten Stop-Motion-Technik produziert. Gleich drei Regisseure waren an der Produktion beteiligt: TV-Kameramann Helmut Fischer, der dänische Trickfilmspezialist Jesper Möller sowie Sinem Sakaoglu. Einfaches Papier mit der klassischen „Sandmann, lieber Sandmann“-Melodie wird in den Händen der Filmkünstler zu einem wahrhaft majestätischem Vorspann. Das Rezept des Kinderfilms ist sichtbar einfach: Simple Geschichte, ein klarer Handlungsstrang und wunderschöne Hintergrundsdesigns.

Sie wohnen in diesem Haus inmitten der engen Straßen von Hebron. Die Stadt ist geteilt. Zur einen Seite Palästina, zu der anderen Israel. Im Treppenflur postieren israelische Soldaten. Auf dem Dach stauen sich Sandsäcke, leere Munitionshülsen und gezogene Granatensplints. Vor der Eingangstür ein Wachposten. Roadblocks blockieren die Straße.

Seit 1997 koexistieren die drei palästinensischen Witwen mit insgesamt elf Kindern zwischen den Fronten von Hebron. Die provisorische Grenzmauer verläuft direkt durch deren Haus. Vollgerüstete Soldaten drängen sich andauernd in der Enge des Treppenflurs zwischen den spielenden Kindern. Auf dem Dach ist ein israelischer Beobachtungsposten eingerichtet.
“Can they solve the Palestinian problem on my roof?” – die beiden israelischen Filmemacherinnen Anat Even und Ada Ushpitz begleiten die drei Frauen in “Asurot – Eingeschlossen” bis zum Ausbruch der Ersten Intifada. Die Frauen müssen in ein Flüchtlingslager ausweichen.

Die Bilder sind mit großem Einfühlungsvermögen eingefangen worden. Sie zeigen viele Kontraste des Alltags. Der ungeheure Druck wird automatisch dokumentiert. Der Fokus jedoch liegt auf den Umgang der Frauen mit der Besatzung. Ängste, Erwartungen, Hass und Resignation werden in vertrauten Dialogen dargeboten. Leider keine Synchronisation auf Deutsch.
„I feel the death is nearing, because I’m sick of life.” Wo normalerweise ein Psychologe oder Sozialarbeiter zu Rate gerufen werden sollte, versucht man den Konflikt mit Waffengewalt zu lösen.

Am Freitagabend bot das Schleswig-Holstein-Haus seinen Gästen die Möglichkeit, ein wenig in ihren Kindheitserinnerungen zu schwelgen. Kein Geringerer als Knut Elstermann – der gute Geist des filmkunstfestes – las aus seinem Buch „Früher war ich Filmkind. Die DEFA und ihre jüngsten Darsteller“ vor. In diesem portraitiert Elstermann die Geschichten von 14 Frauen und Männern, die einst die Hauptrolle in einem DDR-Kinderfilm inne hatten. Was hat diese Kinder ausgezeichnet? Wie verliefen die Dreharbeiten? Und – das ist eigentlich die spannendste Frage – was machen die Darsteller von damals heute? Die goldene (wenn auch ungeschriebene) Regel der DEFA besagte, dass keines der jungen Talente nach einem Kinoerfolg eine weitere Hauptrolle spielen sollte. Unschuldige Kinderschicksale würden so nicht zu weltfremden Jungstars verkommen. Einige der Nachwuchsschauspieler wie Charles Brauer haben es trotzdem längst zu großen Filmstars gebracht, während andere das Leben im Blitzlichtgewitter nicht weiter verfolgten.

Elstermann sprach für sein Buch mit den (mittlerweile nicht mehr ganz so kleinen) Schauspielern von früher, den Regisseuren und den Betreuern, die die Kinder am Set damals begleiteten, und arbeitete gemeinsam mit ihnen ihre Geschichte auf. Herausgekommen ist nicht nur ein Streifzug durch 40 Jahre DEFA-Produktionen, sondern auch eine von sehr persönlichen Eindrücken gezeichnete Darstellung über Klassiker der DDR-Filmgeschichte wie „Der kleine Muck“, „Irgendwo in Berlin“ oder „Die dicke Tilla“. Ach, weißt du noch, früher…

Wohin gehen die Hilfsgelder für Entwicklungshilfe in Afrika? Wer profitiert davon? Und wie kommt es, dass traditionelle Kleider „Made in China“ sind? Korruption, Gier und der kulturelle Verlust ursprünglicher Traditionen stehen im Vordergrund von „Schlafkrankheit“, dem dritten Spielfilm von Ulrich Köhler.

Nach 20 Jahren Entwicklungshilfe in Kamerun beschließt Ebbo Velten (Pierre Bokma) auf Wunsch seiner Frau Vera, wieder nach Deutschland zurückzukehren. Vera und Tochter Helen fliegen voraus. Doch Deutschland ist längst nicht mehr Ebbos wahre Heimat… Zeitsprung, drei Jahre später: Alex Nzila (Jean-Christophe Follay), ein junger schwarzer Mitarbeiter der WHO, ist damit beauftragt, Velters Arbeit als Entwicklungshelfer zu überprüfen. Vor Ort trifft er auf schockierend heruntergekommene Zustände in einem übergroßen Hühnerstall, der mit nur einem Patienten „Krankenhaus“ genannt wird.
Hoffnungslosigkeit thematisiert die Ähnlichkeit der zwei Figuren Alex und Ebbo: Nzila fühlt sich trotz seiner familiären Wurzeln in Afrika nicht heimisch, während Velten im Gegenzug krampfhaft versucht sich anzupassen.

Die wenig beleuchteten Tatsachen werden mit dem Spiel von Licht und Schatten verdeutlicht, ein Großteil ist in halbdunkler Taschenlampenatmosphäre gedreht. Der oft oberflächlich angerissene Gefühlszustand der Protagonisten unterstreicht diese Empfindung. Doch hinterlassen die widersprüchlichen Bilder bleibenden Eindruck auf die Zerrissenheit eines ganzen Kontinentes.

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Frau Repond, wie war es, mit den jungen Schauspielern zusammenzuarbeiten?
Es war ein sehr kollegiales, nichthierarchisches Verhältnis am Set. Ich habe die Jungs schon länger gekannt. Vorher gab es ja ein Auswahlverfahren, über 200 Jugendliche wurden 4 Monate lang gecastet. Die besten Gruppen kamen dann in ein zweiwöchiges Probecamp.

Haben Sie sich auch an eigenen Erfahrungen orientiert, zum Beispiel beim Drehort? Im Film wird mit Emmental ja ein wirklich abgelegener Ort dargestellt.
Ich komme aus einem Vorort von Bern, insofern kenne ich diese ländliche, trügerische Idylle. Von diesen Gefühlen bin ich ausgegangen. Bei meiner Recherche habe ich viele Jugendliche in Emmental besucht und etwas über die Freundschaft unter den Jungs erfahren. Auch, wie wichtig Mädchen und Mutproben dort sind.

Als Mädchen kann man einige Dinge nicht nachvollziehen, da man selber nie das Bedürfnis hatte, sowas auszuprobieren.
Ja, die ganze Aggressivität und das Testosterongeladene sind für Jungs sehr typisch. Die Mofas stehen für die Energie, die raus muss.

Wie kam es zu dem Thema Rechtsextremismus?
Die Idee stand vorher schon. Im Film geht es die meiste Zeit um diesen Stillstand nach der Schule, die Nazigruppe kommt erst recht spät. Mich hat interessiert, wie es dazu kommt, dass ein unpolitischer Jugendlicher sich für die rechte Szene begeistern kann. Es war für mich nicht nachvollziehbar. Aber mittlerweile verstehe ich, dass dort viele Gründe mit reinspielen, wie Orientierungslosigkeit und fehlende Anerkennung.

Es ist ja auch so zum Schluss so, dass Sascha erkennt, dass er das Handeln dieser Gesinnung so nicht „durchziehen“ kann.
Mir ging es hauptsächlich um diese Entscheidung, die jeder unabhängig von dem Anderen treffen muss. Weil jeder selbst für sein Handeln die Verantwortung trägt. Sascha ist keine Figur, die sich hinstellt und klar artikuliert, was er will oder was er nicht will. Insofern fand ich es stimmig, dass Sascha sich da eben mit reinziehen lässt – aber dann im Endeffekt den Molotowcocktail nicht wirft. Weil er weiß, dass es nicht richtig ist.

Nicht ganz klar wird, warum sich Sarah von Sascha abwendet. Sieht sie auf dem Konzert sein Feuerzeug mit der 88 drauf? Oder weil es nicht so gut gelaufen ist?
Die gleiche Frage hat mir eine Journalistin in Saarbrücken auch schon mal gestellt.

Aber Sarah guckt eben nicht einmal auf das Feuerzeug, weshalb man unsicher ist. Oder wollte sie nur kostenlos auf das Konzert?
Das ist die erste Intention, aber es ist interessant, wenn die Leute da noch mehr reininterpretieren. Das Dorf ist im Grunde genommen aber auch so klein, da kennt jeder jeden und weiß, was derjenige macht. Somit weiß sie eigentlich, dass Sascha sie in Bezug auf seine Ausbildung anlügt.

Wie lange bleiben Sie jetzt noch in Schwerin?
Ich bleibe leider nur für die Präsentation von „Silberwald“ in Schwerin, danach hat mein neuer Dokumentarfilm Uraufführung in München.

Wow, worum geht es?
Um eine Hardrockband, die auf dem Weg nach Oben ziemlich scheitert und wie das Leben dann dazwischen kommt. Der eine erkrankt an Krebs, ein anderer wird Papa und die Band trennt sich. Es geht so ein bisschen um Lebenslinien.

Und was steht 2011 noch so an?
Ich habe zwei neue Projekte. Momentan bin ich dafür am Schreiben und Recherchieren. Das ist immer ein langer Prozess, von der ersten Idee bis zu einem Drehbuch. Aber durch „Silberwald“ haben sich einige Türen geöffnet. Es ist schön, wenn man die Möglichkeit hat, in dem Beruf weiterarbeiten zu können. Es gibt eben sehr viele gute Regisseure. Da ist es also immer ein Glück, wenn man weitermachen kann.

Antisexismus. Antirassismus. Antiatomkraft. Antiomnivorismus. Anti, anti, anti und gegen das System und wider der Unterdrückung und für die Gerechtigkeit und alle sollen frei sein! Oi!
Die Erkenntnis, dass es in dieser Welt verdammt viele Missstände gibt, ist nicht neu. Die „Do it yourself“-Bewegung (DIY) zur Problembeseitigung eben dieser ist es genauso wenig. Spätestens seit den 70er Jahren ist sie mit der Punk-Kultur verbunden wie „Sex“ mit „Pistols“.

Die Dokumentation „Noise & Resistance“ von Francesca Araiza Andrade und Julia Ostertag führt zurück zu den Anfängen einer (musikalischen) Szene, deren Anhänger lieber als Aktivisten bezeichnet werden sollten. Lebende Legenden des CRASS-Kollektivs, Hausbesetzer und Antifaschisten kommen zu Wort und erklären, was ihnen Punk und DIY bedeutet. Die beiden jungen Filmemacherinnen nehmen den Zuschauer mit auf eine Reise durch die halbe Welt. Irgendwie scheinen überall ein ähnlicher Anblick und dieselbe Auffassung zum Thema zu existieren. Das mag ja die oft erwähnte große Gemeinschaft der DIY-Bewegung belegen, führt aber auch zu einer allmählichen Ermüdung innerhalb des ersten Filmteils.
In den zweiten 45 Minuten gewähren Andrade und Ostertag dagegen einen sehr gut recherchierten Einblick in aufregende Subsubsubkulturen und veranschaulichen, gegen welche realen Probleme die Punk- und DIY-Aktivisten besonders in Russland heute kämpfen. Dass die (Live-) Musik dabei nie zu kurz kommt, ist selbstverständlich: „Maybe music can’t change people’s opinions, but it can be like a soundtrack!“

England, düsteres Mittelalter. Die Pest wütet umher. „Es ist nicht schön oder erhaben.“ Der schwarze Tod ist unumgänglich. Verzweiflung und Panik betäuben den Verstand und lassen die Menschen zu Bestien werden. Man fragt sich: Wo ist Gott verblieben? Und keiner weiß die Antwort. Mit „Black Death“ zeigt uns Christopher Smith den Horror des Mittelalters in ganz neuen Bildern.

Der katholischen Kirche kommt das Gerücht zu Ohren, es gäbe in den tiefen Wäldern Englands ein Dorf, das auf mysteriöse Weise dem Schwarzen Tode verschont blieb. Angeblich sollen dort dämonische Blasphemie und Totenbeschwörung zugange sein. Unter der Führung des gefürchteten Ritters Ulric (Sean Bean) macht sich eine sechsköpfige Söldnergruppe auf die Suche nach den Ketzern. Der junge Novize Osmund (Eddie Redmayne) spielt für sie freiwillig den Führer. Doch erst der Hexe des geheimnisumwobenen Dorfes wird seine Intention deutlich.

Der schleichende Spannungsaufbau lässt zu wünschen übrig. Dafür muss man der authentischen Inszenierung ein großes Lob aussprechen. Die Filmemacher haben sich dafür sogar nach Vorpommern begeben. Die Dreharbeiten fanden im Mittelalterdorf Ukranenland in Torgelow statt. Abgesehen von ästhetischen Bildern und meditativen Musikimpressionen muss sich der Zuschauer auf schockierende Blutrünstigkeit einstellen. „Wie viele haben hier überlebt?“, die typischste Frage des Horrorgenres. Gezeichnet von unnötiger Brutalität – so war es wohl damals – bleibt es bei einer klaren Empfehlung für latente Inquisitionsfans.

Entscheidungsträchtige Momente: Ein letzter Brief an Tomasz. Kein Adressat. Kein Absender. Tut sie das Richtige? Bedenken. Sie geht. Mit „Die verlorene Zeit“ erzählt uns Anna Justice eine bewegende Liebesgeschichte zweier zerrissener Schicksale.
Das Geschehen setzt im Jahr 1944 ein. In einem polnischen Konzentrationslager lernen sich Tomasz Limanowski (Mateusz Damiecki), ein politischer Häftling, und die Jüdin Hannah Silberstein (Alice Dwyer) kennen. Die Romanze in Zwängen faschistischer Repressalien scheint schier unmöglich. Doch Hannah ist schwanger und Tomasz hat bereits eine Flucht geplant. Die abenteuerliche Aktion gelingt, doch in den Wirren der Verfolgung müssen die beiden auseinander gehen.
Erst 1976 erfährt Hannah von Tomaszs Überleben. Trotz des Wohls ihrer situierten Familie in New York drängen sich Hannahs unterdrückte Gefühle wieder zum auflebenden Vorschein.

„Die Erinnerung kommt nie als Ganzes. Sie ist von Anfang an zerrissen.“ – Hannahs Tagebucheintrag wird zum leitenden Kanon der Geschichte. Dem Zuschauer werden überschneidende Rückblenden geboten; die Vergangenheit wird umwoben von düsterer, kontrastarmer Farbigkeit. Die Tatsache, dass der Film auf wahren Begebenheiten beruht, schärft die Aufmerksamkeit. Man sucht nach sensiblen Schlüsselszenen. Hannahs willenlose, melancholische Ader verleiht der Handlung eine ernste Spannung. Verborgen in der Nostalgie ihres Schicksals möchte sie von niemandem verstanden werden. Und der Zuschauer wird zwangsläufig alles daran setzen, ihren wehmütigen Zustand nachvollziehen zu wollen.

Ein Phänomen, das bei Kurzfilmen vermehrt auftritt: Die Kamerabewegungen sind extrem statisch; es wird versucht, dem Zuschauer besonders viel Platz für eigene Interpretationen zu lassen und die Gesamtheit soll formvollendet und stilvoll wirken.
Was in diesem Falle dabei rauskommt? Ein Film, der Wüste im Kopf hinterlässt.

Die Sonne brennt hinunter auf eine monotone Landschaft. In der Ferne rollt ein Mähdrescher übers Feld. Und hier, es könnte nebenan sein, sitzt Henry (Beat Wittwer) mit einem kleinen Kind zu Hause. „Hol mir ma noch‘n Bierchen!“, fordert er lapidar. Henry sieht verwahrlost aus, ist liederlich gekleidet, das Gesicht voller Narben. In dem baufälligen Haus, das die beiden bewohnen, sind unzählige leere Bierflaschen akkurat platziert. Immer wieder wirft der Kleine (Finn Staamann) Eindrücke von den (Miss-?)Handlungen ein, die seine abwesende Mutter über sich ergehen lässt. Doch Henrys Antwort ist bloß ein abgestumpfter Blick durch seine gleichgültigen Augen. Als die Mutter des Kindes und ihr neuer Freund an der Tür klingeln um den Sohn abzuholen, bleibt Henry äußerlich zwar ruhig – doch irgendetwas in ihm verliert die Fassung.

Untermalt wird Felix Hartmuths Kurzfilm von Gitarrenriffs, die so kunstvoll erscheinen sollen wie das Gesamtwerk. Die Kameraeinstellungen und der extreme Wärmefilter beruhigen – im Gegensatz zu der Sprechweise des Hauptdarstellers: die nervt furchtbar. Oder sollen die Dialoge auswendig gelernt klingen? Überhaupt: “Wüstland” wirft mehr Fragen auf, als er beantworten kann.

Stell dir vor, du könntest die letzten 10 Jahre deines Lebens vergessen. Die Fehler, die du gemacht hast; die Entscheidungen, die du getroffen hast; und die Menschen, die du kennengelernt hast. Und dann wachst du auf und alles ist … weg.

Als Schlagerstar Alexander Ludwig (Peter Lohmeyer) von seiner exzessiven Lebensweise eingeholt wird, erleidet er einen Herzinfarkt, wodurch sein Gehirn für eine längere Zeit mit Sauerstoff unterversorgt wird. Die Folge ist eine massive Gedächtnisstörung – er hat sein Kurzzeitgedächtnis verloren und dazu sind auch die letzten 10 Jahre komplett ausgelöscht: Seine Riesenerfolge in der Musikszene, oder dass er seine Ex-Frau Edda samt Kind für die jüngere Maria (Mina Tander) verlassen hat. Doch was er nicht verloren hat, sind seine Arroganz und sein flippiger Kleidungsstil. Um sein Gedächtnis wiederaufzubauen, wird er in eine Reha-Klinik eingewiesen, wo er den pensionierten Jazzpianisten Heinrich (Paul Kuhn) kennenlernt. Alexander schlägt eine ganz neue Richtung in der Musikwelt ein. Und auch in Herzensangelegenheiten soll es Schwierigkeiten geben…

Der ganze Film scheint in seinen einzelnen Szenen mit dem Gesamtbild des typischen deutschen Happy-End-Streifens zu harmonieren – bloß nicht Peter Lohmeyer in seiner Rolle als Herzensbrecher. 89 Minuten seichte, flache Unterhaltung. Wer allerdings Tiefe und künstlerischen Anspruch sucht, ist bei der NDR-Produktion „Schenk mir dein Herz“ deplatziert. Ein Kinoerlebnis zum Berieseln und Nicht-nachdenken-Müssen.

Mit „Rausch“ ist Verena Jahnke ein authentischer Kurzfilm gelungen, dessen direkte, ungeschönte Darstellung den Zuschauer in die Perspektive eines Beteiligten steckt. Die Panik schwebt förmlich in der Luft. Dieser Film wird für Diskussionen sorgen.