neun tolle Tage filmab! liegen hinter uns. Alle fleißigen Redakteure sind wieder nach Hause aufgebrochen, alle fünf Ausgaben gedruckt und verteilt, unsere Live-Cam ist nach acht Tagen Dauereinsatz abgebaut und somit ist auch das 21. filmkunstfest zu Ende. So viel sei gesagt: Wir hatten sehr viel Spaß beim Zeitungsmachen und freuen uns besonders über das viele positive Feedback. Danke an alle fleißigen Leserinnen und Leser, danke an alle Helfer und Unterstützer – und vor allem: Danke an die Menschen, die diese vielen interessanten Filme möglich gemacht haben.

Auch im nächsten Jahr werden wir wieder dabei sein, wenn das 22. filmkunstfest seine Tore öffnet und Russland als Partnerland begrüßen wird, wie uns Stefan Fichter im Interview verriet. Wir freuen uns schon jetzt riesig auf das Wiedersehen zwischen Pfaffenteich und Capitol im Mai 2012.

Und zu guter Letzt: Die diesjährigen Preisträger, die gestern auf der Abschlussveranstaltung prämiert wurden – natürlich mit den Links zu den jeweiligen Rezensionen und Interviews. Nicht zu vergessen: Unser erstmaliger, kleiner Redaktionssonderpreis “Das Goldene Kälbchen”. Ein herzlicher Glückwunsch an alle Prämierten!

Spielfilmwettbewerb

Hauptpreis “Der Fliegende Ochse”
“Über uns das All” von Jan Schomburg

NDR-Regiepreis
“Silberwald” von Christine Repond

Nachwuchsförderpreis
“Vergiss dein Ende” von Andreas Kannengießer

Nachwuchsdarstellerpreis
Jasna Fritzi Bauer

Preis für die beste Musik- und Tongestaltung
„Mein Prinz. Mein König.“ von Ciril Braem Tscheligi

Publikumspreis
“Die verlorene Zeit” von Anna Justice

Der CineStar
„Das System – Alles verstehen heißt alles verzeihen“ von Marc Bauder

Preis der Jury der deutschsprachigen Filmkritik in der FIPRESCI
“Die Ausbildung” von Dirk Lütter

Lobende Erwähnung der Jury der deutschsprachigen Filmkritik in der FIPRESCI
“Vergiss dein Ende” von Andreas Kannengießer

Dokumentarfilmwettbewerb

Publikumspreis
„Wadans Welt“ von Dieter Schumann

Kurzfilmwettbewerb

Hauptpreis
„n‘gschichtn“ von Eva Becker

Preis für die beste Bildgestaltung
„Rausch“ von Verena Jahnke

Der Findling vom Landesverband Filmkommunikation e.V.
“Der Stift und sein Sheriff” von Florian Borkamp

3. Handyfilmwettbewerb MV

1. Preis: “Aryuveda Chakra TV” – Klasse 9a der ecolea Internationale Schule Schwerin
2. Preis: “Benutzung elektronischer Geräte – ohne Energie undenkbar!” – Léon Schmutzler
3. Preis: “Wie man auch ohne Strom Spaß haben kann” – Lisa Buchholz

Kurzfilmnacht

GOLDEN MOON
“Regeln der Filmkunst” von Holger Löwe

Ehrenpreis “Der Goldene Ochse”

Katrin Sass

“Das Goldene Kälbchen”, (inoffizieller) Kritikerpreis der filmab!-Redaktion

“Tag und Nacht” von Sabine Derflinger

Das PDF zum Download

Nachdem Mose die Israeliten dazu angeleitet hatte, Ägypten zu verlassen, zog er sich auf einen Berg zurück, um mit Gott in Kontakt zu treten. Das Volk jedoch konnte nicht warten. Und so schmolzen sie die goldenen Ohrringe der Frauen zu einer neuen Götzenfigur – einem Kälbchen.

Ja, ein Kälbchen. Sozusagen ein Baby-Ochse. Und genau wie die Israeliten können auch wir, die filmab!-Redaktion, nicht auf die Verleihung des Goldenen Ochsen warten. So haben wir uns kurz vor dem Redaktionsschluss dieser letzten Ausgabe zusammengefunden, um den für uns besten Film des gesamten Festivals auszuwählen. Ein wahrhafter Kritikerpreis. Der Sieger wird mit dem Goldenen Kälbchen gekürt, außerdem soll er ewigen Ruhm erlangen. Wer letztendlich der glückliche Gewinner ist, wird am Sonntag auf unserem Blog www.filmab.jmmv.de verraten. In diesem Sinne: Ein Glückwunsch im Voraus und auf ein Wiedersehen auf dem filmkunstfest 2012!

Schirmherr und Kultusminister Henry Tesch höchstpersönlich rief in einem kurzen Clip dazu auf, “Eine kurze Geschichte der Energie” mit dem Mobiltelefon festzuhalten. Am Gewinner des letzten Jahres, Daniel Zimmermann, könne man sehen, wie es laufen soll. Der Wettbewerb bietet die Chance, einen Fuß in die Tür des professionellen Films zu bekommen. Gute Idee, nur leider ging das Konzept auch im dritten Anlauf nicht auf: Geradezu traurig sieht die spärliche Auswahl der vier Handyfilme aus, die insgesamt zum Wettbewerb eingereicht wurden. Woran hapert’s also?

Das Projekt birgt noch viel Ausbaupotential, denn die Idee ist nach wie vor lobenswert. Es ist gut zu sehen, dass die Kritik an den letzten beiden Wettbewerbsrunden durchaus ernst genommen wurde. So hatte das diesjährige Thema mehr geistige Tiefe als noch 2010 mit “it’s handy, it’s party”.
Nur warum hat es trotzdem nicht geklappt mit der Förderung der “Filmemacher von Morgen”? Dem Wettbewerb fehlt es an Bekanntheit bei denjenigen, die man erreichen möchte: Junge Menschen, die fast alle ein Handy in der Tasche haben. Vielleicht wäre es ein guter Anfang, statt der Onlineplattform MV-Spion einen seriöseren Partner mit ins Boot zu holen. In Kombination mit einem kleinen Workshop, der das wichtigste Know-How zum Handyfilmen vermittelt, geht dann auch das Konzept der Medienkompetenz erst auf. Und der Funke zündet.

Zerstreutheit und Frust zeigen sich, wenn man Hanna (Sophie Rois) und Simon (Sebastian Schipper) auf der Leinwand sieht. Wie sie miteinander leben und doch nicht. Wie sie Dinge in ihrem Alltag sehen, die nicht existieren und doch so real scheinen. Eine Telefonleitung als gemeinsamer Lebenslauf: Auf, ab, weit auseinander, dicht zusammen. Und das seit 20 Jahren.

Hanna ist Fernsehmoderatorin und trifft bei einem Ethikkongress auf Adam (Devid Striesow). Der Gentechniker ist debattierfreudig und äußerst sympathisch. Sie tauschen sich aus und beginnen eine Affäre. Hanna ist das fremd, aber sie kann sich nicht entziehen. Kurz danach trifft Simon Adam zufällig im Schwimmbad. Er interessiert sich nicht für Männer – jedenfalls nicht auf diese Art, eigentlich.
Tom Tykwer präsentiert nach erfolgreichen Filmen wie „Das Parfum“ einen ganz eigenen Film über eine Dreiecksbeziehung. Die Geschichte spielt in Berlin – dort, wo es doch eigentlich mehr Menschen geben müsste, mit denen man eine Affäre haben kann, als sich genau den auszusuchen, in den sich schon der eigene Partner verguckt hat.

Tykwer gelingt mit „Drei“ ein Verwirrspiel. Die Figuren sind auf den ersten Blick ein wenig vom Leben verbraucht, unauffällig, eigen und eher unzufrieden. Als sie jedoch die wahre Erfüllung ihrer Sehnsüchte finden, stellt sich Zufriedenheit ein. Auch im Umgang miteinander. Sie sehen ihr eigenes Drama als Schwarzweiß-Filme im Kopf. Keinem ist bewusst, dass der andere ein ähnliches Problem mit sich herumträgt. Man hätte es ja auch dreiteilen können.

„Ein schönes Gleichnis über einen Grabstein: Da stehen zwei Daten dran. Das Geburtsjahr. Das Todesjahr. Dazwischen ein kleiner Strich. Und der kleine Strich ist das ganze Leben; mit all den Ängsten, mit der Hoffnung. Menschen, die man getroffen hat, die Erfahrung, die man hatte. Alles ist dieser kleine Strich.“ Was nach fatalistischer Lebensphilosophie klingt, ist der poetisch-philosophische Auftakt des Kurzfilms „Fredi und Frau Landgraf“ von Anne Münch.

Hinter Fredis roter Mediclownnase versteckt sich Ingolf Löhne. Im wahren Leben ein praktischer Ingenieur, der gelernt hat, das Leben anders zu sehen. Früher war er ein selbständiger Bauunternehmer. Doch trotz allen Gehetzes konnte er die Firma nicht mehr halten. Seine Ehe auch nicht. Tiefer Blick in die Flasche, Verbitterung, quälende Gefühle. „Und da hab ich mich gefragt: Warum sollte ich denn nicht einfach so leben, wie es kommt, das Leben?“ Einfach keine Angst davor haben zu scheitern, seine Schwächen lieben lernen und Freude bringen können.

„Fredi und Frau Landgraf“ ist nicht nur eine großartige Kurzdoku einer beflügelnden Lebenswandlung. Sondern ein Zeichen für uns alle. Das Szenario beschreibt nämlich den wahren Ingolf Löhne. Die Umsetzung ist angelehnt am Format der Scripted Reality. Durch ein besonderes Gefühl für Prägnanz wird dem Zuschauer nichts vorenthalten. Der Wechsel zwischen hintergründigen Kommentaren und musikalischer Implikation ist gefühlvoll und berührend. Wer nach Besinnung und Einsicht strebt, ist hier an der richtigen Stelle.

„Das Leben ist sauer und süß. Die Milchsäure und die Hefebakterien liefern sich einen ständigen Kampf.“ Ähnlich gestaltet sich auch der Film „En Familie“ von Pernille Fischer Christensen.
Ditte (Lena Maria Christensen) ist erfolgreiche Galeristen und Tochter von Rikard (Jesper Christensen), Leiter der geschichtsträchtigen Familien-Bäckerei:„Urgroßvater kam zu Fuß aus Deutschland. Nur mit einem Sack Getreide und sonst nichts.“ Als sie ein Angebot für einen Job in New York bekommt, lässt sie das Kind von ihrem Künstler-Freund Peter abtreiben. Beide beschließen, in der amerikanischen Metropole ein neues Leben anzufangen. Doch als Dittes Vater schwer erkrankt, muss sie ihre Pläne neu überdenken. Denn Rikard möchte den Traditionsbetrieb seiner Tochter übergeben. Ditte muss sich entscheiden: Kopenhagen oder New York, Familientradition oder Selbstverwirklichung.

„En Familie“ ist ein Film, der negative und positive Seiten im Innenleben der Bäckerfamilie Rheinwald beleuchten mag. Ohne aufgesetzte Dramatik und geschwollene Lebensweisheiten liefert Pernille Fischer Christensen ein sehenswertes Drama. Trotz des ständigen Wechsels zwischen Liebesszenen und Bilder des leidenden Vaters besticht der Film durch Authentizität und Ehrlichkeit: Der Zuschauer fühlt förmlich Dittes Zerrissenheit. Ein ruhiges Familienportrait, sowohl in den Kameraeinstellungen als auch in seiner schauspielerischen Darstellung.
Übrigens: Die Namensgleichheit aller Christensens ist zufällig.

Es ist dunkel im Kinosaal. Der Abspann von „Aserot – Eingeschlossen“ läuft noch, während jemand die Saaltür aufreißt. Schimmernde Gestalten sorgen für Unruhe vor der Leinwand. Aus Höflichkeit trauen sich nicht so viele gleich raus. Und bleiben auf ihren Plätzen sitzen.

Das Bildungswerk Schwerin der Konrad-Adenauer-Stiftung hat zur Podiumsdiskussion „Die Rolle von Film und Medien im Israel-Palästina-Konflikt“ eingeladen. Schleifend formuliert die Moderatorin Yasemin Ergin ihre erste Frage an die Regisseurin Anat Even. Lange Pause. „I’m not surely understood your question…” Sehr lange Pause. Ungefähr so ging es auch weiter. Anfangs gab es wohl Probleme mit der Dolmetscherin. Elda Beck, Korrespondent einer israelischen Zeitung, spielte des Öfteren die Vermittlerrolle.
Jedes Mal, wenn die Moderatorin zu Wort kam, konnte leider keiner mehr mitkommen. „Das ist fast eine Frage für eine Dissertation.“, meinte dazu Islamwissenschaftlerin Irit Neidhard. Mit vielen „Ähm, also damit meine ich…“ und „Was mich eigentlich interessiert…“ versuchte Ergin, ihre „Fragen“ nochmals vergebens zu präzisieren. „Sie redet einfach zu viel.“, so ein Mann neben mir. Die Gäste saßen vor einem persönlichen Gewissenskonflikt. Der Saal wurde immer leerer.

Mit vielem Hin und Her umkreisten wir etliche Themen, die nichts mehr mit Israel zu tun hatten. Keine klaren Fragen, keine klaren Antworten. Man merkt schon, dass der Nahe Osten einfach zu komplex für eine 2-Stunden-Diskussion ist. „Beide Seiten sind zu viel Macho! Und das führt eben zum Krieg.“, so das Kurzversion-Fazit des Abends von Elda Beck.

Schließen Sie einmal die Augen. Erinnern Sie sich an das fesselnde Gefühl im Kinosaal, in dem Sie auf die „Black Pearl“ entführt wurden. Riechen Sie das Salz in der Nase und lauschen Sie der Freiheit. Und jetzt nehmen Sie die Szenen mit allen Sinnen auf. Was wäre dieses Gefühl ohne die markerschütternden Meisterwerke von Hans Zimmer? Die surreale Traumwelt aus „Inception“ existiere nicht und niemandem wäre „Der letzte Samurai“ großartig aufgefallen. Auch Jack Sparrow wäre nur als unrasierter Streuner in den Gedächtnissen verblasst.
Die Sprache der Musik verbindet Nationen ohne Worte. Hans Zimmer beherrscht diese Sprache wie kein anderer. Er hat uns sein Herz geöffnet – und an Sie verschenkt. Es liegt an Ihnen, dieses Geschenk anzunehmen.

„Hans Zimmer – der Sound für Hollywood“ erzählt die Lebensgeschichte eines Visionärs. Der gebürtige Deutsche lebt in seinem Musikstudio in Hollywood – eine Höhle, in der er wie im Rausche seine experimentellen Stücke kreiert. Und es gibt keine Regeln. Wie ein Verrückter kann er an einer Note sein ganzes Leben herumbasteln, doch „die Unvollkommenheit ist etwas Gutes“.
Der Durchbruch gelang ihm durch seine neugierige Art, die Welt zu betrachten. Seine Interpretationen von Filmen treffen immer den richtigen Nerv. Ehrlich, echt und bescheiden – Zimmer hat es begriffen, sich treiben ohne sich hängen zu lassen.
Eine faszinierende Dokumentation, die eine große Persönlichkeit der Gegenwartsmusik von Freiheit, Aufbruch und Experimenten erzählen lässt. Mit der musikalischen Untermalung seiner Stücke ist für Gänsehautfeeling gesorgt.

Eine Insel mitten im arktischen Ozean. Einöde, so weit das Auge reicht – und ein Sommer ohne Dunkelheit. Der junge Student Pawel (Grigory Dobrygin) hat sich einen außergewöhnlichen Ort für ein Praktikum ausgesucht: Er assistiert dem erfahrenen Meteorologen Sergej Gulybin (Sergei Puskepalis) bei dessen Forschungen auf Höhe des nördlichen Polarkreises. Bald schon muss Pawel feststellen, dass seine Arbeit dort so eintönig ist wie die karge Landschaft, die ihn umgibt. Ein Funkgerät stellt für die beiden Männer den einzigen Kontakt zur Außenwelt dar. Eines Morgens erfährt Pawel, dass Sergejs Familie tödlich verunglückt ist. Weil der Student sich vor der unheimlichen, aufbrausenden Art seines Vorgesetzten fürchtet, versucht Pawel, die furchtbare Nachricht geheim zu halten. Er ahnt nicht, dass er damit alles noch viel schlimmer macht.

Der Titel „Mein Sommer mit Sergej“ ist irreführend: Bei dem 2010 erschienenen Film von Regisseur Alexei Popogrebsky handelt es sich keineswegs um eine Road-Trip-artige Urlaubsgeschichte vor traumhafter Kulisse. Der Psychothriller ist auf verstörende Weise packend, auch wenn in seinen 124 Minuten die Handlung extrem in den Hintergrund rückt. Paradox wird es, wenn Pawels innere Anspannung zwischen der beinah klaustrophobischen Panik in den Stationsräumen und der Verlorenheit in einer schier endlosen Wildnis hin- und herpendelt. In beeindruckenden Naturaufnahmen vom Ende der Welt konstruiert Popogrebsky ein teilweise anstrengendes Kammerspiel über das Verhältnis zweier Menschen, die weder die Einsamkeit noch ihr Gegenüber ertragen können.

Die beliebte DDR-Fernsehfigur „Das Sandmännchen“ streut noch heute pünktlich um kurz vor 18 Uhr seinen Traumsand in müde Kinderaugen. Die moderne Kinofassung „Das Sandmännchen – Abenteuer im Traumland“ wurde wie auch die Fernsehclips mit der bewährten Stop-Motion-Technik produziert. Gleich drei Regisseure waren an der Produktion beteiligt: TV-Kameramann Helmut Fischer, der dänische Trickfilmspezialist Jesper Möller sowie Sinem Sakaoglu. Einfaches Papier mit der klassischen „Sandmann, lieber Sandmann“-Melodie wird in den Händen der Filmkünstler zu einem wahrhaft majestätischem Vorspann. Das Rezept des Kinderfilms ist sichtbar einfach: Simple Geschichte, ein klarer Handlungsstrang und wunderschöne Hintergrundsdesigns.

Sie wohnen in diesem Haus inmitten der engen Straßen von Hebron. Die Stadt ist geteilt. Zur einen Seite Palästina, zu der anderen Israel. Im Treppenflur postieren israelische Soldaten. Auf dem Dach stauen sich Sandsäcke, leere Munitionshülsen und gezogene Granatensplints. Vor der Eingangstür ein Wachposten. Roadblocks blockieren die Straße.

Seit 1997 koexistieren die drei palästinensischen Witwen mit insgesamt elf Kindern zwischen den Fronten von Hebron. Die provisorische Grenzmauer verläuft direkt durch deren Haus. Vollgerüstete Soldaten drängen sich andauernd in der Enge des Treppenflurs zwischen den spielenden Kindern. Auf dem Dach ist ein israelischer Beobachtungsposten eingerichtet.
“Can they solve the Palestinian problem on my roof?” – die beiden israelischen Filmemacherinnen Anat Even und Ada Ushpitz begleiten die drei Frauen in “Asurot – Eingeschlossen” bis zum Ausbruch der Ersten Intifada. Die Frauen müssen in ein Flüchtlingslager ausweichen.

Die Bilder sind mit großem Einfühlungsvermögen eingefangen worden. Sie zeigen viele Kontraste des Alltags. Der ungeheure Druck wird automatisch dokumentiert. Der Fokus jedoch liegt auf den Umgang der Frauen mit der Besatzung. Ängste, Erwartungen, Hass und Resignation werden in vertrauten Dialogen dargeboten. Leider keine Synchronisation auf Deutsch.
„I feel the death is nearing, because I’m sick of life.” Wo normalerweise ein Psychologe oder Sozialarbeiter zu Rate gerufen werden sollte, versucht man den Konflikt mit Waffengewalt zu lösen.

Am Freitagabend bot das Schleswig-Holstein-Haus seinen Gästen die Möglichkeit, ein wenig in ihren Kindheitserinnerungen zu schwelgen. Kein Geringerer als Knut Elstermann – der gute Geist des filmkunstfestes – las aus seinem Buch „Früher war ich Filmkind. Die DEFA und ihre jüngsten Darsteller“ vor. In diesem portraitiert Elstermann die Geschichten von 14 Frauen und Männern, die einst die Hauptrolle in einem DDR-Kinderfilm inne hatten. Was hat diese Kinder ausgezeichnet? Wie verliefen die Dreharbeiten? Und – das ist eigentlich die spannendste Frage – was machen die Darsteller von damals heute? Die goldene (wenn auch ungeschriebene) Regel der DEFA besagte, dass keines der jungen Talente nach einem Kinoerfolg eine weitere Hauptrolle spielen sollte. Unschuldige Kinderschicksale würden so nicht zu weltfremden Jungstars verkommen. Einige der Nachwuchsschauspieler wie Charles Brauer haben es trotzdem längst zu großen Filmstars gebracht, während andere das Leben im Blitzlichtgewitter nicht weiter verfolgten.

Elstermann sprach für sein Buch mit den (mittlerweile nicht mehr ganz so kleinen) Schauspielern von früher, den Regisseuren und den Betreuern, die die Kinder am Set damals begleiteten, und arbeitete gemeinsam mit ihnen ihre Geschichte auf. Herausgekommen ist nicht nur ein Streifzug durch 40 Jahre DEFA-Produktionen, sondern auch eine von sehr persönlichen Eindrücken gezeichnete Darstellung über Klassiker der DDR-Filmgeschichte wie „Der kleine Muck“, „Irgendwo in Berlin“ oder „Die dicke Tilla“. Ach, weißt du noch, früher…

Wohin gehen die Hilfsgelder für Entwicklungshilfe in Afrika? Wer profitiert davon? Und wie kommt es, dass traditionelle Kleider „Made in China“ sind? Korruption, Gier und der kulturelle Verlust ursprünglicher Traditionen stehen im Vordergrund von „Schlafkrankheit“, dem dritten Spielfilm von Ulrich Köhler.

Nach 20 Jahren Entwicklungshilfe in Kamerun beschließt Ebbo Velten (Pierre Bokma) auf Wunsch seiner Frau Vera, wieder nach Deutschland zurückzukehren. Vera und Tochter Helen fliegen voraus. Doch Deutschland ist längst nicht mehr Ebbos wahre Heimat… Zeitsprung, drei Jahre später: Alex Nzila (Jean-Christophe Follay), ein junger schwarzer Mitarbeiter der WHO, ist damit beauftragt, Velters Arbeit als Entwicklungshelfer zu überprüfen. Vor Ort trifft er auf schockierend heruntergekommene Zustände in einem übergroßen Hühnerstall, der mit nur einem Patienten „Krankenhaus“ genannt wird.
Hoffnungslosigkeit thematisiert die Ähnlichkeit der zwei Figuren Alex und Ebbo: Nzila fühlt sich trotz seiner familiären Wurzeln in Afrika nicht heimisch, während Velten im Gegenzug krampfhaft versucht sich anzupassen.

Die wenig beleuchteten Tatsachen werden mit dem Spiel von Licht und Schatten verdeutlicht, ein Großteil ist in halbdunkler Taschenlampenatmosphäre gedreht. Der oft oberflächlich angerissene Gefühlszustand der Protagonisten unterstreicht diese Empfindung. Doch hinterlassen die widersprüchlichen Bilder bleibenden Eindruck auf die Zerrissenheit eines ganzen Kontinentes.

Das PDF zum Download

Frau Repond, wie war es, mit den jungen Schauspielern zusammenzuarbeiten?
Es war ein sehr kollegiales, nichthierarchisches Verhältnis am Set. Ich habe die Jungs schon länger gekannt. Vorher gab es ja ein Auswahlverfahren, über 200 Jugendliche wurden 4 Monate lang gecastet. Die besten Gruppen kamen dann in ein zweiwöchiges Probecamp.

Haben Sie sich auch an eigenen Erfahrungen orientiert, zum Beispiel beim Drehort? Im Film wird mit Emmental ja ein wirklich abgelegener Ort dargestellt.
Ich komme aus einem Vorort von Bern, insofern kenne ich diese ländliche, trügerische Idylle. Von diesen Gefühlen bin ich ausgegangen. Bei meiner Recherche habe ich viele Jugendliche in Emmental besucht und etwas über die Freundschaft unter den Jungs erfahren. Auch, wie wichtig Mädchen und Mutproben dort sind.

Als Mädchen kann man einige Dinge nicht nachvollziehen, da man selber nie das Bedürfnis hatte, sowas auszuprobieren.
Ja, die ganze Aggressivität und das Testosterongeladene sind für Jungs sehr typisch. Die Mofas stehen für die Energie, die raus muss.

Wie kam es zu dem Thema Rechtsextremismus?
Die Idee stand vorher schon. Im Film geht es die meiste Zeit um diesen Stillstand nach der Schule, die Nazigruppe kommt erst recht spät. Mich hat interessiert, wie es dazu kommt, dass ein unpolitischer Jugendlicher sich für die rechte Szene begeistern kann. Es war für mich nicht nachvollziehbar. Aber mittlerweile verstehe ich, dass dort viele Gründe mit reinspielen, wie Orientierungslosigkeit und fehlende Anerkennung.

Es ist ja auch so zum Schluss so, dass Sascha erkennt, dass er das Handeln dieser Gesinnung so nicht „durchziehen“ kann.
Mir ging es hauptsächlich um diese Entscheidung, die jeder unabhängig von dem Anderen treffen muss. Weil jeder selbst für sein Handeln die Verantwortung trägt. Sascha ist keine Figur, die sich hinstellt und klar artikuliert, was er will oder was er nicht will. Insofern fand ich es stimmig, dass Sascha sich da eben mit reinziehen lässt – aber dann im Endeffekt den Molotowcocktail nicht wirft. Weil er weiß, dass es nicht richtig ist.

Nicht ganz klar wird, warum sich Sarah von Sascha abwendet. Sieht sie auf dem Konzert sein Feuerzeug mit der 88 drauf? Oder weil es nicht so gut gelaufen ist?
Die gleiche Frage hat mir eine Journalistin in Saarbrücken auch schon mal gestellt.

Aber Sarah guckt eben nicht einmal auf das Feuerzeug, weshalb man unsicher ist. Oder wollte sie nur kostenlos auf das Konzert?
Das ist die erste Intention, aber es ist interessant, wenn die Leute da noch mehr reininterpretieren. Das Dorf ist im Grunde genommen aber auch so klein, da kennt jeder jeden und weiß, was derjenige macht. Somit weiß sie eigentlich, dass Sascha sie in Bezug auf seine Ausbildung anlügt.

Wie lange bleiben Sie jetzt noch in Schwerin?
Ich bleibe leider nur für die Präsentation von „Silberwald“ in Schwerin, danach hat mein neuer Dokumentarfilm Uraufführung in München.

Wow, worum geht es?
Um eine Hardrockband, die auf dem Weg nach Oben ziemlich scheitert und wie das Leben dann dazwischen kommt. Der eine erkrankt an Krebs, ein anderer wird Papa und die Band trennt sich. Es geht so ein bisschen um Lebenslinien.

Und was steht 2011 noch so an?
Ich habe zwei neue Projekte. Momentan bin ich dafür am Schreiben und Recherchieren. Das ist immer ein langer Prozess, von der ersten Idee bis zu einem Drehbuch. Aber durch „Silberwald“ haben sich einige Türen geöffnet. Es ist schön, wenn man die Möglichkeit hat, in dem Beruf weiterarbeiten zu können. Es gibt eben sehr viele gute Regisseure. Da ist es also immer ein Glück, wenn man weitermachen kann.

Antisexismus. Antirassismus. Antiatomkraft. Antiomnivorismus. Anti, anti, anti und gegen das System und wider der Unterdrückung und für die Gerechtigkeit und alle sollen frei sein! Oi!
Die Erkenntnis, dass es in dieser Welt verdammt viele Missstände gibt, ist nicht neu. Die „Do it yourself“-Bewegung (DIY) zur Problembeseitigung eben dieser ist es genauso wenig. Spätestens seit den 70er Jahren ist sie mit der Punk-Kultur verbunden wie „Sex“ mit „Pistols“.

Die Dokumentation „Noise & Resistance“ von Francesca Araiza Andrade und Julia Ostertag führt zurück zu den Anfängen einer (musikalischen) Szene, deren Anhänger lieber als Aktivisten bezeichnet werden sollten. Lebende Legenden des CRASS-Kollektivs, Hausbesetzer und Antifaschisten kommen zu Wort und erklären, was ihnen Punk und DIY bedeutet. Die beiden jungen Filmemacherinnen nehmen den Zuschauer mit auf eine Reise durch die halbe Welt. Irgendwie scheinen überall ein ähnlicher Anblick und dieselbe Auffassung zum Thema zu existieren. Das mag ja die oft erwähnte große Gemeinschaft der DIY-Bewegung belegen, führt aber auch zu einer allmählichen Ermüdung innerhalb des ersten Filmteils.
In den zweiten 45 Minuten gewähren Andrade und Ostertag dagegen einen sehr gut recherchierten Einblick in aufregende Subsubsubkulturen und veranschaulichen, gegen welche realen Probleme die Punk- und DIY-Aktivisten besonders in Russland heute kämpfen. Dass die (Live-) Musik dabei nie zu kurz kommt, ist selbstverständlich: „Maybe music can’t change people’s opinions, but it can be like a soundtrack!“

England, düsteres Mittelalter. Die Pest wütet umher. „Es ist nicht schön oder erhaben.“ Der schwarze Tod ist unumgänglich. Verzweiflung und Panik betäuben den Verstand und lassen die Menschen zu Bestien werden. Man fragt sich: Wo ist Gott verblieben? Und keiner weiß die Antwort. Mit „Black Death“ zeigt uns Christopher Smith den Horror des Mittelalters in ganz neuen Bildern.

Der katholischen Kirche kommt das Gerücht zu Ohren, es gäbe in den tiefen Wäldern Englands ein Dorf, das auf mysteriöse Weise dem Schwarzen Tode verschont blieb. Angeblich sollen dort dämonische Blasphemie und Totenbeschwörung zugange sein. Unter der Führung des gefürchteten Ritters Ulric (Sean Bean) macht sich eine sechsköpfige Söldnergruppe auf die Suche nach den Ketzern. Der junge Novize Osmund (Eddie Redmayne) spielt für sie freiwillig den Führer. Doch erst der Hexe des geheimnisumwobenen Dorfes wird seine Intention deutlich.

Der schleichende Spannungsaufbau lässt zu wünschen übrig. Dafür muss man der authentischen Inszenierung ein großes Lob aussprechen. Die Filmemacher haben sich dafür sogar nach Vorpommern begeben. Die Dreharbeiten fanden im Mittelalterdorf Ukranenland in Torgelow statt. Abgesehen von ästhetischen Bildern und meditativen Musikimpressionen muss sich der Zuschauer auf schockierende Blutrünstigkeit einstellen. „Wie viele haben hier überlebt?“, die typischste Frage des Horrorgenres. Gezeichnet von unnötiger Brutalität – so war es wohl damals – bleibt es bei einer klaren Empfehlung für latente Inquisitionsfans.

Entscheidungsträchtige Momente: Ein letzter Brief an Tomasz. Kein Adressat. Kein Absender. Tut sie das Richtige? Bedenken. Sie geht. Mit „Die verlorene Zeit“ erzählt uns Anna Justice eine bewegende Liebesgeschichte zweier zerrissener Schicksale.
Das Geschehen setzt im Jahr 1944 ein. In einem polnischen Konzentrationslager lernen sich Tomasz Limanowski (Mateusz Damiecki), ein politischer Häftling, und die Jüdin Hannah Silberstein (Alice Dwyer) kennen. Die Romanze in Zwängen faschistischer Repressalien scheint schier unmöglich. Doch Hannah ist schwanger und Tomasz hat bereits eine Flucht geplant. Die abenteuerliche Aktion gelingt, doch in den Wirren der Verfolgung müssen die beiden auseinander gehen.
Erst 1976 erfährt Hannah von Tomaszs Überleben. Trotz des Wohls ihrer situierten Familie in New York drängen sich Hannahs unterdrückte Gefühle wieder zum auflebenden Vorschein.

„Die Erinnerung kommt nie als Ganzes. Sie ist von Anfang an zerrissen.“ – Hannahs Tagebucheintrag wird zum leitenden Kanon der Geschichte. Dem Zuschauer werden überschneidende Rückblenden geboten; die Vergangenheit wird umwoben von düsterer, kontrastarmer Farbigkeit. Die Tatsache, dass der Film auf wahren Begebenheiten beruht, schärft die Aufmerksamkeit. Man sucht nach sensiblen Schlüsselszenen. Hannahs willenlose, melancholische Ader verleiht der Handlung eine ernste Spannung. Verborgen in der Nostalgie ihres Schicksals möchte sie von niemandem verstanden werden. Und der Zuschauer wird zwangsläufig alles daran setzen, ihren wehmütigen Zustand nachvollziehen zu wollen.

Ein Phänomen, das bei Kurzfilmen vermehrt auftritt: Die Kamerabewegungen sind extrem statisch; es wird versucht, dem Zuschauer besonders viel Platz für eigene Interpretationen zu lassen und die Gesamtheit soll formvollendet und stilvoll wirken.
Was in diesem Falle dabei rauskommt? Ein Film, der Wüste im Kopf hinterlässt.

Die Sonne brennt hinunter auf eine monotone Landschaft. In der Ferne rollt ein Mähdrescher übers Feld. Und hier, es könnte nebenan sein, sitzt Henry (Beat Wittwer) mit einem kleinen Kind zu Hause. „Hol mir ma noch‘n Bierchen!“, fordert er lapidar. Henry sieht verwahrlost aus, ist liederlich gekleidet, das Gesicht voller Narben. In dem baufälligen Haus, das die beiden bewohnen, sind unzählige leere Bierflaschen akkurat platziert. Immer wieder wirft der Kleine (Finn Staamann) Eindrücke von den (Miss-?)Handlungen ein, die seine abwesende Mutter über sich ergehen lässt. Doch Henrys Antwort ist bloß ein abgestumpfter Blick durch seine gleichgültigen Augen. Als die Mutter des Kindes und ihr neuer Freund an der Tür klingeln um den Sohn abzuholen, bleibt Henry äußerlich zwar ruhig – doch irgendetwas in ihm verliert die Fassung.

Untermalt wird Felix Hartmuths Kurzfilm von Gitarrenriffs, die so kunstvoll erscheinen sollen wie das Gesamtwerk. Die Kameraeinstellungen und der extreme Wärmefilter beruhigen – im Gegensatz zu der Sprechweise des Hauptdarstellers: die nervt furchtbar. Oder sollen die Dialoge auswendig gelernt klingen? Überhaupt: “Wüstland” wirft mehr Fragen auf, als er beantworten kann.

Stell dir vor, du könntest die letzten 10 Jahre deines Lebens vergessen. Die Fehler, die du gemacht hast; die Entscheidungen, die du getroffen hast; und die Menschen, die du kennengelernt hast. Und dann wachst du auf und alles ist … weg.

Als Schlagerstar Alexander Ludwig (Peter Lohmeyer) von seiner exzessiven Lebensweise eingeholt wird, erleidet er einen Herzinfarkt, wodurch sein Gehirn für eine längere Zeit mit Sauerstoff unterversorgt wird. Die Folge ist eine massive Gedächtnisstörung – er hat sein Kurzzeitgedächtnis verloren und dazu sind auch die letzten 10 Jahre komplett ausgelöscht: Seine Riesenerfolge in der Musikszene, oder dass er seine Ex-Frau Edda samt Kind für die jüngere Maria (Mina Tander) verlassen hat. Doch was er nicht verloren hat, sind seine Arroganz und sein flippiger Kleidungsstil. Um sein Gedächtnis wiederaufzubauen, wird er in eine Reha-Klinik eingewiesen, wo er den pensionierten Jazzpianisten Heinrich (Paul Kuhn) kennenlernt. Alexander schlägt eine ganz neue Richtung in der Musikwelt ein. Und auch in Herzensangelegenheiten soll es Schwierigkeiten geben…

Der ganze Film scheint in seinen einzelnen Szenen mit dem Gesamtbild des typischen deutschen Happy-End-Streifens zu harmonieren – bloß nicht Peter Lohmeyer in seiner Rolle als Herzensbrecher. 89 Minuten seichte, flache Unterhaltung. Wer allerdings Tiefe und künstlerischen Anspruch sucht, ist bei der NDR-Produktion „Schenk mir dein Herz“ deplatziert. Ein Kinoerlebnis zum Berieseln und Nicht-nachdenken-Müssen.

Mit „Rausch“ ist Verena Jahnke ein authentischer Kurzfilm gelungen, dessen direkte, ungeschönte Darstellung den Zuschauer in die Perspektive eines Beteiligten steckt. Die Panik schwebt förmlich in der Luft. Dieser Film wird für Diskussionen sorgen.

Slimane Beiji (Habib Boufarès) arbeitet im Hafen. Durch sein Alter ist er nicht mehr der Schnellste. Trotz der langen 35 Jahre, die er auf der Werft gearbeitet hat, ist er nun endgültig weg vom Fenster: Er verliert seinen Job. Mit seiner neuen Frau und deren Tochter lebt Slimane über einem Hotel. Die Großfamilie, die er einst von Tunesien mit nach Frankreich brachte, liebt und pflegt Slimane nach wie vor: Seinen Töchtern bringt er täglich frischen Fisch mit. Seine Ex-Frau will keinen mehr, da sie Geld viel mehr gebrauchen könnte. Doch alle – egal, ob zerstritten oder nicht – lieben den unnachahmlichen Couscous der Mutter.
So kommt Slimane auf eine Idee: Einen alten Kutter als Restaurant umbauen und dort Couscous mit Fisch zu servieren. Die Unzufriedenheit der anderen mit ihren Jobs und der starke Zusammenhalt untereinander sollen es zu einem Familienunternehmen machen. Dann kommt der Tag des großen Festes und mit ihm der Höhepunkt aller Spannung des Momentes, der Beziehungen untereinander und der Musik.

„Couscous mit Fisch“ – ein Film, der mit übermäßig vielen Menschen und übermäßig ausschweifenden Dialogen leider über die ertragbare Länge hinausgezogen wird. Das atmosphärische Portrait einer nordafrikanischen Familie ist Abdellatif Kechiche eindeutig gelungen. Daran bleibt bei der Mischung aus Musik, Essen, Temperament und den Schauspielern kein Zweifel. Hier wirkt tatsächlich alles echt: die Ungereimtheiten zwischen der alten und neuen Familie von Slimane, die zerbrochene Ehe seines Sohnes und die übertriebene Aufregung seiner Tochter, dass ihr Kind nicht auf den Topf geht, obwohl sie es täglich mit ihm übt. Und was macht Slimane? Er lässt sie reden, er schweigt, vielleicht hört er ja sogar zu…

Den Großteil seiner Zeit verbringt der 21-jährige Mike Hiller (Jacob Matschenz) damit, im kleinkriminellen Stil vom Laster gefallene Dinge zu verticken. Als er eines Nachts bei einem Einbruch erwischt wird, tritt Konrad Böhm (Bernhard Schütz) in sein Leben und ersetzt die Vaterfigur, die Mike nie hatte. Oder haben durfte. Verwickelt in dubiose Geschäfte einer russischen Gasgesellschaft, treten im dramaturgischen Schnellfeuer die Wahrheiten ans Licht. Binnen kürzester Zeit scheint die Vergangenheit das Hier und Jetzt zu überrollen. Wer dabei letztendlich die Fäden in der Hand hat, bleibt als verschwommenes Schema in der Highsociety der Korruption verborgen.

Jacob Matschenz überzeugt in einer scheinbar auf ihn zugeschnittenen Rolle als trotziger Chaot und verkörpert durch eine gewisse Naivität die Generation der ostdeutschen Mittzwanziger. In seinem Spielfilmdebüt nutzt Regisseur Marc Bauder den Hintergrund der politischen Diskussion über eine Pipeline quer durch unser Land, um die Geschichte des perspektivlosen Mike zu beleuchten. Die Idee, dass ein junger Mensch durch einen verführerischen neuen Weg seine bisherigen Beziehungen zerfallen lässt, ist nicht neu. Jedoch besticht der Film durch die geschichtlichen wie auch politischen Hintergründe, die in den 90 Minuten angeschnitten werden. Hinzu kommen Stasi-Akten, Waffenhandel und Verflechtungen zwischen den einzelnen Charakteren – ob tot oder lebendig. Zwar wird nicht jeder Aspekt bis in die Tiefe beleuchtet, jedoch weckt „Das System – Alles verstehen heißt alles verzeihen“ Interesse und lässt nach mehr verlangen. Wer wissen möchte, wie die Geschichte ausgeht, dem sei ein Blick in die täglichen Nachrichten empfohlen.

Schon die Regiekombination dieses Spielfilms ist außergewöhnlich: Yaron Shanti ist jüdischen Glaubens und Scandar Copti ein christlicher Araber, die beide in Israel aufgewachsen sind. Zusammen ist ihnen eine komplexe Verstrickung der einzelnen Handlungsstränge geglückt, die es vermag, den Zuschauer sowohl auf narrativer als auch temporaler Ebene zu irritieren. Obwohl – oder: gerade weil – es sich bei dem Cast ausschließlich um Laiendarsteller handelt, überzeugt dieser Thriller mit seiner faszinierenden Glaubwürdigkeit. Allerdings hätten sich Shanti und Copti zeitlich ein wenig mehr zurücknehmen können, denn das Ausmaß redundanter Fragen übersteigt in “Ajami” beizeiten die Geduld des Zuschauers. Der Oscar-nominierte Film ist vor allem eins: Mahnmal für ein Land, das seine innere Zerrissenheit einfach nicht überwinden kann.

Die teure Kausalität von Herrn Weisbrodt macht Probleme. Sie funktioniert nicht mehr. Herr Weisbrodt weiß nicht mehr weiter, ruft bei der zuständigen Servicenummer an und muss warten. Der Servicemitarbeiter Kolk versucht mit zweifelhaften Lösungsansätzen, das Problem zu beheben. So schickt der Servicemitarbeiter einen Techniker zu Herrn Weisbrodt. Sprechende Kotze und komische Gestalten haben jedoch gar keine Lust, in der Warteschleife zu hängen. In dem 17-minütigen Kurzfilm „n gschichtn“ beschreibt die HFG-Filmstudentin Eva Becker unterschiedliche Alltagssituationen, in denen Zeit eine wichtige Rolle spielt.

Mit der skurrilen, digitalen Welt der wartenden Monster hält die Lichter-Filmpreisträgerin dem Zuschauer einen außergewöhnlichen Spiegel vor. Der ausgefallene Vorspann erinnert nostalgisch an Computerspielautomaten und schafft einen Kontrast zum überwiegenden Zeichentrick-Design. Durch ihre ganz eigene Mundart bekommen die sympathischen Monsterchen Persönlichkeit. Der Hauptschwerpunkt des verwirrenden Klamauks lässt sich trotz der farbenprächtigen Bilder nur schwer herausfiltern. Ein anspruchsvoller Kurzfilm in der modernen Medienwelt.

Mit beeindruckenden Kamera- und Lichteinstellungen schafft es der Züricher Regisseur Ciril Braem Tscheligi, die ständige Unausgeglichenheit des jungen Boxers einzufangen. In Ritchs Träumen herrscht stattdessen die Friedlichkeit der Stille: Die Zeitlupe fängt auf monotone Art das unrealistische Farbspiel ein, doch täglich weckt ihn das gleißende Licht der harten Realität.

Das PDF zum Download

Eine Stadt in der sächsischen Provinz. Ein Haus, das einer Baustelle gleicht. Und ein Mann, der die Schrottimmobilie dringend loswerden will. Blöd nur, dass sich trotz ausgeklügelter Marketingstrategie kein Käufer finden lässt. Dabei ist der Grund doch offensichtlich: ein baufälliges Haus in einem Ort mit knapp 15.000 Einwohnern, von denen der gefühlte Großteil schon lange das Rentenalter erreicht hat. Mittweida ist einfach keine Stadt, in die man investieren will. Vielleicht ist es noch nicht mal eine Stadt, in der man leben will. Zumindest gibt es keine Arbeit dort für die Ehefrau des Mannes. Also raus, raus, raus!

Dieser Kurzfilm ist genauso schrottig wie das Haus, das einfach keiner kaufen will. Besonders das Ende, das hier nicht verraten werden soll, ist so platt, dass man sich ein bisschen fremdschämen muss. Dramaturgisch spitzt sich die gesamte Geschichte dermaßen auf ein letztendlich enttäuschendes Finale zu, dass man sich ernsthaft fragt: Was will uns Regisseur Martin Nudow nur mit auf den Weg geben? Vielleicht möchte er uns mitteilen, dass das Thema Abwanderung nach wie vor problematisch und der reale Anblick der verlassenen Städte in der ehemaligen DDR erschreckend ist. Schön und gut, aber geistlose Dialoge und ein paar holprige Slapstick-Scherze helfen da auch nicht weiter. Einzig Setting und Musikauswahl überzeugen in diesem sonst so nichtssagenden Kurzfilm. Insofern ist das Zuhause in Mittweida wirklich eine Burg – eine, aus der man dringend ausbrechen möchte.

Hallo Alice, schön dass du dir Zeit für unser Interview genommen hast. Bist du das erste Mal in Schwerin beim filmkunstfest dabei?
Ich war fast dreimal schon hier. Meistens aber nur für einen Abend, weil ich noch zur Schule gegangen bin und immer am nächsten Tag pünktlich zurück sein musste. Das ist jetzt das erste Mal, dass ich die Möglichkeit hab, ein bisschen was von Schwerin zu sehen.

Wie gefällt dir die Stadt denn so?
Bis jetzt ist es total nett. Ich hab mir heute mal vorgenommen, ein bisschen was von der Stadt zu sehen, das hab ich noch nicht richtig geschafft. Alle sind sehr nett und höflich, die Sonne scheint. Ich kann nichts Schlechtes sagen. (ein Lächeln huscht über ihr Gesicht)

Du bist in diesem Jahr Mitglied der Kurzfilmjury. Ist es das erste Mal, dass du in der Jury eines Filmfestivals dabei bist?
Nee, das mache ich jetzt auch das dritte Mal (lacht). Es ist immer wieder aufs Neue spannend, weil es immer andere Leute sind, mit denen man sich irgendwie auseinander setzen muss und die alle eine andere Sicht auf Filme haben. Ich find das toll, mal mitreden zu dürfen, wer gewinnen darf (lacht). Da ist es spannend, einfach mal auf der anderen Seite zu sitzen.

Was macht für dich einen Kurzfilm spannend?
Das hat verschiedene Aspekte. Ich finde es sehr toll, wenn es die Macher schaffen, eine runde Geschichte zu erzählen. Das hat mit der Schauspielführung zu tun, mit der Kamera, mit allem. Das ist sehr selten der Fall, aber wenn es funktioniert, dann ist das eine große Freude. Dann versteht man das Format. Und es ist auch eine Kunst.

Gibt es Sachen, die sich in Kurzfilmen besser erzählen lassen als in Spielfilmen?
(überlegt) Das kann man so nicht sagen. Es ist schon schwierig, eine passende Geschichte zu finden, die sich rund und gut und ausfüllend in 15 Minuten erzählen lässt. Da hat man einfach bei 90 Minuten viel mehr Zeit, mehr Vorbereitungszeit und kann einfach eine Geschichte ausbreiten.

Kommen wir zu deinem neuen Streifen „Die verlorene Zeit“. Du hast am Dienstag auf der Pressekonferenz gesagt, dass es ein Film ist, der vielleicht schnell in diese Schublade eines „KZ-Films“ gesteckt wird. Wie gelingt es, dieses Klischee zu umgehen?
Was der Film vor allem erzählt, ist die Geschichte einer Liebe. Wie eine Liebe sich findet, und wie sie verloren geht. Das ist der Kern. Dadurch gelingt es auch. Es ist wichtig, dass man trotzdem auf dem Schirm hat, dass es um diese Zeit geht. Ich finde es, um ehrlich zu sein, furchtbar, dass die Leute da sofort so reagieren und sagen: Nee, hab ich überhaupt keine Lust drauf. Es ist aber eine wichtige, spannende Zeit.

War die Rolle für dich eine Herausforderung?
Ja, eine sehr große. Wir haben es in zwei Teilen gedreht, dazwischen lagen sechs Monate Pause. Ich selbst musste fast acht Kilo abnehmen. Das ist einfach unfassbar anstrengend und nervig (lacht). Auch fürs Umfeld, wahrscheinlich sogar mehr als für einen selber. Am Set war es auch schwierig. Wenn du 12 Stunden arbeitest, passiert es halt, dass dir dein Körper einfach ‘nen Finger zeigt und dann klappst du weg. Das war für mich eine der intensivsten Arbeiten, die ich bisher gemacht habe.

Ein Blick in die Zukunft: Ich habe gelesen, dass du gerade mit Dietrich Brüggemann zusammenarbeitest, der hier im letzten Jahr mit „Renn wenn du kannst“ vertreten war. Kannst du schon ein bisschen was dazu verraten?
Der Film spielt in vier Jahreszeiten. Jetzt gerade haben wir den „Frühlingsblock“ abgedreht, im Juli geht’s weiter und im Oktober sind wir fertig. Jacob Matschenz, Anna Brüggemann und Robert Gwisdek sind wieder dabei. Der Arbeitstitel lautet „Drei Zimmer, Küche, Bad“. Das macht sehr, sehr viel Spaß. Alle freuen sich auf den nächsten Teil – und wenn es vorbei ist, sind alle traurig. Aber auch glücklich, weil wir wissen: In drei Monaten sehen wir uns wieder.

Vor Kurzem hast du am Staatstheater Hannover in deinem ersten Theaterstück mitgewirkt. Was für eine Erfahrung war das für dich?
Das war sehr spannend. Regie bei dem Stück hat Mirko Borscht geführt, den ich von „Kombat Sechzehn“ kenne. Als erste Theatererfahrung war das für mich sehr gut. Das war ein geschützter Rahmen für mich, mit Mirko jemanden zu haben, der meine Art zu arbeiten auch kennt. Ich war vor allem sehr panisch, sehr nervös. Das sind zwei verschiedene Arten von Schauspiel, die du da bedienen musst. Ich muss da noch viel lernen, aber es war sehr toll.

Also ist Theater etwas, was du noch weiterführen möchtest?
Mal schauen. Eine Woche nach der Premiere habe ich wieder mit Brüggemann gedreht und hab den Boden geküsst. Ich war so glücklich, wieder am Filmset zu sein, wo ist wusste, was ich machen soll. Ich würde schon sagen, dass ich bei dem Film zuhause bin. Ich bin nicht abgeneigt, ich würd es gern nochmal ausprobieren. Aber vielleicht erst in zwei Jahren.

Letzte Frage: Deine Kurzfilmempfehlung für die filmab!-Leser?
Das darf ich nicht sagen. Wir hatten gerade die Besprechung und haben beschlossen, wer gewinnen wird. Da krieg, glaub ich, Ärger. Aber… (überlegt) es gibt gute und weniger gute. Das war gegen Ende auch relativ klar für uns.

Vielen Dank für das Gespräch!

Jan (Joseph K. Bundschuh) ist ein pflichtbewusster Auszubildender im dritten Lehrjahr bei einem großen Software-Unternehmen. Den monotonen, drögen Büroalltag – kopieren, telefonieren, Statistiken auswerten – versucht der junge Lehrling durch den Kauf kleiner Luxusartikel auszugleichen. Als die attraktive Jenny (Anke Retzlaff) für ein Praktikum zur Firma dazustößt, scheint die Arbeit Jan endlich mehr Spaß zu bereiten. Doch auch ihre Anwesenheit kann nicht davon ablenken, dass der Abteilungsleiter systematisch Mitarbeiter entlässt…

Dirk Lütters erster Langfilm zeichnet ein kaltes, rationales Bild der modernen Arbeitswelt. Die statische Kamera und der blaustichige, entsättigte Farbton distanzieren den Zuschauer vom Geschehen und machen ihn zum außen stehenden Beobachter. In nur einer einzigen Szene, in der Jan und Jenny weit weg vom Büroleben ihre Zweisamkeit genießen, ist überhaupt ein Lachen zu vernehmen. Wird von Jan zwar ständig ein freundliches, herzliches Auftreten im Kundenkontakt gefordert, dominiert dennoch das funktionale Bürokratendeutsch und eine sterile, nüchterne Atmosphäre.
Beinah klang- und farblos vermittelt Dirk Lütter auf überzeugende Weise die Gleichzeitigkeit einer inneren Leere und der Sorge vor fristlosen Kündigungen, die vielen Arbeitnehmern heute den Schlaf raubt. Die etwas übertrieben emotionslose Darstellung der Hauptfigur verhindert leider ein wirkliches Eintauchen in diese verlassene Welt.

Eine Möwe kreist über dem Meer, das NDR-Logo oben in der Ecke. Willkommen zum NDR-special über Hiddensee, die Perle der Ostsee. Der erste Eindruck von der 19,02 km² großen Insel, die westlich von Rügen liegt, ist unberührte Natur. Wer denkt bei Hiddensee nicht an das autofreie Paradies, umgeben von Wasser, reetgedeckten Häusern und alten Fischerbooten, die morgens in aller Frühe zum Fischen aufbrechen.

Der NDR präsentiert in seinem Dokumentarfilm diese Idylle und die Menschen, die hier täglich leben. Mit ihren Problemen, die jungen Menschen zu halten und der Angst, nicht von Urlaubern überschwemmt zu werden. Im Winter ist es still hier. Da sind sie für sich – die, die schon immer hier waren. Aber die traditionellen Fischer sind weniger geworden. In Neuendorf haben sie keinen Auszubildenden mehr, erzählt einer, der noch den Beruf als solchen gelernt hat und bis heute ausübt.
Im Film wird ein ursprünglicher Hiddensee-Junge dabei begleitet, wie er das Klangarchiv der Insel anlegt: Knarrende Türen, Pferdehufe auf dem Pflaster. Und im Sommer die etwas pampige Anweisung der Kurangestellten: „Ich hätte mal gern die Tageskurkarte für Hiddensee gesehen!“ Der genervte Unterton ist ihr nicht zu verdenken bei der Häufigkeit, mit der es die Frau sagen muss. Im Sommer herrscht Hochbetrieb auf der Insel. Die Doku der Fernsehjournalistin Gudrun Brigitta Nöh zeigt die Seiten Hiddensees, wofür es geliebt wird: Zwischen Hektik und Romantik wird die Naturschönheit genauso gezeigt wie die Menschen, die in dieser 1032-Seelen-Gemeinde leben.

Die gebürtige Schwerinerin tritt in einem stilechten, schwarzen Frack vor das begeisterte Publikum. In ihrem parodistischen Rückblick über 20 Jahre Mauerfall lässt sie kein Auge trocken. Das musikalische Trio aus Henning Schmiedt (Piano und künstlerischer Leiter), Peter Dahm (Saxophon) und H. D. Lorenz (Bass) unterstützt die Sass-Interpretationen von „Alt wie ein Baum“ oder „Marmor, Stein und Eisen bricht“ meisterhaft. Ihre sanfte, wohlgehende Schauspielerstimme klingt im Gesang eher hart und gedrückt. Katrin Sass selbst erlebte den Mauerfall am heimischen Waschbecken, „beim Putzen, Putzen, Putzen“. Das Fazit am Ende des deutsch-deutschen Abends zwischen Schlager und Chanson? Eher geteilt. Einige der Zuschauer wünschten sich mehr eigene Liedkreationen, andere wiederum fanden es einfach fantastisch.

Die 15-jährige Nana Meiringer (Elisa Schlott) lebt mit ihrer neunjährigen Schwester Tatjana (Lou Haltinner), ihrem fünf Jahre alten Bruder Toto (Joseph Sunkler) und der schlimmsten Mutter, die man haben kann, zusammen in einem Kaff. Roberta (Meret Becker) hat keinen Beruf gelernt und leider auch nicht, wie man Männer auf Dauer behält. Sie trinkt viel und schläft mit vielen – nur leider nicht so oft zu Hause. Währenddessen liest Nana ihrem kleinen Bruder Nachtgeschichten aus dem Lexikon der Krankheiten vor und kocht besser als es ihre Mutter jemals könnte.
Das Problem: Roberta hat nach einem nächtlichen Bad ihr Oberteil verloren und läuft nur dem knappen Rock bekleidet an der Hauptstraße nach Hause. Resultat: Das Jugendamt setzt der Mutter eine Frist, ihr Leben in drei Monaten zu „normalisieren“. Ansonsten sind die Kinder weg. Dass das schon einmal daran scheitern könnte, dass diese Familie nun mal nicht „normal“ ist, liegt auf der Hand.

Der Film von Güzin Kar, der Drehbuchautorin der „Wilden Hühner“, unterscheidet nicht groß zwischen Träumereien und wirklichem Geschehen. Er ist verspielt, lebendig und um kein Wort verlegen. Doch „halbstark“ ist dieser Film von seiner Qualität her nicht, auch wenn er in diese Kategorie einsortiert wurde und deshalb für „Teens“ ist. Nana ist kein typischer Teenager und diese Einsortierung wurde natürlich von Erwachsenen vorgenommen. Eins sollte gesagt sein: Diese Familienkomödie hat andere Filme für „Erwachsene“ längst überholt. „Fliegende Fische müssen ins Meer“ ist etwas für Zuschauer, die das Chaotische, Liebevolle, Farbenfrohe und Warme lieben.

Ein befriedigendes Weibsstück, das ihm bei seinen Alkoholexzessen Gesellschaft leistet und wie ein Automat das Denken abstellt – Sonja (Katrin Sass) ist der ganze Stolz von Jens (Martin Seifert), dem depressiven Bauarbeiter. Mit einer kitschig-romantischen Hochzeit beginnt das idyllische Liebesglück der beiden in Katrin Sass‘ Kinodebüt „Bis dass der Tod euch scheidet“ von 1978. Das junge Paar tritt die traditionelle Rangfolge der klar definierten Ehe an, die Sonja an Herd und Heim kettet und für Jens das plumpe Feierabendbier vorm Fernseher vorsieht.

Vorerst kann sich das Scheinglück durch nützliche Lehrbücher über die Führung einer Ehe halten. Doch nach einem Jahr möchte sich Sonja als Fleischverkäuferin im Konsum selbstverwirklichen. Jens rastet völlig aus. Er sieht die Familienidylle bedroht und kann nicht mit der Schande der beruflichen Karriere seiner Frau leben. Das Leben „muss seine Ordnung haben“ und die Erfüllung lautet nun mal: Vater, Mutter, Kind – kein Leid, kein Streit. Und während Heintje unschuldig und engelsgleich im Hintergrund von „Heidschi Bumbeidschi“ erzählt, findet sich Sonja tagtäglich in einem Horrorszenario ihrer Ehe wieder. Die unbewegliche Starrsinnigkeit von Jens‘ kleingeistigem Denkansatz äußert sich in Prügelattacken und anschließendem Versöhnungssex.
Blanke Liebeserklärungen und überbordende Klischees zeigen letztlich das gestörte zwischenmenschliche Verständnis. Bei Jens ufern diese zum Ausleben seiner männlichen Triebe aus, die er nur zu gerne einem „Gespräch“ vorzieht. Leider wurde dieses Ausufern der Gefühle nicht im Katalog erwähnt…

Liebevoll legt Hannelore (Renate Krößner) ihre Hand auf Klaus’ (Dieter Mann) Hand. „Du hast dich doch so gefreut, dass Maik und Steffi kommen!“ Sie führt die Gabel zum Mund ihres 69-jährigen Mannes, doch der spuckt das Essen sofort wieder aus. „Du dumme Sau, du!“
Was im ersten Moment nach Beziehungsdrama klingt, ist letztendlich die Geschichte einer hilflosen Ehefrau, die sich seit 4 Jahren um ihren demenzkranken Mann kümmert und am Ende ihrer Kräfte ist. Doch „weggeben“ möchte sie Klaus nicht. Verzweifelt flüchtet sie sich also in die Arme ihres schwulen Nachbarn Günther. Es entsteht eine Zweckgemeinschaft – Hannelore handelt, wie so oft, impulsiv und entflieht in Günthers Ferienhaus am Meer. Sie lässt ihren Mann alleine mit Sohn Maik (Joe Rilla) stehen, der sich liebevoll um seinen Vater kümmert. Der am Anfang noch eher abgewandte Günther entwickelt sich schnell zu einem Gleichgesinnten – schließlich haben beide einen Menschen verloren, den sie liebten.

Untermalt wird Andreas Kannengießers Spielfilm mit minimalistischen Gitarrenklängen, passend zum reduzierten Filmstil. Durch die interessanten Kameraeinstellungen entsteht jedoch ein ganz neuer Blickwinkel – auch auf die Krankheit. Die Krankheit, die jeder kennt, und über die man doch nicht wirklich Bescheid weiß. Das Drama gestaltet sich ähnlich trostlos, traurig und monoton wie die Demenz selbst: grau mit vereinzelten Sonnenstrahlen. Aber ist es überhaupt möglich, einen nicht-freudlosen Einblick in diese Krankheit zu geben?

Die drei Geschichten in „Jellyfish“, dem Regiedebüt des Schriftstellerpaares Shira Geffen und Etgar Keret, sind vielschichtig und doch eng ineinander verwoben. Manchmal schwermütig, manchmal träumerisch, manchmal lustig, manchmal tragisch erzählt dieser Film von den komplizierten Beziehungen, die (auch erwachsene) Kinder zu ihren Eltern haben können. Während eine dynamische Kamera das Leben auf den Straßen Tel Avivs einfängt, ergreift den Zuschauer immer wieder eine zarte Stimme aus dem Off. Mit einer rührenden Sanftheit – ganz ohne große Gesten – kommt ein moderner israelischer Alltag zum Vorschein, der mit brutalen Auseinandersetzungen im Gaza-Streifen und im Westjordanland nichts zu tun hat. Hin und wieder reicht eine stille Umarmung einfach aus.

Das Ergebnis einer dreijährigen Studie bietet uns viele Einblicke in verschiedene Institutionen der deutschen und österreichischen Nuklearindustrie. Es folgen ausführliche Beiträge von Experten, Befürwortern und Kritikern der Atomkraft. Dafür begibt sich Seifer in aktive und stillgelegte Kernkraftwerke, Anlagen zur Schulung, die Internationale Atomenergiebehörde, ein Institut für Risikoforschung, die Jahrestagung der Kerntechnik, Forschungsstätten sowie ein Endlager für radioaktiven Abfall. Außerdem werden auch die Folgen der Außerbetriebnahme eines monströsen Atommeilers betrachtet.

Dieses Meisterwerk seiner Art begeistert mit der Ästhetisierung architektonischer Utopien des 20. Jahrhunderts. Dabei begibt sich der Zuschauer auf eine illusorische Reise zwischen Science-Fiction und Industriealltag. Imposante Bilder werden kommentarlos in Cinemascope-Verfahren auf die Leinwand gebracht. Die musikalische Geräuschkulisse weicht zwischen mechanischem Piepen und Fiepen. Nach Spannung kann man hier vergebens suchen. Der Film regt höchstens den Antiatomkraft-Aktivisten oder expliziten Liebhaber der besonderen Kameraführung an.

Der Handlungsort ist eine normale, bürgerliche Wohngegend mitten in Dresden. Die Kamera, geleitet von Erik Schimschar, stellt einen ruhigen Wechsel zwischen Banalität und peinlicher Intimität dar. Klaus Manchen legt hier eine gelungene Umsetzung der erschöpften Passivität des Hauptakteurs vor. Für musikalische Untermalung sorgt der Schlager „Oh, wann kommst du?“ von Daliah Lavi, dessen zynisch-akzentuierter Einsatz die Handlung bestimmt.

Das PDF zum Download

Es wird nichts verschönt, nichts retuschiert, nichts ausgeschmückt, nichts runter gespielt. Die Wahrheit. Das ist es, was so fesselnd ist an „9 Leben“.
In Maria Speths Dokumentarfilm haben die Portraitierten alle etwas gemeinsam. Sie lebten einmal auf der Straße und bedienten die Klischees: Die falschen Freunde, das Hinschmeißen der Schule, aber vor allem ein kaputtes Elternhaus und keine oder eine schlechte Kindheit. Das alles spielt sich meist in Berlin ab. Die erzählenden Jugendlichen erreichen die Aufmerksamkeit des Zuschauers nicht durch die gewohnten Bilder von Junkies, die sich den goldenen Schuss setzen wollen oder nach Geld betteln. Es ist die Kraft der Worte. In diesem Fall sind die Schauspieler das Leben, und was ist glaubwürdiger als die Wahrheit? Der einzige Drehort ist das Studio. Was eintönig erscheinen mag, ist genau das Gegenteil. So entsteht ein viel größerer Fokus auf die Geschichten der Jugendlichen, die sie selbst zu befreien scheinen.

Eindringliche Schwarzweiß-Bilder, die darauf verzichten, gefühlsduselig zu wirken. Es werden Menschen von einer anderen Seite beleuchtet – Menschen, die wir jeden Tag sehen und verurteilen. Und so werden vielleicht viele Zuschauer einmal einen anderen Blick auf die Leute werfen, die mit Tattoos und Piercings am Körper bettelnd in der Fußgängerzone sitzen. Bewegende Schicksale, minimalistisch umgesetzt.

Oktober 1989: Die Spannungen in Ostberlin erreichen ihren Höhepunkt. Mittendrin steckt Alex Kerner (Daniel Brühl), der während der Demonstrationen festgenommen wird. Seine linientreue Mutter (Katrin Sass) erleidet beim Anblick dieser Szene einen Herzinfarkt und verschläft während des achtmonatigen Komas die deutsche Wiedervereinigung. Doch um den instabilen Zustand nicht auf die Probe zu stellen, beschließen Alex und seine Schwester Ariane (Maria Simon) die Existenz der DDR in den Augen der Mutter bestehen zu lassen.
Das anfängliche „Wiederherrichten“ der kleinen Wohnung ist vorerst mit Leichtigkeit zu bewältigen, denn noch kann Frau Kerner das Bett nicht verlassen. Doch mit ihrer Genesung verlangt sie nach ihren gewohnten DDR-Produkten und eine unerbittliche Jagd nach nostalgischen Erinnerungsfetzen beginnt. Glücklicherweise spielen Nachbarn, ehemalige Parteigenossen und Schüler bei diesen Inszenierungen mit. Mithilfe seines Kollegen Denis (Florian Lukas) gelingt es Alex, typische DDR-Sendungen zu fälschen. Doch die Überraschung ist vorprogrammiert.

Mit „Good Bye, Lenin!“ schafft es Wolfgang Becker, das Publikum mit den rasanten Veränderungen nach dem Mauerfall in seinen Bann ziehen: Der plötzliche Werteverlust der Währung, die weit verbreitete Arbeitslosigkeit, die unzensierte Vielfalt. Neuen Möglichkeiten und Perspektiven stehen Verzweiflung und Angst gegenüber. Eine tragisch-emotionale Komödie, die vor allem durch Katrin Sass in ihrer Paraderolle als nostalgische Mutter Kerner besticht. Auch im Jahr 21 nach der Wiedervereinigung können sich hier „Ossis“ und „Wessis“ gleichermaßen amüsieren.

Die Räume des Schleswig-Holstein-Hauses sind Dienstagabend proppenvoll. Überall warten Besucher darauf, die neue Ausstellung der Fotografin Manuela Koska-Jäger bestaunen zu können. Etwas versteckt dazwischen steht auch der Mann, um den es hier geht: Rabbiner William Wolff. Unter dem Titel „Abraham war Optimist“ exponiert Koska-Jäger dort sowohl Schwarzweiß- als auch farbige Fotografien, die den Landesrabbiner in seiner Kindheit, während der Vorbereitung der jüdischen Festtage, in Begleitung seiner Gemeinde und in vielen anderen Momenten zeigen. Begleitet von dem warmen Klang eines Trompetensolos tummeln sich die Gäste um die zahlreichen Werke und blicken fasziniert auf die Abbildungen dieses kleinen, älteren Mannes.

William Wolff ist zu Recht Mittelpunkt der Aufmerksamkeit: Seine viel zitierte bescheidene Art kann nicht verbergen, was für ein herzlicher Mann er ist. Und obwohl Koska-Jägers Bildreportage einen wunderschönen, sehr persönlichen Eindruck von dem Rabbiner vermittelt, muss man diese laufende Gutmütigkeit einmal erlebt haben, um zu verstehen, mit was für einem besonderen Menschen man es hier zu tun hat. Die Fotografien sind umrandet von längeren Passagen, die das Leben des Rabbiners einmal genauer unter die Lupe nehmen. Man könnte aber auch sagen, dass es sich hierbei um philosophische Lebensweisheiten in einem komprimierten Format handelt. Viele Besucher verlassen die Ausstellung vertieft in einem angeregten Gespräch. Was noch lange nachhallt, ist die kollektive Bewunderung für diese Persönlichkeit.

Mit nüchterner Direktheit zeigt der Regisseur und Drehbuchautor Jan Schomburg in seinem Debüt „Über uns das All“ eine verschleiernde Beziehungsgeschichte, deren Suche nach der Wahrheit auf die Sehnsüchte einer jungen Frau basieren. Die Reaktionen und Verhaltensweisen Marthas als Witwe zeigen die Sensibilität ihrer Person, die sich hinter einem naiv-trotzigen Mädchen verbergen. Rastlos getrieben zwischen Sein und Schein, versucht Martha die Wahrheit über die Identität ihres Ehemannes zu erfahren und mündet vorerst ziellos in die Arme des charmanten Dozenten Alexander, der in ihrem Leben sogleich den Platz von Paul einnehmen soll. Mit einfachen Dialogen wird an der Oberfläche der Gefühle gekratzt, sodass sich eher das Bett anstatt wirkliche emotionale Tiefe geteilt wird.

„Über uns das All“ ist unerwartet, unvoreingenommen, direkt, spontan. Abseits der gängigen Vorstellung von Romantik wird mit unkonventionellen Mitteln der Ton- und Kameragestaltung eine spannende Geschichte geschaffen, die dieses Liebesdrama authentisch werden lassen.

In Anlehnung an „Beaufort“ (2007) und „Waltz with Bashir“ (2008) ist „Lebanon“ ebenfalls die filmische Verarbeitung persönlicher Kriegserlebnisse. Samuel Maoz schafft so eine der realistischsten Umsetzungen eines erschreckenden Szenarios. Das Besondere an diesem Film ist die akzentuierte Kameraführung. Die brutalen Szenen werden allein durch den Sucher des Zielfernrohrs offenbart. Dabei verschmilzt der Zuschauer mit Shmuliks Perspektive und wird gezwungen, sich in der Enge der Handlungssituation dem Geschehen zu fügen. In besonders dramatischen Szenen fällt der Fokus direkt auf die Augen. Das halbzerfetzte Tier am Straßenrand atmet noch. Es fühlt noch. Es blickt zu dir rüber. Aus seinem Auge drängt sich eine Träne. Wen solche Bilder nicht berühren, muss ein Sadist sein.

Hallo Jasna, im Eröffnungsfilm „Ein Tick anders“ spielst du das Mädchen Eva, welches unter dem Tourette-Syndrom leidet. Wie hast du dich auf die Rolle vorbereitet?
Vorbereitet hab ich mich mit einem Coach, Jan Knebel, der auch im Film mitspielt. Er hat schon einmal in einem Theaterstück einen Tourettekranken gespielt. Wir haben uns viele Dokumentationen und Filme über das Syndrom angesehen.

Auch „Vincent will meer“?
Nein, der kam am Anfang der Dreharbeiten erst heraus, den hab ich mir bis heute noch nicht angeguckt (lacht). Für die Vorbereitung meiner Rolle haben wir Christian Hempel besucht, der selbst tourettekrank ist. Das Problem ist, dass es wenige Frauen gibt, die das Tourette-Syndrom haben. Fast ausschließlich Männer. Wir haben uns dann mit Frauen getroffen, bei denen es nur leicht ausgeprägt war. Unser Training umfasste zwei intensive Wochen mit zusätzlichen Wochenenden in Hamburg oder Berlin, das war schon anstrengend. Wir haben körperlich viel gemacht haben und mit den Wörtern experimentiert.

Hast du denn durch den Film eine Leidenschaft für Molche oder den Wald entwickelt? Oder auch fürs Singen? Das sind ja nun alles wichtige Dinge im Film für Eva.
Nein, weder für Molche noch für den Wald. Also Molche sind wirklich nette Tiere, aber ich möchte es nicht als Haustier haben.

Sicherlich auch nicht auf dem Gesicht rumkrabbeln lassen wie auf dem Filmplakat, oder?
Nein, das wirklich nicht! Eigentlich war das gar nicht so schlimm. Singen tue ich schon immer gerne, das habe ich insofern nicht durch den Film neu entwickeln müssen.

Die Frage, die wir uns innerhalb der Redaktion auch gestellt haben, ist ja, ob man lachen darf oder nicht. Der Film ist eine witzige Familienkomödie – aber eben auch der schwierige Alltag vieler Menschen.
Das ist eben die Frage. Christian hat das Filmkonzept mitentwickelt, das fertige Ergebnis gesehen und fand ihn gut. Somit lacht man nicht über Eva, sondern mit ihr. Das wollten wir auch erreichen. Es soll nicht vordergründig um Tourette gehen, sondern um das Umfeld.

Und wie stark sie eben ist, das sie das meistert.
Genau. Wie sie sich da überwindet, mutiger wird und versucht, trotz der Krankheit ihr eigenes Leben aufzubauen.

Mit welchen Erwartungen bist du an deine Rolle herangegangen?
Das war schon so eine Angst, als ich zum Casting gegangen bin und dann wusste, dass ich die Rolle bekomme. Diese Frage: Wie spiele ich etwas, was ich selbst nicht erlebt habe? Wenn ich im Theater einen Mörder spiele, weiß ich auch nicht, wie sich ein Mörder fühlt. Dafür ist man eben Schauspieler.

Stellt man sich da nicht manchmal die Frage, ob das nicht vielleicht lieber jemand spielen sollte, der wirklich diese Erfahrung gemacht hat? Bestimmt gibt es auch talentierte Tourettekranke, die solch eine Rolle spielen könnten.
Ja, natürlich. Aber darüber macht man sich dann wirklich keine Gedanken. Wichtig ist, dass wir es mit dem Film aufgreifen und thematisieren. Das Problem ist eben, das viele Leute nichts über Tourette wissen.

Und dann wie im Film reagieren.
Genau. Das sieht man auch in den ganzen Dokus über Tourettekranke. Im Grunde entschuldigen die sich die ganze Zeit für ihre Krankheit, weil sie eben ständig ausrufen müssen. Es ist eine unglaubliche Last. Diese Herausforderung, dass man auch selbst überhaupt damit klarkommen muss.

Dankeschön, dass ich dir für unser Interview deine Raucherpause stibitzen durfte.
Bis bald!

Die „Sam Spiegel Film & Television School“ wurde aus einer Initiative der Jerusalem Foundation mit dem Ministerium für Erziehung und Kultur im Jahre 1989 gegründet. Eine Studentenbewegung von 1988 forderte eine unabhängige Schule, die von engagierten Filmemachern geleitet wird. Sie ist weit weg von der israelischen Filmindustrie der Region Tel Aviv. Ihre stetigen Bemühungen sind der akademische Grad und die internationale Anerkennung.

Die renommierte Filmschule hat 170 begehrte Ausbildungsplätze. Hier geben namhafte Dozenten ihr Fachwissen und Know-How an die zukünftigen Generationen weiter. Eine behutsame Hinführung der Filmtechnik soll den jungen Studenten den Einstieg in das Filmgeschäft erleichtern. Der Leitfaden der Schule beschreibt ein Zitat von Hitchcock treffend: „Die Arbeit eines Regisseur ist nicht nur die Arbeit mit der Crew, sondern auch direkt mit dem Publikum.“

Ein Kurzfilm hat nach Meinung der Schulleitung eine eigenständige und erzählerische Struktur mit einem klaren Fokus. Er soll die Zuschauer emotional berühren. Den wenigen Studenten steht ein großes Spektrum der modernsten Filmtechnik zur Verfügung. Im Rahmen von internationalen Kooperationsprojekten haben sie die Möglichkeit, Erfahrungen in anderen Ländern zu sammeln. Von Anfang an haben alle produzierten Filme ein festes Budget. So sollen die jungen Studenten lernen, in einem bestimmten Rahmen zu arbeiten. „Viele Filme aus Jerusalem werden nicht als Studentenübung angesehen, sondern als eine authentische Kommunikation von Bildung und Unterhaltung.“, schrieb der britische Kritiker David Robinson über die Einmaligkeit der Schule.

Die Schule unterstützt ihre Absolventen bei ihrem ersten Langzeitfilm und veröffentlicht die aktuellen Filmprojekte auf ihrer Website. Präsentation, Vertrieb und Vermarktung werden von der Schule übernommen und erhalten somit die Möglichkeit, international berühmt zu werden. Heute beeinflusst die Schule mit ihren neuartigen Grundsätzen die israelische Filmkultur. Der Großteil der Absolventen arbeitet nach dem vierjährigen Studium in hohen Positionen der Filmindustrie. Über 100 internationale Filmfestivals, 235 Filmpreise und die fünfzehnfache Auszeichnung „The best School in the World“ machen die Schule zu einer der erfolgreichsten Filmschulen auf der Welt.

Die “Sam Spiegel Film & TV School” präsentiert sich auf dem 21. filmkunstfest mit einer Auswahl von vier Kurzfilmen, darunter auch „Shir in the Water“.

Ein Knistern liegt in der Luft und die Finger der Fotografen ruhen auf den Auslösern – bereit, im richtigen Moment abzudrücken. Während das Licht erlischt und der altbekannte filmkunstfest-Jingle durch den Saal tönt, drängeln sich die letzten Besucher der diesjährigen Eröffnungsveranstaltung durch die Reihen. Zwei junge Musiker aus Berlin betreten die Bühne und werden als “Ofrin” vorgestellt. Diese israelisch-deutsche Band begleitet das Programm und macht es zu dem, was es ist: ein Konzert, ergänzt von feierlichen Dankesreden. Mit experimentellen Rhythmen und grandiosem Gesang stimmen sie das Publikum auf den Abend und das gesamte Festival ein.

Moderiert von Jochen Vahr ist die Veranstaltung in diesem Jahr wesentlich knackiger als 2010, wenn auch in einem weniger gefüllten Saal des Capitols. Ganz euphorisch betritt er die Bühne, immerhin wollte er “doch schon immer zum Film”. Zwar hat er es nicht direkt auf die Leinwand, dafür aber davor geschafft und “kann eigentlich schon nach Hause gehen”. Zur Erleichterung aller bleibt er auf der Bühne stehen und führt uns durch das Programm. Ein ganz besonderes Gefühl teilen sowohl Zuschauer als auch Mitarbeiter mit ihm: “Es geht WIRKLICH los!” Zum fünften Geburtstag der Filmland MV gGmbH verkündet zuerst Torsten Jahn seinen Stolz über das filmkunstfest MV. Bereits seit seinem 12. Geburtstag verfolgt er die cineastischen Tage im Mai. Er erhofft sich, mit diesem kulturellen Beitrag etwas in und für Mecklenburg-Vorpommern zu bewegen und endet seine heimatliche Rede mit der Empfehlung: “Ausschlafen können Sie danach!”

Ein Hauch von Israel schwebt durch den Raum, als der Botschaftsrat für Kultur in der Botschaft des Staates Israel, Ran Yaakoby, ans Podium tritt und an diesem Abend seine Freude über die Wahl des Gastlandes zum Ausdruck bringt. Er beschreibt die Länderreihe als einen subjektiven und somit auch persönlichen Blick auf die israelische Kultur und den Alltag dieses fernen Landes.

In ihrer kurzen Ansprache verspricht die Schweriner Oberbürgermeisterin Angelika Gramkow in den nächsten Tagen eine gute und anspruchsvolle Unterhaltung. Anschließend stellt Stefan Fichtner, künstlerischer Leiter des Festes, in einer zwar scheinbar unerprobten, dafür aber authentischen und sympathischen Rede die Jurys der Wettbewerbskategorien vor. Bereits mit der Ankündigung “Ich denke, ich werde jetzt eine halbe Stunde lang danke sagen – und das mache ich jetzt auch!” hat er die Lacher des Publikums auf seiner Seite.

Abschließend kommt unser Kultusminister Henry Tesch zu Wort. In Vertretung von Erwin Sellering, der leider nicht anwesend sein kann, spricht er seine Begeisterung für das Medium Film aus. Der geborene Schweriner erklärt das 21. filmkunstfest MV offiziell für eröffnet und übergibt letzendlich das diesjährige Drehbuch-Stipendium “film residence M-V” an den Regisseur von “12 Meter ohne Kopf”, Sven Taddicken. Vielleicht kann man das Ergebnis des einmonatigen Aufenthalts im Künstlerhaus Lukas (Ahrenshoop) in den nächsten Jahren beim filmkunstfest MV auf den Leinwändern flimmern sehen.

Nach all diesen Ansprachen, die nun einmal zum offiziellen Teil gehören, verliert sich der Abend in den hebräischen Texten der musikalischen Begleitung und bringt selbst den älteren, grummeligen Herren neben mir zum Fußwippen. Im schwachen Licht des Notausganges beende ich meine Notizen und verlasse den Saal, im Gepäck viele Eindrücke und noch mehr Erwartungen an die folgende Woche.

Romano und seine Crew leben in Fürstenwalde und sind echte Gangsterrapper. Gemeinsam sprechsingen sie über ihre Battles, philosophieren über das Leben oder hängen einfach nur zusammen ab. Ganz zum Missfallen von Romanos schwangerer Freundin. Leider können die angeregten Diskussionen – oder eher: lauten Streitgespräche – mit seiner neurotischen Sylvanna nicht die Differenzen und unterschiedlichen Sichtweisen klären. Aus diesem Grund kocht er extra für seine Freundin ein Entschuldigungsessen, dabei entsteht ein kleiner Freestyle-Rap: „Ich guck die Töpfe an und seh Kartoffeln. Ich weiß es ganz genau, denn ich hab keine Pantoffeln. Ich bin wie eine Karotte: gelb oder braun. Ist mir scheißegal, darauf stehen viele Frauen.“ Auch dieses Beziehungsproblem wird mit seiner Clique diskutiert. Romano muss abwägen und sich entscheiden: Liebe oder Liebe zur Musik?

Der dokumentarische Kurzfilm „517 Füwatown“ bedient das klassische Rapper-Bild, aber auf eine äußerst amüsante und unterhaltsame Weise. Es bleibt bloß die Frage, inwiefern Jakob Schmidt wollte, dass man die Gang aus der brandenburgischen Provinzstadt ernst nimmt. Schließlich ist es eine Dokumentation – bloß im 12-Minuten-Format. Die Kameraführung erinnert an eine Reality-Soap, die aneinandergereihten Neubauten kristallisieren die so häufige Perspektivlosigkeit heraus. Trotz allem: Ein fetter Kurzfilm, jo!

Eine junge Frau (Nadine Petry) liegt im Bett. „Ich muss morgen früh raus!“, brüllt sie genervt, um das laute Gejohle nebenan zu beenden. Auch wenn sie weiß, dass das nichts nützt. Der Großteil der Mitbewohner schläft auf der Couch, betrunken und müde, alle beisammen. Sie: Jung und blond, eine Fabrikarbeiterin Anfang 20. Täglich sortiert sie Schrauben. An diesem Morgen fällt ihr jedoch der neue Kollege (Lukas Schaefer) auf, der sofort ihr Interesse weckt. Wie jeden Nachmittag verlassen alle Arbeiter die Fabrik. Sie fährt mit dem Fahrrad, er mit dem Bus. Sie sehen sich. Neubaublocks und schon liegt sie wieder im Bett. Als sie ihn in der Mittagspause dabei beobachtet, wie er statt sich an banalen Gesprächen zu beteiligen einen Schmetterling am Fenster anblickt, kommt ihr eine Idee. Am nächsten Tag ist sie früh bei der Arbeit, um die Morgenstunden auszunutzen. So beginnt das Spiel der kleinen Gesten zwischen den beiden.

Anna Linke gelingt hier eine ungewöhnliche 11-Minuten-Beobachtung über eine junge Frau, deren Arbeitsroutine durch einen kurzen Flirt aufgelockert wird. Selbst in einem kleinen Kurzfilm wie diesem darf das größte Gefühl zwischen Menschen nicht fehlen. Das ganz vor der grauen, trostlosen Fabrikkulisse. Mag sein, dass der Titel für den täglichen Feierabend der Fabrikkollegen steht, aber um eine endgültige Schließung oder Arbeiterstreiks handelt es sich hier nicht. „Arbeiter verlassen die Fabrik“ ist eine Hommage an die kleinen, menschlichen Gesten im Miteinander. Gesten aus purem Metall, die Herzen erweichen.

Es ist Sommer, ein herrlicher Tag zum Schwimmen. Shir (Sara Benjamin), ein pflichtbewusstes Mädchen, geht mit ihrem geistig behinderten Bruder Aaron (Aharon Rose) ins Freibad. Aaron liebt Geschichte. Besonderes die Geschichte um Hitler. Plötzlich entdeckt die schüchterne Shir einen Jungen, der ins Wasser springt – Yonatan. Sie flirten. Shir hat Schmetterlinge im Bauch, die Liebelei bahnt sich an. Nur: Ihr reizvolles Liebäugeln wird gestört von Aaron und seinen obsessiven Geschichtsfragen: “Wann war die letzte Verschwörung gegen Hitler?” oder „Wer versuchte, Hitler am 20. Juli zu töten?“. Shir muss sich entscheiden: Noch ein Blick auf ihren Schwarm im Schwimmbecken riskieren, oder doch lieber ihre familiäre Aufsichtspflicht einhalten?

Der spannende Kurzfilm der israelischen Filmstudentin Keren Bergman zeigt eine verblüffende Kontroverse zwischen Teenager-Leben und Kindermädchen. Die moralische Verpflichtung, auf den kleinen Bruder aufzupassen und gleichzeitig sein eigenes Leben zu bestreiten ist eine schwierige Herausforderung. „Shir in the Water“ konfrontiert den Zuschauer mit der ungeschönten Wirklichkeit von einem Teenager-Leben auf den Schritten zum Erwachsensein. Das Zusammenspiel aus Perspektive und Kameraschärfe zeigen einen unverhofften Blick auf die Ereignisse. Der Fokus wird auf Gestik und Mimik der drei Akteure gelegt. Die Dialoge haben einen schlichten, fast schon belehrenden Sprachstil.

Der Kurzfilm feiert zusammen mit drei anderen Studentenbeiträgen der Jerusalemer „Sam Spiegel TV & Film School“ im Rahmen der israelischen Länderreihe seine Premiere auf dem filmkunstfest.

Trinken, rauchen, kiffen, zocken oder mit dem Mofa durch den Schnee driften. Der Dorfalltag von Sascha (Saladin Dellers) und seinen beiden Freunden Patrick (Naftali Wyler) und Markus, genannt Moni (Basil Medici), bietet ein Bild der Trostlosigkeit. Die scheinbar typische Nullbockphase, die man eben so hat, wenn die Schule fertig ist und die Perspektive fehlt. Sascha ist faul, hilft seiner Mutter nicht, ist schnell gereizt und sucht die Auseinandersetzung – selbst mit seinen Freunden. Die Berufsberatung und das fehlende Geld nerven ihn. Nur die abendlichen Zerstörungsstreifzüge mit den Kumpels versprechen gute Laune.
Plötzlich braucht Sascha dringend Geld. Er fängt als Holzfäller an und entdeckt, dass ihm der Wald und die körperliche Arbeit besser liegen als vieles andere zuvor. Bis zu dem Tag, als die drei Freunde diese Holzhütte im Wald entdecken: Dort, wo laute Nazipartys steigen, versprechen sie, niemanden davon zu erzählen und auf keinen Fall wiederzukommen. Doch von Neugier angetrieben kehren sie zurück.

Christine Repond verpackt in ihrem 90-minütigen Spielfilmdebüt mit dem poetischen Namen „Silberwald“ eine Menge Klischeethemen. Klischees, von denen man oft hört, die aber leider auch häufig zutreffen. Doch dieser Film ist nicht oberflächlich. Aus den jungen Gesichtern sprechen Orientierungslosigkeit, Aggressionen und das Gefühl, nichts auf die Reihe zu bekommen. Auf seine ganz eigene Art zeigt „Silberwald“ Natur: Ein atemberaubender Moment, wenn auf der Leinwand ein riesiger Baum fällt, mitten im Winter, so dass Schneemassen den Zuschauer gleich zu bedecken drohen.

Wer es partout nicht erträgt, madige Wunden, zersägte Brustkörbe und faulige Fußnägel zu sehen, der sollte Andrea Morgenthalers Dokumentation über die Sterblichkeit besser meiden. Hobby-Pathologen werden dafür zu Genüge auf ihre Kosten kommen, so viel ist sicher.
Worum geht es in „Rest in Peace“? Dokumentiert werden acht verschiedene Umgangsweisen mit dem Thema Tod. So berichtet ein Bestatter aus New York, dass er die Verstorbenen immer so herrichtet, wie Gott sie im Himmel empfangen würde. Der mittlerweile bekannte TV-Kriminalbiologe Dr. Mark Benecke betrachtet den sterbenden Menschen dagegen ganz sachlich als einen rein evolutionär begründbaren Prozess. Währenddessen hat sich in Schweden eine Kompost-Expertin darauf verschworen, einen Weg zu finden, wie Menschen im Verwesungsprozess wieder zu natürlicher Erde werden könnten. In Phoenix/Arizona können sich im Gegensatz dazu gut betuchte Kunden nach ihrem Tod tieffrieren lassen und darauf hoffen, dass die moderne Medizin sie eines Tages zurück ins Leben holt. Und während unsereins die Vergänglichkeit fürchtet, lassen die Mexikaner dagegen an Allerheiligen die Korken knallen.

Die multiperspektivische Erzählung der Dokumentation fördert Abwechslung und beleuchtet das „dunkle“ Thema aus Sicht verschiedener Kulturen. Keine Sorge, so rational sich Andrea Morgenthaler dieser schwierigen, wenn auch alltäglichen Angelegenheit zwar nähert: Eine ethische Grenze überschreitet sie dabei nicht. Bei derart vielen Optionen könnte man ruhig zweimal sterben.

Ausgabe 1 als PDF zum Download

Herr Fichtner, dieses Jahr ist Israel das Gastland des filmkunstfestes. Zu welchem Anlass wurde die Auswahl getroffen?
Es lag einfach in der Luft. Wir haben uns 2009 mit Amerika beschäftigt, im nächsten Jahr wird Russland das Gastland sein. Israel hat ja sowohl mit den USA als auch mit Russland ganz viel zu tun. Und schafft somit eine Brücke. Da aktuell im Nahen Osten sehr viel passiert, hat das unseren Fokus natürlich noch mal bestärkt.

In einen früheren Pressebericht erwähnten Sie, Israel aus verschiedenen Blickrichtungen darstellen zu wollen, um dabei über die gängigen Klischees hinauszugehen.
Das Schwierige bei der Auswahl der Reihe ist, dass man sofort mit bestimmten Themen konfrontiert wird, mit denen man Israel automatisch in Verbindung bringt. Das sind natürlich vorrangig die Juden und der Israel-Palästina-Konflikt. Man hätte das Gefühl, man müsste es irgendwie abarbeiten. Eben das, was man von den Medien ständig zu hören bekommt.
Was ich aber persönlich sehr interessant fand, ist, dass Israel durch die Migration multiethnisch aufgestellt ist. Es gibt einfach wahnsinnig viele Volksgruppen. Einige Filme im Programm beschäftigen sich mit diesem Thema.

Das Thema Immigration haben Sie gerade erwähnt. Welche Filme thematisieren diesen Aspekt?
„Yolki Palki“ beschäftigt sich mit der Integration von ehemaligen Einwanderern aus der Sowjetunion. Da gibt es ganz viele, sehr spannende Lebensgeschichten. Nach dem Einbruch der Sowjetunion gab es riesige Einwanderungswellen. Russisch ist mittlerweile die zweite Verkehrssprache in Israel.
Ich denke, das sind Dinge, die nicht so stark im öffentlichen Bewusstsein sind. Wir zeigen diesen Film im Zusammenhang einer Diskussion mit der Jüdischen Gemeinde Schwerin, die auch sehr stark russisch geprägt ist. Am Sonntag werden auch einige Gemeindemitglieder im Podium sitzen.

Gibt es auch kontroverse Beiträge im Programm?
„Ajami“ ist ein gutes Beispiel für solch einen Film. Es ist ein äußerst spannender Thriller. Bei der Oscarverleihung weigerte sich der palästinensische Regisseur jedoch, mit diesem Film Israel zu präsentieren. Das hat für einen Skandal in Israel gesorgt.

Dabei kommt man zwangsläufig dazu, den Konflikt anzusprechen. Stellt das filmkunstfest eher eine pro-israelische Sicht des Landes da?
Erst einmal vorweg: Wir wollen es nicht bewerten. Wir versuchen, ein Land in verschiedenen Facetten vorzustellen – in Filmen, Gesprächsrunden und Vorträgen die Menschen mehr kennenzulernen. Natürlich war es eine schwierige Frage: Wie geht man mit dem Israel-Palästina-Konflikt um? Wir haben dafür eine sehr offene Form gewählt. Bei der Dokumentation „Asurot – Eingeschlossen“ geht es um ein Haus in Hebron, das genau auf der Grenze steht. Dabei wird das Treppenhaus ständig von Milizen patrouilliert. Das ist ein ganz verrückter Zustand.
Im Anschluss findet am Freitag eine Podiumsdiskussion statt. Dabei wird thematisiert, wie der Konflikt in israelischen Medien kommentiert wird. Wir haben israelische und palästinensische Journalisten, eine israelische Filmverleiherin und natürlich die Regisseurin selbst eingeladen. Ich hoffe, dass die Diskussion breiter wird, verschiedenen Meinungen Raum bietet und die alteingesessene, antiisraelische Sicht der DDR weichen könnte.

Wenn man als junge Studentin nach einem Nebenjob sucht, um über die Runden zu kommen, dann denkt man für gewöhnlich wohl ans Kellnern oder Babysitten. Der neue Film Tag und Nacht von Regisseurin Sabine Derflinger erzählt dagegen die befremdliche Geschichte der beiden Freundinnen Lea (Anna Rot) und Hanna (Magdalena Kronschläger), die in Wien das schnelle Geld machen wollen: Sie verdienen sich fortan ihren Unterhalt als zeitweilige Escort-Damen. Was anfangs noch nach einer rentablen Verdienstmöglichkeit aussieht, wächst den Frauen bald über den Kopf: Während Lea in einer ziellosen Existenz zu enden droht, schafft Hanna den Spagat aus Studium und Teilzeithure nicht.

In einer entfesselten Unmittelbarkeit inszeniert Derflinger die Sexarbeit der beiden Hauptdarstellerinnen, die zwar von den anormalen Fantasien ihrer Kunden angewidert sind, gleichzeitig aber auch ihre Neugierde für den Job nicht verbergen können. Die häufige Darstellung der käuflichen Liebe wurde nicht auffällig imposant inszeniert. Es ist der nüchterne, performative Akt selbst, der dem Zuschauer ein Gefühl von Voyeurismus verleiht.
Sabine Derflinger, bekannt als Spielfilm- und Dokumentationsregisseurin, recherchierte selbst im Wiener Rotlichtmilieu, um für Tag und Nacht ein möglichst authentisches Bild der (freiwilligen) Prostitution zu visualisieren. Dass es ihr dabei vor allem darum ging zu zeigen, wie zwei alltägliche Leben schrittweise aus dem Ruder laufen, geht in dem Erotikdrama wegen der vielen expliziten sexuellen Darstellungen leider ein Stückchen unter. Dass es sich dabei dennoch nicht um einen schamlosen Softporno handelt, verdankt der Film der schauspielerischen Leistung seiner beiden Hauptfiguren.

Links

Homepage zum Film
Trailer auf YouTube

„Hier ist die Welt, wie sie wirklich ist. Nichts ist versteckt. Alles ist da. Der Tod, der Dreck, der Gestank und das Laute. In Deutschland ist das alles unterdrückt. Es ist hier etwas Altertümliches. So wie die Menschen früher waren und die digitale Zeit nebeneinander… Das ist ehrlich und befreiend.“

Adoption. Ein mittlerweile alltäglicher Begriff. Wenn es aber um Erwachsene geht, die von afrikanischen Familien aufgenommen werden, tauchen Fragen auf. Ein Projekt, welches im Dokumentarfilm Adopted unter die Lupe genommen wurde: Bindungslose Europäer sind also auf der Suche nach Zusammengehörigkeit, Geborgenheit und Liebe. Finden sollen sie diese anscheinend verloren gegangenen Werte in den Großfamilien, die immer so arm, aber trotzdem glücklich wirken. Die Kamera begleitet Thelma, Gisela und Ludger bei dem Experiment und zeigt ihre Höhen und Tiefen, Vorstellung und Wirklichkeit, Euphorie und Angst.

Über Rouven Rechs Dokumentarfilm grübelt man noch lange nach der 128. Minute. Er liefert etwas noch nie Dagewesenes, etwas Unnachahmliches, etwas Lebensnahes. Voll mit Gefühl, ohne überladen und sentimental zu wirken. Schade nur, dass zeitweise die Umsetzung des Projektes ähnlich schwer scheint wie die volle Konzentration auch bis zur letzen Minute zu behalten. Trotz allem ein rundum tiefschürfender Film, bei dem der Zuschauer mit der Frage alleine gelassen wird: Würde ich bei dem Projekt mitmachen?

Eva (Jasna Fritzi Bauer) und ihre Eltern sitzen in der Küche. Ihre Mutter (Victoria Trauttmansdorff) backt gerade mal wieder einen Kuchen für die Selbsthilfegruppe ihrer 17-jährigen Tochter – Eva leidet unter dem Tourette-Syndrom. „Der Bastian, der fragt schon nach dir.“ – „Oah ne Mama, auf so ‘nen Tourette-kranken Typen hab’ ich überhaupt keinen Bock!“
Die Einstellung Evas zu ihrer Krankheit ist bewundernswert: „Meine Tics machen mich zu einem echten Freak. Wenn mich keine naturbegeisterten Kleinfamilien oder irgendwelche Pilzsucher verscheuchen, geht‘s mir gut.“ Als ihr Vater dann seinen Job als Autoverkäufer verliert, droht der Boden unter Evas Füßen wegzubrechen. Gemeinsam mit ihrer verdreht-liebenswerten Oma (Renate Delfs) und dem Möchtegern-Rocker Onkel Bernie (Stefan Kurt) setzt sie alles daran, zu Hause bleiben zu können. Sie muss über ihre Krankheit hinauswachsen. Eva ist eben ein Tick anders. Der Film aber leider nicht.

Was im ersten Moment ein wenig nach „Vincent will Meer“ klingt, entwickelt sich zu einer kurzweiligen Komödie. Im diesjährigen filmkunstfest-Eröffnungsfilm wird eine rosarote Welt geschaffen mit dem ewigen Kampf zwischen Gut und Böse. Trotzallem gelingt es Jasna Fritzi Bauer, sich so glaubwürdig in ihre Rolle hinein zu steigern, dass man denkt, sie habe diese Krankheit nicht nur wie eine Maske aufgesetzt. Regisseur Andi Rogenhagen nimmt dem Zuschauer trotz allem nicht die Frage ab, zu lachen oder Mitleid zu haben mit den Menschen, die es anscheinend immer schwer haben werden.

Links

Homepage zum Film

„Filme sind doch wie Psychotherapie, oder?“ – mit diesem Leitfaden wird der Zuschauer auf die tiefenpsychologische Spurensuche der Kriegserinnerungen von Ari Folman geschickt, Regisseur und Hauptakteur des Dokumentarfilms Waltz with Bashir. Folman wurde 1982 als israelischer Soldat im ersten Libanonkrieg eingezogen und mit dem Massaker von Sabra und Schatila konfrontiert.
Die Rekonstruktion findet zwanzig Jahre nach den traumatischen Ereignissen statt. Folman trifft sich nachts mit seinem von Alpträumen gepeinigten Freund Boaz. Der reservierte Dialog reißt alte Wunden auf. Doch die Erinnerung fehlt. Folman sucht alte Freunde auf, die ihm Fragmente des Kriegschaos offenbaren. Dabei zeigen sich absurde Bilder von zähnefletschenden Hunden, pornosüchtigen Offizieren und orientierungslosem Geballer. Stück für Stück führt die Analyse zum Schlüsselereignis: die Nacht des Massakers. Dabei entpuppt sich Folmans seelischer Konflikt zu einer potentiellen Mittäterschaft.

Ari Folman ist die Nichtdarstellbarkeit des Krieges bewusst. Es geht nicht um historische Genauigkeit, sondern um Spuren in der Seele. Es ist eine gelungene Idee, diesen Anspruch auf den Weg einer abstrahierten Animation anzugehen. Die Atmosphäre der seelischen Traumwelt ist in gelbes Licht getaucht. Erst der Schluss verrät den Grund für dieses Gestaltungsmittel.
Mancherlei Dialoge mögen den Spannungsverlauf strapazieren, jedoch ist vieles auch von der persönlichen Sensibilität des Zuschauers abhängig. Aufgrund der realen Bilder der Schlusssequenz wurde dem oscarnominierten Film die Jugendfreigabe in vielen Ländern eingebüßt.

Ist es nun wirklich noch etwas Besonderes, wenn sich ein Israeli dazu entscheidet in Deutschland zu leben? Im Werk des 1972 in Haifa geborenen Amir Yatziv, der mittlerweile in Berlin arbeitet, spielt dies jedenfalls nur eine indirekte Rolle: Er dokumentiert in seiner Videoinstallation „ARBEIT MACHT FREI“ die polnische und israelische Anfertigung zweier detailgetreuer Kopien der besagten nationalsozialistischen Schilder, unter denen die Deportierten von Sachsenhausen, Auschwitz und Dachau während des zweiten Weltkriegs in die Konzentrationslager geführt wurden. Parallel dazu können die Besucher großformatige Detailfotografien von Yatziv bestaunen, die die Roststellen an dem Originalschild künstlerisch arrangieren.
Nur eine Tür weiter hallen Schüsse durch die Ausstellungsräume: Der Dokumentarfilm „Antipodes“ zeigt die jährlich stattfindenden Reenactments historischer Kriege in europäischen Wäldern. Begleitet von einem melancholischen Geigensolo wird der Zuschauer in einen – wenn auch nicht sehr geschichtstreuen - Kampf israelischer Soldaten gegen die deutsche Wehrmacht verwickelt. Ein ähnliches Thema umfasst schließlich der dritte exponierte Dokumentarfilm namens „Compressed Ceramic Powder“, in dem junge Israelis in nachgestellten Kriegserlebnissen dem Mythos der Selbstopferung nacheifern.

Neben der aktuellen Ausstellung “Simulacrum” wird am 3. Mai außerdem im Schleswig-Holstein-Haus die Fotoausstellung „Abraham war Optimist“ mit Bildern von Manuela Koska-Jäger eröffnet.

Plattes, ödes Land. Der Sheriff (Friedrich von Thun) verlässt sein Landhaus. Ein von der Natur geformter, ganzer Kerl: Weste, Hemd, Ledergürtel und natürlich Cowboyboots. Der Sheriffstern steckt am rechten Platz. Fertig für einen rauen Tag wie diesen, wo die Welt da draußen vollen Einsatz einfordert.
Eine Minute später: Dasselbe Haus, dieselbe Tür. Aber ein ganz anderer Charakter, der heraustritt – Eckard (Antoine Monot Jr.). Typ Muttersöhnchen, Mitte 30. Mama richtet stolz zum letzten Mal Krawatte und Hemd. Unbeholfen trampelt er zu Papas Polizeijeep, der laut hupend wartet. Im Auto scheint es, als lebe noch einmal Eckards fehlende Pubertät auf: Er dreht die Radiosender rauf und runter, die Beats rascheln durch die Boxen. Doch ein Sheriff ist cool und gelassen: Die Countrykassette eingelegt und die Unentschiedenheit des Taugenichts ist beendet. Doch ein Taugenichts kann nicht der sein, der die komplette StVO auswendig kennt.

Mit „Der Stift und sein Sheriff“ ist Florian Borkamp eine Schwarzweiß-Komödie mit ländlich-ödem Charme gelungen. Die Vater-Sohn-Beziehung wird während des Kurzfilms immer enger, die Gesichter verändern sich. Eckard hat sich gemacht, ist zum ersten Mal stolz – und der Sheriff entwickelt sich in einen Vater. Ohne Verlust seiner Härte kann er dem kleinen Schusselchen nun ein Lächeln schenken. Charakterkomik und eine Ordnungshütergeschichte im Kleinformat liefert uns da Florian Borkamp. Ein Start ins filmkunstfest, der im Gegensatz zu anderen Kurzfilmen in diesem Jahr zum Schmunzeln einladen will.

Mathilde (Annika Jung) ist entstellt und unglücklich. Seit ihrer Geburt dominiert ein riesiges, schwarzes Muttermal das Gesicht des jungen Mädchens und macht es zu einer erschreckenden Erscheinung. Durch einen atomaren Unfall erkennt Mathilde eine Chance, ihrem Unglück zu entkommen. Mit einem mysteriösen Freund und einer magischen Spieluhr bewaffnet macht sie sich auf den Weg, ihr Schicksal zu rächen und das Blatt zu wenden.

Teilweise animiert begleitet “Antimathilde” den Zuschauer in eine Welt fernab jeder Realität und abstrahiert so die Idee der Individualität. Mathilde scheint ihr einsames Leben einzig und allein ihrem Äußeren zuzuschreiben und verliert sich in Selbstmitleid. Regisseur, Drehbuchautor, Kameramann und Postproduzent Thomas Kneffel setzt diese Traurigkeit durch die düstere Gestaltung gekonnt in Szene und überzeugt mit einem gradlinigen visuellen Konzept. Eine dramatische, aber auch fantastische Betonung erhält der Kurzfilm durch die Musik, die sich an vielen Stellen dezent hervorhebt. Leider unterstützt sie nicht das inhaltliche Verständnis. Zwar wird deutlich, dass Schönheit nicht zwangsweise mit Normalität gleichzusetzen ist, jedoch bleiben einige Elemente selbst auf den zweiten Blick ungeklärt. Der Film spricht vor allem diejenigen Kinobesucher an, die sich gern in rätselhafte Fantasien verlieren und trotzdem nicht auf gesellschaftliche Kritik verzichten wollen. Denn in diesem surrealen Siebenminüter wird einem klar, dass Anderssein lediglich eine Frage der Perspektive ist und vielleicht gar nicht so unbehaglich sein muss.

Die sechziger Jahre in Schwerin. Auf der Fritz-Reuter-Bühne schaut ein kleines Mädchen ihrer Mama begeistert bei der Theaterprobe zu. Das Mädchen heißt Katrin Sass. Der unverwechselbare Charme des Schauspiels zieht sie schnell in seinen Bann. Ihr Traum: Selbst einmal auf den Brettern spielen, die die Welt bedeuten.
2011, wieder in Schwerin, die Bühne ist inzwischen größer. Katrin Sass hat ihren Traum verwirklicht. Am kommenden Samstag wird die gebürtige Schwerinerin mit dem diesjährigen Ehrenpreis ausgezeichnet, dem Goldenen Ochsen. Im Festivalkatalog würdigt der künstlerische Leiter Stefan Fichtner vor allem „das Raue und das Zarte“, womit Katrin Sass ihren Figuren Wahrhaftigkeit verleiht.

Ihre Mutter Marga Heiden bestand darauf, dass sie nach der Schule eine Fachausbildung zur Telefonistin macht. Nach einer Ablehnung an der Schauspielschule Berlin schrieb sie eine zweite Bewerbung an die Hochschule für Musik und Theater Rostock – und wurde angenommen. Heiner Carow erkannte früh ihr Talent und engagierte 1978 die damals 21-jährige Studentin für die Hauptrolle in „Bis dass der Tod euch scheidet“. Der Film wurde hochgelobt und zum Kassenschlager.
Mit ihrer zweiten großen Hauptrolle in „Bürgschaft für ein Jahr“ von Hermann Zschoche gewann sie einen Silbernen Bären als beste Schauspielerin bei der Berlinale 1982. Trotz des Erfolgs fehlte sie in den folgenden Jahre auf der Leinwand. Die Gründe für diese Auftragsflaute erfuhr die Filmdarstellerin erst mit Offenlegung ihrer Stasi-Akten: Katrin Sass sei “manchmal laut” und “will provozieren”, liebe aber ihre Heimat, geht aus den Berichten hervor. „Meine Heimat habe ich auch geliebt. Und mein Land habe ich auch geliebt. Dreißig Jahre. Aber nicht dieses System!“, sagte sie später.

Der Fall der Mauer 1989 war für viele DDR-Schauspieler wie Katrin Sass ein drastischer Umbruch. Im Osten bestens bekannt, wusste im Westen kaum jemand etwas mit ihren Namen anzufangen. Zwei Jahre lang bekam Katrin Sass keine Aufträge. Sie war arbeitslos. Sass konzentrierte sich fortan auf die TV-Karriere und betrieb das Theaterschauspiel nur noch nebenbei.
Das Comeback gelang erst 2001: Michael Klier engagierte Katrin Sass für die Hauptrolle im Melodram „Heidi M.“ – die Geschichte über die Spätiverkäuferin gewann den Deutschen Filmpreis. Das war der Beginn ihrer zweiten Karriere, nämlich der nach dem Mauerfall. Ihre Rolle als Christiane Kerner in „Good Bye, Lenin!“ brachte die kesse Charakterdarstellerin 2003 zum internationalen Erfolg. Sass gewann den Publikumspreis des Europäischen Filmpreises. In über 15 Kinofilmen und etwa 40 TV-Produktionen sah man sie bisher. Wenn man sie nicht auf der Leinwand sieht, dann singt sie gern. Mit ihrem Liederprogramm “Goodbye Lenin, hallo Katrin!” macht sie am Mittwochabend Station im Capitol.

Trotz des großen Erfolgs nimmt die gebürtige Schwerinerin immer wieder eine Auszeit, um neue Kräfte zu sammeln. Auch die größten Niederschläge bringen sie nicht vom Weg ab. Das mögliche Erfolgsgeheimnis der mehrfach gekrönten Schauspielerin? Sie ist sich selbst und ihrem eigenen Anspruch immer treu geblieben. Ihrer mecklenburgischen Heimat übrigens auch: Katrin Sass lebt in Mecklenburg und Berlin.

Der Ursprung all dieser kreativen Texte sind zehn junge Redakteure, die es sich für die Zeit des filmkunstfestes im Komplex in Schwerin gemütlich gemacht haben. Ihr Tag beginnt früh mit der Redaktionssitzung, die eine intravenöse Kaffeedosis beinhaltet und endet spät in der Nacht, wenn das Layout unter augenringverzierten Blicken fertiggestellt wird. In der Zwischenzeit werden Unmengen an Filmen geschaut, um sie anschließend zu rezensieren. Druckfrisch liegt die filmab! dann am folgenden Tag kostenlos an den Festivalstätten aus, um die Kinobesucher über besondere Highlights und neue Streifen zu informieren.

Die filmab! ist ein Projekt des Jugendmedienverbandes MV e.V. und wird von der Friedrich-Ebert-Stiftung und dem Presse-Club MV unterstützt. Seit 18 Jahren findet sich Anfang Mai eine Redaktion aus jungen Medienmacher aus ganz Mecklenburg-Vorpommern zusammen. Sie widmet sich der journalistischen Aufgabe, das filmkunstfest MV von einer ganz anderen Seite zu beleuchten. Sie scheuen weder vor anspruchsvollen Filmen noch vor hochwertigen Interviews zurück und blicken im Namen aller Filmenthusiasten hinter die Kulissen… äh, Leinwände.

Am meisten freuen sich die Schreiberlinge natürlich über einen kleinen Besuch von Passanten, Zuschauern, Lesern, Filmschaffenden oder vollkommen Unbeteiligten. Als Gegenleistungen werden Kaffeekränzchen mit Herrn Herzog oder “Koffersuchen für Fortgeschrittene” angeboten. Zu finden ist die Redaktion in der Pfaffenstraße 4 in der Jugendgästeetage des Wiskas e.V.

Wer abseits dessen etwas über das Projekt, den geordnet chaotischen Schaffensprozess oder über die Texter selbst erfahren möchte, sollte es nicht verpassen, auf unserem Blog und www.filmab.jmmv.de vorbeizuschauen und zu verweilen.

Sophie: Das ständige Thematisieren geht mir auf die Nerven. Fokus auf das Thema zu legen ist für mich unverständlich.
Katja: Hamburg oder Berlin? Was ist das Nonplusultra oder die beste Stadt?

Sophie: Klar! Ohne Frage ist das Internet die perfekte Plattform dafür. Jedoch ist nicht jede Anwendung des „WorldWideWeb“ sinnvoll.
Katja: Denkst du, das Internet ist besser geeignet zur schnellen Nachrichtenvermittlung als andere Medien? Braucht die Welt das ewige Social-Networken und das Veröffentlichen vor privaten Details?

Sophie: Das würde ich nicht sagen, ich bin da nicht sehr wählerisch. Es gibt keinen Favoriten, nur halt kleine Ausnahmen.
Katja: Hast du ein Lieblingsgericht? Bist du in puncto Essen schwer zufrieden zu stellen? Hast du, bis auf dein Vegetarismus, Eigenheiten? Legst du anormal viel Wert auf Bio-Produkte?

Sophie: Sorgen macht mir das nicht, aber ich frage mich, ob das machbar ist und was danach kommt. Zwar ist manches ungewiss, aber es ist das was ich machen wollte und es spendet mir Freude.
Katja: Hast du Angst, dass dein Bachelor im Studiengang Medienwissenschaften nicht reicht, um zum Masterstudiengang zugelassen zu werden? Sorgst du dich um die Berufsmöglichkeiten mit dem Abschluss?

Fangen wir doch mal mit den Standardfakten an: Alexander, Nachname Ivanov, 21 Jahre alt, ursprünglich aus Kasachstan. Seit 2002 lebt er mit seiner Familie in Richtenberg – die kleinste Stadt Mecklenburg-Vorpommerns, wie ich später erfahren werde. Alex erzählt mir, dass er gerade seinen Zivildienst beendet hat und bald sein Psychologiestudium beginnen möchte. Ich war selbst Zivi und deswegen hake ich natürlich gleich nach: „Ich war bei den Maltesern in Stralsund. ‚Integrationshilfe‘ nannte es sich. Meine Aufgabe war es, ein geistig behindertes Mädchen in der Schule zu unterstützen.“ Auf meine Frage, ob sich denn die Erfahrung Zivildienst gelohnt hätte, überlegt Alex ein bisschen und sagt dann: „Joa. Es war schon gut.“ Auch, wenn es nicht sein tatsächlicher Wunsch war, auf diesem Gebiet zu arbeiten. Doch er wollte gerne in Stralsund bleiben.

Der Wind weht inzwischen etwas frischer. Alex sitzt mir im Schneidersitz und geschützt durch Kapuze und Schal gegenüber. Ach ja, die KSK interessiert mich ja auch noch. Was hat es damit eigentlich auf sich? „Es handelt sich dabei um regelmäßige Kurse von erfahrenen Künstlern mit wechselnden Themen.“, erklärt er mir. Bereits in Kasachstan besuchte er eine Kunstschule, seitdem macht er gerne Skizzen und Malereien. Über seinen ehemaligen Kunstlehrer sei er dann auf die Sommerkurse aufmerksam geworden. „Ich war inzwischen mehrmals dabei. Es war immer eine feine Sache mit vielen Möglichkeiten, aber auf einem hohen Niveau und stark strukturiert. Am Ende jedes Tages musste man seine Ergebnisse präsentieren – und zum Abschluss gab es auch eine Bewertung.“ Inzwischen nimmt er nicht mehr an den zweiwöchigen Kursen teil und möchte sich auf anderen Wegen seiner Kreativität widmen – einfach „auf Knopfdruck kreativ zu sein“ geht nicht.

Die spannende Masterfrage zum Schluss: Wie kommt es, dass wir Alex nun bei filmab! treffen? „Nun, eigentlich mögen wir alle ja Filme, oder nicht?“ Er selbst freut sich besonders auf die neue Erfahrung, journalistisch Filme zu rezensieren. Persönlich outet er sich als Fan von Dramatik und Romanze – „aber vor allem mag ich Filme, aus denen man auch viel Lebensphilosophie schöpfen kann, um etwas für sich zu gewinnen.“ Welche ihm dabei spontan einfallen? Alex schaut nachdenklich über den Pfaffenteich: „Schwierige Frage.“, gibt er zu. Von „Gandhi“ war er beeindruckt, aber auch „Der seltsame Fall des Benjamin Button“ habe ihn geprägt.

Die Flohmarktkinder sind inzwischen aufgebrochen, die Entern schnattern weiterhin. Während wir weiter über gesellschaftliche Sichtweisen auf Social Networks diskutieren, machen wir uns auf den Rückweg zur Jugendgästeetage. Schließlich erwartet uns heute – wie sollte es auch anders sein? – noch ein bisschen Arbeit in der Redaktion.

Wenn sie also nicht gerade Filmrezensionen schreibt, dann tobt sich Sophie vielleicht gerade bei der Schülerzeitung Stichling des Friderico-Francisceum-Gymnasiums zu Bad Doberan aus oder organisiert im Rahmen ihrer Mitgliedschaft beim JMMV zusätzlich den Schülerzeitungswettbewerb. „Gelungen ist ein Artikel von mir, wenn die Menschen ihn zu Ende lesen, wenn sie vielleicht sogar darüber lachen können.“, sagt die Schülerin über ihren eigenen journalistischen Anspruch.

Und wie soll es mit dieser jungen Frau weitergehen, nachdem sie das Abitur in der Tasche hat? Wenn die Zeit gekommen ist, sagt Sophie, wird sie sich auf ihren Weg machen und neue Städte erkunden. Vielleicht wird sie in Köln Germanistik studieren, vielleicht auch Münster auf den Kopf stellen. Das Glück scheint dabei auf ihrer Seite zu sein, denn wer schlussendlich wie Sophie verschollen geglaubte Koffer zur Redaktion befördern kann, der muss wohl auf der Sonnenseite des Lebens stehen.

Jedes Mal anders, jedes Mal gut!
Seitdem hat sich aus seiner Sicht an der filmab! einiges verändert. Zum einen gibt es jedes Jahr neue Gesichter rund um den harten Kern. Außerdem wurde der Blog im Redaktionsleben etabliert und durch die Livekamera ergänzt. Genau in diesen Interaktionen mit denen, die nicht selbst mit dabei sein können, sieht Martin die Zukunft der filmab!. Die persönliche Kommunikation außerhalb von Schwerin könnte noch weiter ausgebaut werden, so dass die filmab! nicht nur eine Zeitung bleibt, sondern ein mulitmediales Erlebnis für jeden wird. Denn wer weiß schon, was in den nächsten Jahren technologisch möglich sein wird? Immerhin haben wir während dieser alljährlichen Woche in Schwerin die Möglichkeit, Dinge auszuprobieren, zu denen wir im Alltag keinen Zugang haben. Das macht es besonders attraktiv, dabei zu sein.

Außer der Gestaltung wurde Martin auch, wie wohl alle von uns, durch die vielen Filme angezogen. Diese spielen in seinem Lebn durch die Vielfältigkeit, die sich durch diese Art des Entertainment ergibt, eine sehr große Rolle. Zum einen kann er sich einfach zurücklehnen und die Kunst genießen. Andererseits lässt er sich durch ernstere Genres wie Dokumentationen zum Denken anregen und bekommt neue Perspektiven aufgezeigt, die ihm vorher gar nicht in den Sinn gekommen wären. Dabei darf man nicht vergessen, dass Filme schlichtweg unterhaltend sind. Martin lässt sich von ihnen für seine eigenen kreativen Projekte inspirieren, weshalb es ihm manchmal schwer fällt, Filme unbefangen zu sehen. Er lässt sich dann weniger berieseln, sondern achtet konkret auf bestimmte Einstellungen oder Details, um sie in seine eigenen Arbeiten einfließen zu lassen. Ins Kino geht er dabei eher selten, da es ein größerer organisatorischer und finanzieller Aufwand ist, als sich die Streifen gemütlich auf der heimischen Couch anzusehen.

Foto vs. Film?
Als Fotograf könnte man meinen, Martin sehe den Film als eine Art Konkurrenz zur Fotografie. Jedoch empfindet er beide Formate ansprechend und spricht ihnen eine Daseinsberechtigung aus. Auch wenn Filme anschaulicher und einfacher zu konsumieren sind, ist er sich sicher, dass es auch in 100 Jahren noch das unbewegte Bild geben wird. Es hat, wenn es gut ist, eine immense Aussagekraft. Wenn diese Voraussetzungen gegeben sind, werden sich die Menschen auch in ferner Zukunft gern damit auseinandersetzen.

Die Tatsache, dass es immer mehr Fotografen und damit eine scheinbar unendliche Flut an Bildern gibt, macht Martin keine Angst, dass es schwerer werden könnte, gute Fotos zu machen. Zwar hat sich die Anzahl erhöht, da immer weniger Aufwand betrieben werden muss, um Fotos zu gestalten, jedoch ergibt dies vielleicht einfach nur das Problem, die guten herauszufinden.
Auf die Filmbranche lässt sich dies nach Martins Meinung ebenfalls übertragen. Allein an YouTube sieht man, wieviel Material dort Tag für Tag hochgeladen wird und wie schwer es ist, das Richtige zu finden. Hierbei zeigt sich für ihn, dass es in Zukunft schwer wird, Filme und Fotos voneinander zu trennen, da viele Berufsbereiche in diesem Metier miteinander verschmelzen werden. Doch eins bleibt für Martin gewiss: Es bleibt kreativ und spannend. Und er wird Teil dieser Entwicklung sein.

Hallo Maria, schön dass du Zeit für ein kleines Interview hast. Oh, deine Fingernägel sind ja wunderschön rot!
Ja, die Farbe nennt sich “Drama”.

Wie viel Drama steckt in deinem Leben?
Ach, gar nicht so viel. Aber ganz ohne Drama ist’s ja auch langweilig.

Du fotografierst ja viel. Braucht ein gutes Bild “Drama”?
Nein, nicht unbedingt, das kommt auch auf den Stil bzw. die Aussage des Bildes drauf an.

Drama ist auch ein Filmgenre. Dein liebstes?
Ich schaute neulich “In meinem Himmel” – ein sehr dramatischer Film, total abgefahren, der hat mich beeindruckt und vereint Elemente von Drama, Komödie, Fantasy. Eigentlich von allem ein bisschen, und macht das sehr gut!

Eine echte Schau-Empfehlung.
Definitiv!

Auf welchen Film freust du dich denn beim filmkunstfest besonders?
(schaut kurz auf den Plan) Das sind einige. Am meisten gefreut habe ich mich beim ersten Durchsehen auf die Reportage über Hans Zimmer, weil ich seine Filmmusik sehr mag. Ansonsten bin ich gespannt auf “Tag & Nacht” aber auch viele, viele, viele andere. Und natürlich die Kurzfilmnacht.

Für das filmab!-Team suchst du gerade noch nach einem guten Rezept für Milchreis. Was bedeutet Kochen für dich?
Ich habe sehr lange nur Fertiggerichte gegessen, irgendwann hatte ich dann genug und habe angefangen zu kochen und hatte viel Spaß dabei. Ich lebe gesünder, kann Dinge ausprobieren und meine Geschmacksnerven trainieren. Und auch die anderer. Ich koche gerne für viele Leute. Das ist natürlich auch eine gewisse Verantwortung, die ich aber gerne übernehme. Ich will, dass es allen gut geht: Das ist leicht durchs Essen zu machen. Und gesundes Essen überträgt sich ja auch auf die Laune, der Wohlfühlfaktor steigt und der Stress wird minimiert.

Zurück mehr zu den visuellen Themen und deinem Nagellack. Ich sehe auch, du hast da ein schönes Tattoo auf dem Arm. Welchen Einfluss hat das Visuelle auf deine Lebensgestaltung und dein Outfit?
Ich möchte mich selbst so gestalten, wie ich mich fühle und das nach außen tragen. Denn das sieht man zuerst. Ich bin ein Kunstfan und das Tattoo wird sicher nicht das einzige bleiben. Was man auf Papier malt, kann man es einfach wieder wegradieren. Das ist auf meiner Haut nicht so. Wenn ich so aussehe wie ich bin, fühle ich mich wohl.

Du kehrst also das Innere nach Außen. Viele machen das durch eigene Blogs, facebook & Co. Wie gefällt dir das?
Ich bin da auch sehr aktiv und finde es gut. Das tolle daran ist, dass man weiterhin aktiv mit Freunden in Kontakt bleiben kann, auch wenn sie weiter weg wohnen. Man verpasst einfach nicht mehr so viel und ist quasi live dabei. Die Welt wird kleiner und man verliert sich nicht so aus den Augen trotz des Alltags – solange man das Medium richtig nutzt.

Was meinst du damit?
Ich schreibe wohl auch oft Sachen, die andere nicht interessieren. Man hat einfach das Bedürfnis zu kommunizieren – man kann ja nicht nicht kommunizieren. Aber man bekommt direkt Rückmeldung, ob man etwas interessantes schreibt.

Maria, besten Dank für das Interview!

Am heutigen Vormittag beschäftigen sich unsere Redakteure mit der Theorie. Was ist überhaupt eine Filmrezension? Was muss ich beachten, bevor ich den Film anschaue? Und wie vermittel ich meine eigene Meinung professionell? All diese Frage sollen in den nächsten Stunden geklärt werden, bevor wir uns in die erste Ausgabe stürzen.

Die Kurzfilme sind geschaut, das Layoutkonzept steht und wir verinnerlichen Stück für Stück das Programm. Außerdem kann man hier zuschauen, wie die filmab! entsteht. Guten Artikeln und einer fabelhaften Zeit steht nichts mehr im Wege!

Wir freuen uns über jeden, der die Woche über alle Neuigkeiten hier auf dem Blog verfolgt, sich die Ausgaben anschaut und natürlich einen Kommentar hinterlässt.

Auf die Filme!

Wieder ist es Mai, die Sonne strahlt auf die schönste Stadt Mecklenburg-Vorpommerns und macht uns richtig Laune auf ein Filmkunstfest voller netter Menschen, schönen Erlebnissen und nicht zu vergessen: Unmengen an Filmen!

Der Seminarraum ist fast fertig eingeräumt und während der Netzwerkdrucker eingerichtet und Stimmungsplakate gemalt werden, machen sich die Teilnehmer langsam aus allen Ecken Meck-Pomms auf den Weg nach Schwerin. Hier werden bis zum nächsten Sonntag die Finger glühen, die Köpfe rauchen und letztendlich wohl die Augen jucken oder zumindest viereckig werden.

Am Dienstag beginnt das 21. filmkunstfest Mecklenburg-Vorpommern und zum 18. Mal ist der Jugendmedienverband Mecklenburg-Vorpommern e.V. mit der unabhängigen Begleitzeitschrift “filmab!” mit dabei. Mit unserer Redaktion aus jungen Medienmachern werden wir hinter die Kulissen des Festivals schauen – und wir sehen ganz genau hin! In fünf Ausgaben werden wir den Zuschauern und Gästen Filme vorschlagen, empfehlen oder von anderen Programmpunkten berichten. Natürlich nicht ganz unkritisch.

Am heutigen Nachmittag starten wir noch ganz entspannt: Die Schreiberlinge werden nach und nach eintrudeln und beschäftigen sich mit der Recherche zum filmkunstfest und machen sich mit dem Programm vertraut.

Wir jedes Jahr sind wir gespannt, was uns erwartet. Eins ist wie immer klar: Da das Layout um vier Uhr morgens bei der Druckerei sein muss, werden es kurze Nächte. Aber mindestens genauso sind wir sicher, dass wir die nächste Woche durchrocken.

Rock’n'filmab!

Du möchtest hautnah als Reporter zwischen Kinosessel und Kaffeemaschine dabei sein? Du hast Lust auf Filmrezensionen und Interviews auf dem Roten Teppich am Capitol? Dann melde dich jetzt an und sei dabei! Alle Infos sowie den Anmeldeschnipsel findest du hier auf jmmv.de.

Wir freuen uns auf alle Teilnehmer und Leser!

Und Außerdem noch ein kleiner Zusammenschnitt von ein paar Aufnahmen die nebenbei entstanden sind.

An dieser Stelle nochmal unsere besonderen Glückwünsche an das Filmteam von Renn wenn du kannst und natürlich an Jacob Matschenz.

Eine anstrengende, nervenzerrende aber auch spannende und fabelhafte Woche liegt hinter uns. Wie immer wurde wenig geschlafen und viel Kaffee getrunken. Wieder konnte man nach einigen Tagen die ganzen Leute nicht mehr sehen und will einfach nur noch weg. Raus. Aber am Schluss blicken wir auf eine tolle filmab! mit fünf grandiosen Ausgaben zurück. Wir können stolz auf uns sein. Es waren großartige Texte dabei. Sophies Rezension über Das weiße Band wurde von Franz Müller (Regisseur von Die Liebe der Kinder) , Torsten Jahn (Geschäftsführer der FilmLand M-V gGmbH) und ganz ganz vielen anderen gelobt. So jung, so viel Mut und noch mehr Wortgewandtheit.

Aber auch das allgemeine Miteinander war trotz stressiger Situationen immer toll. Es wurde geholfen, wo es nötig war und niemand stand mit einem Problem allein da. Unsere Gruppe hat sich gut organisiert und aufgeteilt, sodass die filmab! vielleicht nicht immer pünktlich fertig war, jedoch nie zu spät an den Festivalstätten auslag.

Wir konnten uns in diesem Jahr über ein sehr vielfältiges Feedback freuen. Ob nun von den Organisatoren des filmkunstfestes, den Schauspielern und Filmemachern oder von Zuschauern, die uns nach einigen Tagen sogar auf der Straße erkannten und ansprachen. Die Ausgaben waren (vor allem im Capitol) schnell vergriffen und wurden aufmerksam an jeder Ecke gelesen. Wir haben uns nach außen hin sehr gut präsentiert, sind bekannter geworden und werden dies hoffentlich im nächsten Jahr weiterführen können, indem wir auch mal vorn auf der Bühne des Capitol 1 stehen, um uns vorzustellen. Wir müssen uns nicht kleiner machen als wir sind. Die Leute mögen, respektieren und fürchten unsere Kritiken – immerhin sind wir die mit den Luftballons.

Ich würde mich freuen, die Redaktionsgesichter wiedersehen zu können, damit es auch 2011 wieder heißt: filmab!
In diesem Sinne: Gute Nacht!

Gil Gatch und Sidney Helou lieben einander und Jesus. Beide offensichtlich konservativ eingestellt, haben sie entschieden: Kein Sex vor der Ehe, und auch sonst nichts in der Art. In der Dokumentation Divorcing God betreten sie das Podest zum Hochzeitsschwur in ihrer baptistischen Gemeinde. Kommentar von Anna zum Hochzeitskuss: “Ist ja niedlich, wie die sich auffressen.”
Die konservative Einstellung zu Liebe und Ehe macht Sidney schnell klar: “Die Ehe hält zusammen, weil wir sie begangen und entschieden haben, wirklich uns selbst für den anderen aufzuopfern.” Gut, dass die Ehe trotzdem so lange gehalten hat. Drei Monate später bekommt Gil eine E-Mail von seiner Geliebten, in der sie ihm die Trennung verkündet. Ohne Grund. Fortan sucht er Schulter und Rat bei seinem Pastor, der in seinen Jugendmessen in psychedelischer, Doors-ähnlicher Konzertstimmung zum Beten zu Gott mitreißt. Gil zerfließt vor Sehnsucht und zeigt vor der Kamera seine wunden Punkte. Der Zuschauer fühlt mit und beginnt Antipathien für diese komische Sidney zu entwickeln und freut sich, als Gil nach sechs Monaten endlich wieder Freiheit verspürt.

Divorcing God gibt Hoffnung für hoffnungslose Fälle und einen Einblick in streng konservative christliche Meinungen, die gut zum Schmunzeln bringen. Nur die Tiefgründigkeit und der ernste Anstrich des Streifens werden von der Propaganda am Ende des Abspanns so ins Lächerliche gezogen, dass wir doch noch lachen konnten: “Did this film speak to you? Become our Facebook-Fan!”

Die Schweriner Tonstudioassistentin Wiebke ist vom Starrummel angetan. „Das Festival ist sehr publikumsnah. Doch mehr Marketing außerhalb von MV, über die Grenzen hinaus hätte dem sehr gut getan“, so die 26-Jährige.
Dem Theaterschauspieler Klaus sagten besonders die Retroperspektive und einzelne Wettbewerbsbeiträge besonders zu. „Aber Verbessern kann man immer! Das Zeppelin ist meiner Meinung nach für den Filmtalk viel zu klein.“ Einen Wunsch würde sich der 54-Jährige gerne einmal auf dem filmkunstfest erfüllen: „Spielberg in Schwerin wär doch mal ein Fortschritt“, witzelt er.

Die ehemalige Capitol-Angestellte Sophie (17) wünscht sich mehr Zusammenarbeit mit Schulklassen. „Es wird sehr gut angenommen, man kann unverfänglich mit den Filmteams ins Gespräch kommen. Lustig auch, was es alles für komische Leute beim Film gibt. Hätte ich nie gedacht.“ Dennoch wünscht sich die Abiturientin, um alle Filme schauen zu können, ein paar Tage filmkunstfest mehr. Ob das vielleicht in den kommenden Jahren machbar sein wird? Eine schöne Zukunftsvision. Auch Ayla-Darstellerin Pegah Ferydoni wäre ein bisschen mehr Zeit und ein bisschen weniger Stress ganz lieb: „Es war sehr rührend, live zu sehen, wie die Zuschauer auf unseren Film reagiert haben. Die positive Resonanz ist uns allen sehr wichtig. Die Mischung aus deutschem jungen Kino und Weltkino ist sehr ansprechend. Es passt alles super!“

Doch was sagt die filmab!-Redaktion zur Publikumsnähe? „Die bunte Mischung aus “High Society” und Zuschauern und die lockere, gesellige Atmosphäre haben mir sehr imponiert.”, so Patrick Schmitz. Trotz der unterschiedlichen Auffassungen freut sich die Redaktion auf weitere filmkunstfeste, die ihren ganz eigenen Charme hoffentlich nie verlieren werden. Denn wir wollen auch in den kommenden Jahren genau das tun, was wir am besten können: beobachten, zerreißen, preisen und den filmkunstfest-Besucher auf das Schlimmste und Beste gefasst machen.

Scheidungskind Sebastian führt seine Freundin Nora durch die Wohnung seines Vaters, dem arbeitslosen, ungelernten „Sicherheitsexperten“, während dieser, statt wie erwartet zur Begrüßung den Kaffeetisch gedeckt zu haben, betrunken die Toilette besetzt. Im Vermeiden von Konfliktsituationen ist der selbsternannte Securitymann geübt. Seine Arbeitslosigkeit zum Beispiel hielt er seiner Exfrau gegenüber zunächst geheim. In Bezug auf seine Misserfolge bei der Arbeitssuche, die er seinem Sohn vorenthält, sieht es nicht anders aus. Er baut sich selbst Illusionen auf und zerbricht daran.

Im Grunde bleibt alles wie zuvor
In Netto von Robert Thalheim treffen interessante, da vielschichtige Charaktere auf eine „ganz nette“ Geschichte, der leider der „aha“-Effekt fehlt. Einerseits ist es wirklich spannend, die Entwicklung von Marcel, Sebastians Vater, mitzuerleben, andererseits wünscht man sich die Dialoge irgendwie packender. Diese sind zwar recht lebensnah und lassen den Film zeitweise sogar wie eine Dokumentation wirken, könnten dennoch etwas mehr Würze vertragen. Schade ist auch, dass das Ende einen Lösungsvorschlag für die Probleme Marcels darstellen möchte, es aber nicht wirklich tut. Es fehlt ihm der gewisse Reiz eines offenen Endes.

Gömböc reiht sich in die Serie der Filme ein, die in Mecklenburg-Vorpommern gedreht wurden. Die Wahl des Drehortes begründet die Regisseurin damit, dass sie dort aufgewachsen sei. „Die Geschichte mit dem Kuhkopf kenne ich von meiner Oma. Das gibt es auch heute noch, auch wenn darüber nicht geredet wird.“

Das Leben geht weiter!

Im Zentrum des Dorfkosmos, den der Film aufzeichnet, stehen vier Personen. Ihr soziales Umfeld ist alles andere als rosig. „Dennoch stehen sie nach jedem Schicksalsschlag wieder auf. Dafür bewundere sie diese Menschen.“, sagt Vahl. Das klingt heroischer als es sich im Film darstellt. So wirkt der schmächtige Paul, der von seiner Mutter lieber Darth Vader genannt werden möchte, eher so, als ob er sich lieber aus seinem tristen Leben fortwünschen würde. Wirklich glücklich erscheint niemand in diesem Film. „Das Landleben ist insgesamt rauer. Tod und Leben liegen dichter beieinander.“, kommentiert Vahl diesen Umstand. Obwohl sie die Alltäglichkeit der Handlung betont, hinterlässt der Film einen befremdlichen Eindruck. Ein Kurzfilm, der einem das Herz erwärmt, ist Gömböc nicht. Was bleibt ist Trostlosigkeit. Nichtsdestotrotz sei das Ende des Films nicht tragisch zu sehen, so Vahl. „Alle sind zusammen. Das Leben geht weiter und das ist doch positiv.“

Dieser Erfolg kommt jedoch nicht von ungefähr. Verantwortlich dafür ist Dietmar Hopp, ehemaliger Jugendspieler im TSG und Mitbegründer von SAP, dem größten europäischen Softwarehersteller, und damit einer der reichsten Männer Deutschlands. Seit 1990 steckte er sein Geld in den Verein. Nach dem Aufstieg in die Zweite Bundesliga war der Verein aus dem 3000-Seelen-Dorf Hoffenheim in der Lage, 20 Millionen Euro in neue Spieler zu stecken. Ganz nebenbei: Das ist mehr Geld als alle anderen Zweitliga-Vereine zusammen in einer Saison investierten.

Aber solch eine Erfolgsgeschichte hat auch ihre Kehrseite. Im Kontrast zum Aufstieg des Vereins zeigt die Doku auch den Abstieg von „Torro“, dem Vorsitzenden des einstmals ersten Fanclubs. Mittlerweile hat der Verein über hundert Fanclubs. Zusammen mit der Vereinstradition verschwindet auch der Platz für „Torro“ in der neuen Welt des TSG.
Viele Aussagen der einheimischen Hoffenheim-Fans und die Ausschnitte von Heimspielen lassen den Zuschauer Teil der drastischen Aufstiegsstory werden. Sehr gelungen ist auch die Darstellung der Kritik an der Figur Dietmar Hopps durch Stimmungen in gegnerischen Fanblocks. „Hasta La Vista Hopp“ und „Dietmar hat’s bezahlt“ sind dabei noch die freundlichsten Aussagen.

Eine gelungen Dokumentation, die inhaltlich zum Teil auch an „Manchester: Wir sind United“ erinnert, wobei Hoffenheim zumindest momentan noch nicht so ein Prestigeobjekt des Geldgebers ist wie der Club aus der Premiere League.

Barockes Gehabe
Den thematischen Rahmen der Aufführung bildete die frühbarocke Musik und Lyrik. Der Geist von damals sollte laut Choreografin Antje Reinhold tänzerisch umgesetzt werden. Nicht zuletzt wegen des Ensembles „Musica Instrumentalis“, das die schwerblütigen Kompositionen hingebungsvoll intonierte, und der leidenschaftlich vorgetragenen französischen Sonette Luise Labés war die Darbietung von einer durchgehend theatralischen Atmosphäre getragen. Neben der Tragik wurde das affektierte Gehabe der höfischen Welt widergespiegelt. Und so konnte man die Darstellerinnen wiederholt in schnippischen Posen beobachten. An der Grenze zur Parodie traten sie wie auf einem Debütantinnenball auf und fächelten sich mit der Hand majestätisch Luft zu.

Der Körper als Medium
Von sanften Geigenklängen begleitet durchschritten die grazilen Tänzerinnen leichtfüßig den Raum. Mit ihren Schritten schienen sie ihn Stück für Stück ausmessen zu wollen. Dann ein abruptes Ende der Musik und die Frauen präsentierten ihre Körper in völliger Stille, um dann mit dem erneuten Einsatz der Musik davonzustürmen. Von diesen plötzlichen Wechseln war das Stück durchzogen: ruhige und bewegte Szenen, Musik und Stille, mal kraftvoll, mal sanft. Ein anderes Mal froren die Darstellerinnen in Posen ein, um so ausdruckstarke Bilder zu komponieren. Sie schienen eine Geschichte zu erzählen. So vielfältig wie die Bewegungen der Tänzerinnen waren, so waren sie doch immer vollendet fließend.

Nach 20 Kurzfilmen beginnt der eigentlich spannende Teil des Abends. Mit nur noch zehn Prozent des Publikums stellt sich Moderator Moe erneut mit Denglisch-Slang auf die Bühne und macht Ansagen, die die Welt nicht braucht. Ehe ich mich versehe, ist aus Moe auf einmal drei geworden. Ich reibe mir die müden Augen und muss zu meinem Entsetzen feststellen: Das ist die “Band”. Yo, tight. Okay. Also los. Oder auch nicht. Gefühlte 30 Minuten später drehen die drei Groupies neben mir frei, erzählen lautstark “Ey, voll das falsche Publikum!” und ich weiß: Jetzt geht’s los. Mh, tja. Koma Klick. Fünf Fans, zwanzig völlig fehl am Platz sitzende Menschen. Das Wort “Anstandssitzenbleiben” kreist in meinem völlig zugerappten Kopf. Um zu wissen, warum genau auf gehaltvolle, weitaus bessere Kurzfilme als im KF-Wettbewerb solche Musik folgt, sollten wir jetzt den MV-Spion-Bandcontest zur Rechenschaft ziehen. Bei allem Respekt werde ich immer ungeduldiger, richte meinen Blick auf die drei Typen, die definitiv Bühnenperformance mit Epilepsieanfällen verwechseln. Ich spiele mit dem Gedanken, den Stöpsel zu ziehen.

Also weiter. Stellen wir uns laut Moderator Moe mal fix die imaginäre Verena und den imaginären Alex vor und schon haben wir eine runde Preisverleihung. Fehlen nur noch die Zuschauer. Denn von dem einst überfüllten Speicher sind bei der Siegerehrung noch rund 20 Leute da. Verena Fels’ Mobile-Film hat nämlich den ersten Platz gemacht. Der zumindest physisch anwesende Berni Kübel den zweiten mit BACIO. Und Alexander Lehmann, ebenfalls im sexy Tarnumhang, den dritten mit Du bist Terrorist. Und alle drei haben es verdient. Genau wie viele andere der zwanzig Einsendungen, deren Aufzählung jetzt jeglichen Zeichenplatz sprengen würde.
Bei aller Liebe: Das hab ich an meinem Freitagabend nicht gebraucht.

„Wir müssen fliehen! Die Ossis kommen!“
Szenenwechsel: Dramatische Hintergrundmusik, weiße Schrift auf schwarzem Hintergrund: „Es geschah am 3. Oktober 1990. Tausende DDR-Bürger verließen ihre Heimat, um nach Westdeutschland zu ziehen. 4 % kamen niemals an.“
Der Einstieg wirkt noch vergleichsweise unscheinbar: Clara will von Leipzig in den Westen fahren, nachdem sie ihren notgeilen Mann abgestochen hat. Sie trifft Artur, quasi ihren „Westliebhaber“. Nun sind sie vereint, er „habe alles so schön vorbereitet“ und „liebe sie doch wirklich“.
Und wie ein Donnerhall beginnt dann die deutsch-deutsche Zerfleischungsorgie: Schädelspalter-Hank stürzt sich auf Küchenmesser-Clara, Gröhlhals-Brigitte zerkloppt Fleischzungen-Margit, Schlachtmesser-Alfred jagt Halbtot-Artur, Kettensägen-Dietrich zerfetzt Trabi-Sachsen und irgendwie kämpfen alle gegen alle und jeder gegen jeden. Auge um Auge, Darm um Darm. Animalische Bestialität in ihrer grotesktesten Form. Hauptsache, das Blut spritzt literweise in alle Richtungen.

An dieser Stelle näher auf die Handlung einzugehen oder auch nur von Plot zu sprechen, wäre übertrieben unnötig. Sie ist so absurd zerstückelt wie die Fleischklumpen im Motel „Deutsches Haus“ der ossijagenden Metzgerfamilie.
Was Christoph Schlingensief hier vor 20 Jahren vorlegte, war geradezu ein cinematischer Stinkefinger gegen die utopischen „Blühende Landschaften“-Versprechen. Hemmungslos bedient er sich bei allen Klischees billiger Splatter- und Horrorfilme, um mit seiner bestialisch-bösen Metaphernkeule gegen die neuentdeckte Schwarz-Rot-Gold-Euphorie auszuholen. Ein Wahnwitz für all diejenigen, die diesen blutrünstigen Humor zu verstehen wissen – für zarte Gemüter aber doch eher schwer verdaulich.

Johann Rettenberger (Andreas Lust) hat zwei besondere Talente: Marathonlaufen und Banken ausrauben. Wegen letzterem saß er schon sechs Jahre im Knast. Sechs Jahre, in denen sich seine Energie im Kreis ‘entlud’: Täglich muss er sein Lauftraining auf dem Gefängnishof verrichten. Als er entlassen wird, trifft er im Arbeitsamt seine alte Liebe Erika (Franziska Weisz) wieder. Johann zieht wieder bei ihr ein, verfällt jedoch sofort in seine alten Verhaltensmuster: Banken ausrauben. Dabei trägt er eine Art Markenzeichen – die Maske. Es ist wie eine andere Haut, in die er schlüpft, eine andere Person, ein anderes Leben. Seinem misstrauischen Bewährungshelfer erzählt er, dass er sein Leben durch die Preisgelder der Marathonläufe finanziert. Doch bald wächst ihm alles über den Kopf und die Blase, in der er lebt, droht zu zerplatzen.

Benjamin Heisenberg gelang ein Film, der ohne große Dialoge nicht langweilig wird. Im Gegenteil: Die Kameraeinstellungen sind abwechslungsreich und interessant. Die Musik, die bei den Autodiebstählen im Radio läuft, ist so herrlich unpassend, dass der Zuschauer unwillkürlich lachen muss. Mit der Spannungskurve des Films verhält es sich wie mit dem Adrenalin-Spiegel Johanns: Immer wieder schießt die Kurve in die Höhe und man hat das Gefühl, selbst in der Situation des Stresshormon-Junkies zu stecken. Einziger Wermutstropfen ist, dass die Story, die auf einer wahren Gegebenheit beruht, nicht zu 100 Prozent der Realität entspricht. Der Film ist wie Johann: kühl, beobachtend und zwingend in seiner Treffsicherheit.

Dem ganzen Spektakel wird die Krone aufgesetzt, als Olivia von ihrer Mutter unterstellt wird, mit Rudi zu flirten. Durch das konfliktgeladene Beziehungschaos wird der von ihm heiß geliebte, herzschwache Hund Diego außer Acht gelassen. Er flüchtet durchs offene Gartentor, stirbt und bewegt Rudi zu einem Selbstmordversuch.
Ein Drama durchzogen mit Situationskomik. Wenn das ein Drama sein soll, was ist dann eine Komödie? Vielleicht hatte Regisseurin Hermine Huntgeburth einfach keine Lust mehr, diesen triefenden Schmalz noch weiter zu vertiefen. Das Glück ist eine ernste Sache, stimmt. Aber den filmischen 0815-Namensabklatsch kann man nicht ernst nehmen.

Wie geht’s dir?
Jut, und selber?

Wir schlafen nicht. Wir trinken Kaffee und wir schlafen nicht. Und wir trinken Kaffee.
Das ist jut! Das macht man ja so auf Festivals.

Jacob, hier beim filmkunstfest bist du mit insgesamt vier Beiträgen dabei: In der Spielfilm-Kategorie mit Bis aufs Blut und Renn wenn du kannst, außerdem mit dem Märchen Der gestiefelte Kater und mit der Störtebeker-Komödie 12 Meter ohne Kopf. Wie hast du dich auf diese verschiedenen Rollen vorbereitet?
Man setzt sich mit den Regisseuren zusammen, liest vorher das Drehbuch und bringt sich mit Vorschlägen ein.

Irgendwas Besonderes? Bei Bis aufs Blut bist du schließlich ein Drogendealer.
Naja, soll ich in den Knast gehen, meine Freundin vertrimmen oder Drogen verticken, damit ich das besser fühle? (alle lachen) Nee, tut mir leid. Da bin ich nicht der Typ für.

Bei Renn wenn du kannst spielst du einen Zivildienstleistenden, der einen sarkastischen Rollstuhlfahrer betreut. Warst du selbst Zivi?
Ick hab weder Bundeswehr noch Zivi gemacht. Das hat sich so ergeben. Jetzt bin ick sechsundzwanzig und durch. Ich hab aber schon einmal einen Film mit einem Behinderten gedreht. Für die Vorbereitung war ich dann auch in einer Behindertenwerkstatt.

Was ist das Beste an deinem Job als Schauspieler?
Das man zum Beispiel an wahnsinnig ausgefallene Orte kommt, die man ansonsten nicht besucht. Wann kommst du mal auf eine Hansekogge? Wenn du nicht irgendwas verbrochen hast, wie kommst du dazu, einen Knast zu besuchen? Es gibt viele tolle Seiten am Schauspielberuf. Unheimlich durchgeknallte Individualisten, die das alle machen. Lustige Leute, die sich da zusammen finden.

Was steht bei dir als nächstes an?
Im Sommer mach ich erst mal Urlaub. Auf der MeckPomm-Platte, ein bisschen paddeln. Das hab ich schon ewig nicht mehr gemacht, früher bin ich mit meinen Eltern immer mitgepaddelt, als ich noch kleen war. Die letzten Jahre hatte ich im Sommer so viel zu tun, jetzt gönn ich mir das mal. Einfach nur Wasser und Laub.

Wie bleibt man als Schauspieler auf dem Boden? Du bist ja sehr bodenständig.
Echt, wirkt das so? Ick tu bloß so. (lacht) Mein Tipp ist: Such dir nicht allzu viele Schauspieler-Freunde und treib dich nicht die ganze Zeit mit Filmleuten herum. Wenn du nur im eigenen Saft kochst, ist das ja langweilig.

Du verdienst doch bestimmt gut Geld.
(lacht) Du, dit sind Studentenprojekte. Ich kann nicht so viel Geld um mich schmeißen. Kommt immer drauf an, wie groß das Projekt ist. Bis aufs Blut und Renn wenn du kannst sind ja, vom Budget her, eher kleinere Produktionen gewesen. Damit wirste nicht reich. Wenn du Glück hast, läuft der Film auf ‘nem Festival. Dann bekommste vielleicht ‘ne Empfehlung für ‘ne neue Rolle, mit der man mal mehr Geld verdient.

Bist du lieber gut oder böse?
Och, gute Frage. Kommt drauf an, wat spannend ist. Gibt spannende gute Rollen, gibt auch spannende böse Rollen. Da will ich mich nicht festlegen. Es macht aber schon mehr Spaß, den Bösewicht zu spielen.

Vielen Dank für das Interview!

Zerredet und langatmig
Leider zeigt sich der Film von Dieter Schumann jedoch nicht so explosiv wie das Lebensgefühl, das darin zum Ausdruck kommen soll. Er vermittelt Stimmungen sehr theoretisch. Der Zuschauer kann sie sich vorstellen, weil sie fast zerredet wird, aber nicht tatsächlich mitfühlen. Es fehlen spannungsvolle Aufnahmen und abwechslungsreiche Kameraeinstellungen. Stattdessen Szenen, die schlichtweg überflüssig erscheinen, da sie weder Inhalt noch Atmosphäre vermitteln. Der „Rockreport“ entpuppt sich als informativ und daher sehenswert – aber leider zu langatmig.

Deutschland steht kurz vor dem Ersten Weltkrieg. Nach der Meinung Hanekes solle man es sich so vorstellen: Eine Scheune brennt. Der beliebte Dorfarzt vergreift sich sexuell an seiner 14-jährigen Tochter. Ein Junge wird auf brutalste Weise zusammengeschlagen, weil er eine Flöte von seinem Freund geklaut hat. Der Sohn des feudalistischen Baron wird gepeinigt im Sägewerk aufgefunden. Der behinderte Sohn der Hebamme wird stark misshandelt und an einem Baum gefesselt. Das alles mit ‘nem bisschen Blut und ‘ner Menge Schläge und man befindet sich in Eichwald. Doch wenn man in die „Tiefen“ des Filmes geht, erkennt man: Der Zuschauer soll sich diese 144 Minuten ansehen, um genauestens informiert zu sein, wie die Kinder psychisch und körperlich misshandelt wurden und daraufhin selbst anfangen andere Kinder zu quälen – phänomenal.

Schlechter Horrorfilm mit einem bisschen Sex
Ich will die Situation in Deutschland vor dem Ersten Weltkrieg keinesfalls beschönigen. Aber in diesem Film wird ALLES über einen Kamm geschoren. Unterschwellig wird vermittelt: Protestantismus ist der Grund für Faschismus. Es zeigt weder das Leben in einem Dorf 1913/14, noch die Atmosphäre. Ist der „geschichtliche Hintergrund“ nur ein Vorwand, um einen schlechten Horrorfilm mit einem bisschen Sex zu produzieren? Trotzdem hat Michael Haneke meinen Respekt: Bis jetzt hat es noch niemand geschafft, dass ich in 144 Minuten durchgängig „kranke Scheiße“ gedacht habe.

Special-Rätsel: Wer herausfindet, wie viel Gelder geflossen sind, damit Das weiße Band diese Fülle an Preisen bekam, gewinnt meine Leberwurst-Stulle von gestern.

Als Tommy wieder rauskommt, versucht er, sein Leben auf die Reihe zu kriegen während Sule noch immer in seiner eigenen Welt lebt und sie mit Tommy teilen will.
Nachdem Tommy feststellt, dass nahezu jeder in seiner Umgebung momentan auf Bewährung ist oder von der Polizei kontrolliert wurde, kommen bei ihm erste Zweifel: Warum wanderte nur er in den Bau? Hat ihn einer seiner Freunde verraten? Nach zu viel Hin und Her mit Sina und Sule kommt das, was seit Tommys ersten Zweifeln an seiner Inhaftierung abzusehen war…

Nichts Halbes und nichts Ganzes
Was Oliver Kienle mit Bis aufs Blut – Brüder auf Bewährung, dem Jugendrama über Freundschaft im „Ghetto“, genau ausdrücken wollte, ist nicht ganz klar. Teilweise reiht sich der Film mit seinen platten Witzen und Sprüchen und dem lockeren Umgang mit Drogen zwischen „Lammbock“ und „So High” ein – eine weitere Drogenkomödie. Erst zum Ende hin gewinnt der Film an Ernsthaftigkeit und wirkt reifer. Dieses Niveau über den ganzen Film erstreckt, hätte ihm sicher gut getan. Oder er wäre einfach platt geblieben und als Komödie durchgegangen. Aber so ist es irgendwie nichts Halbes und nichts Ganzes.

It’s Handy – It’s Party! So lautet das Thema des zweiten handyfilmwettbewerbs M-V. Party ist es wirklich, sich die Filme anzusehen. Von grottig bis ganz nett ist alles dabei.

Sei innovativ aber bitte kurz, denn mit großen Datenmengen und langer Laufzeit ist nix. Und niemand will einen Film über 4 Minuten sehen. Achja, wie du so einen Film drehst, musst du natürlich selbst rauskriegen, Hauptsache du verstößt nicht gegen irgendwelche Gesetze.

“Das Handy hat sich in wenigen Jahren zum Massenmedium entwickelt und ist laut JIM-Studie (Jugend, Information und Multimedia) das am weitesten verbreitete Multimedia-Gerät unter Kindern und Jugendlichen,” so Henry Tesch, Kultusminister und auch dieses Jahr Schirmherr des handywettbewerbs. Dies übrigens vor dem Hintergrund, dass ganze 22 Einsendungen zur Auswahl standen. Teilnehmern vom letzten handywettbewerb wird dieser Satz übrigens sehr bekannt vorkommen. Warum bloß? Naja, immerhin hat unser Kultusminister sich mehr Mühe gegeben als Torsten Jahn, Geschäftsführer der Filmland M-V gGmbH, – der genau das gleiche Grußwort verwendet, wie schon letztes Jahr.

Hast du Interesse daran bekommen?
Wenn ja, hast du für dieses Jahr leider Pech gehabt.
Versuchs nächstes Jahr!

Lebensechte Portraits
Dokumentarfilmer Jan Tenhaven hat fünf der Teilnehmer bei ihrer Vorbereitung auf die internationalen Leichtathletik-Wettkämpfe in Finnland begleitet. Eigentlich dachte Regisseur Tenhaven, dass er niemals einen Sportfilm machen würde. In der Schule sei er eher der Typ gewesen, der „aus Versehen“ seinen Turnbeutel vergaß. Über die rüstigen Sportsenioren, die er in „Herbstgold“ so lebensecht portraitiert, kann es daher umso mehr staunen.
„Herbstgold“ greift auf vielfältige Kameraeinstellungen zurück, um den Wettstreit um die Goldmedaillen darzustellen. Detailaufnahmen im Slow-Motion-Modus fokussieren die Spannung auf den Moment, der über Triumph oder Niederlage entscheidet. Stimmungsvolle Kompositionen verleihen jeder Szene dabei die passende Atmosphäre. Unvergessen die Szene, in der ein 100-jähriger Österreicher die Diskusscheibe 12 Meter weit schleudert und anschließend im Rollator am Siegertreppchen steht.
Eine gelungene und in sich stimmige Dokumentation darüber, dass Sport keine Frage des Alters ist – sondern einer optimistischen Lebenseinstellung.

Die Sehnsucht in der Einsamkeit zu stillen und selbige damit aus dem von Schmerz getretenen Magen herauszukratzen, verbindet das Paar unverkennbar. Die Szenen sind wie aneinander geklebt, wechseln ohne Bezug zueinander. Musik bleibt dabei ganz aus. Atmen, Keuchen, Stöhnen, Brummen, Papierrascheln und Geschirrklirren sind die einzigen Elemente der Geräuschkulisse. Wirksam und reell ergänzt die stumme Kameraführung die gebrochene Erzählweise der Handelnden. Im Blickpunkt dabei ist die Abgeschiedenheit zweier Menschen, die ihre aufregendsten Lebensabschnitte bereits fotografiert haben. Beide erzählen davon, wie sie auf ihrem Weg , ihrer „Fahrt im Heißluftballon“ wichtigen Ballast abwerfen und tiefe, schneidende Verluste einstecken mussten; immer noch mit der Hoffnung im Rücken, den Himmel zu erreichen und sich dem Schmerz zu entledigen. Im anderen scheinen sie den Spiegel dafür zu sehen.

Die Wortkargheit der Darsteller gräbt den See der Einsamkeit und bildet damit die Stimmungsbasis des ganzen Films. Jedes weitere Wort hätte einen Riesen kreiert, der mithilfe seines Strohhalms die Einsamkeit bedingungslos ausgeschlürft hätte.

Tobias joggt. Es ist ein Weglaufen vor den Bildern der fassungslosen Gesichter. Doch er kehrt wieder zurück nach Hause, zurück an einen stummen Abendbrotstisch, zurück zur zerstörten Familie. Jedes Familienmitglied trägt eine schwere Last mit sich. Doch ihnen wird die Teilnahme an der Trauer verwehrt.
Die Suche nach dem Warum stellt Tobias vor die schwierigen Herausforderung, sich mit dem Leben seines Bruders Christian zu beschäftigten. Auf diesen Weg lernt er Anna, die Internetbekanntschaft seines Bruders, kennen. Sie zeigt ihm einen anderen Christian. Tobias verliert jeden Sinn für seine bisherige Welt. Seine bisherige Welt existiert nicht mehr.

Der Regisseur Lennart Ruff bietet einen nachdenklichen Einblick in das zerrissene Leben einer Familie, deren Sohn als Amokläufer gestorben ist. Dabei regt der ironische Filmtitel Life is easy zur einer aktiven Auseinandersetzung mit den Schulmassaker an. Ruff verzichtet auf lange Dialoge und lässt die aussagekräftigen Bilder für sich sprechen. So stellt sich die Frage nach dem Sinn des Lebens oder mit den Worten von Albert Einstein: „Wer keinen Sinn im Leben sieht, ist nicht nur unglücklich, sondern kaum lebensfähig.“

Sarah (Klara Manzel) ist eine von neun Schauspielern, die sich eine Rolle bei Hans Meinholds (Matthias Habich) Interpretation von Shakespeares Hamlet ergattern will und so im steten Konkurrenzkampf mit ihren Mitbewerbern steht. Neid im Knochenmark und sexuelle Triebhaftigkeit geben das Salz in die Suppe der Protagonisten. Nach der ersten halben Stunde legt sich die Verwirrung, basierend auf der allgemeinen Hektik der Szenen und Akteure, allmählich nieder – doch vergehen tut sie nicht. Wie ein Flickenteppich ohne Farbe sind die aufeinander folgenden Szenen – scheint ihnen doch keine Handlung zugrunde zu liegen. Von Spannung sind nur Ansätze gegeben, einzig der literarische Witz macht die Dialoge schlüssig und gibt dem Zuschauer Ansporn, nicht aufzugeben sondern lieber weiterzulachen.

Sanft wie Schnee, stechend wie Hagel
Obwohl Barriere dem Augenzeugen gänzlich in Schwarz-Weiß gezeigt wird, scheint es, als wäre der Film in Farbe gedreht und lediglich entsättigt worden. Die Kontraste wirken dadurch flau und die Drehart billig. Erst dem Ende entgegenwinkend erscheint der Streifen plötzlich farbig und ein Rahmen schließt „Hamlet“-Zitate und Konfliktsituationen sinnvoll zusammen. Die Musikkulisse fällt nun sanft wie Schnee, sticht wie Hagel, besinnt wie Sonnenstrahlen, ist trist wie Regen – und schwingt alles in allem wunderbar in stimmiger Woge zum Plot. Bewundernswert ist die Authentizität der Akteure als Schauspieler, so verfolgt das Publikum deren künstlerische Entwicklung im Film vom ersten bis zum letzten Wort mit. Die Texte sind großteilig improvisiert, was positiverweise nicht auffällt. Dieser Streifen wurde gedreht, um den Betrachter an die Grenzen der Kunst heranzubringen und ist Beweis genug, dass selbst hoffnungsloses Chaos ein Ende mit Sinn hat.

Spaßige Fassade
Die Parallele zum realen Leben ist hauchdünn gezogen. Da das offensichtlich Lustige im Vordergrund der Geschichte steht, entdeckt der Zuschauer den ernsten Hintergrund nicht auf Anhieb. Aber stellen wir uns doch mal die beiden Hauptcharaktere des Films als Menschen vor: Wir sehen eine verzweifelte, wütende und perspektivlose Frau, die es bereut für ihren (Ex-)Mann alles aufgegeben zu haben. Dieser erzählt währenddessen reuelos von seiner schönen, neuen Zukunft mit einer Jüngeren – und bedankt sich noch süffisant für ihre besten Jahre.
Klingt das lustig? Nein! Die drastische Wendung erscheint im ersten Moment amüsant, ist aber fernab aller moralischen und ethischen Grundsätze. Ein Plot kann noch so witzig sein, es versteckt sich immer ein tieferer Sinn hinter der spaßigen Fassade. 12 Jahre ist so ein Film.