Pünktlich um zehn ist die neue filmab!-Ausgabe da.

Hier die Ausgabe als PDF herunterladen.

Übrigens liegen zwischen dem 30. April und 5. Mai jeweils ab dem frühen Nachmittag an folgenden Orten in Schwerin die Zeitungen aus:

• Capitol
• InterCityHotel
• Stadtkrug
• Schweriner Höfe

Bild: filmland mv

Ehrenpreis “Der Goldene Ochse”

Michael Gwisdek

Darstellerpreise

Nachwuchsdarstellerpreis
Maria Victoria Dragus in Draussen ist Sommer von Friederike Jehn

Preis für die beste darstellerische Leistung
Lina Wendel für ihre Rolle in Silvi von Nico Sommer

Spielfilmwettbewerb

Hauptpreis “Der Fliegende Ochse”
Draussen ist Sommer von Friederike Jehn

NDR-Regiepreis
Freier Fall von Stephan Lacant

Publikumspreis der Schweriner Volkszeitung
Scherbenpark von Bettina Blümner

Der CineStar
Scherbenpark von Bettina Blümner

Preis der Jury der deutschsprachigen Filmkritik in der FIPRESCI
Scherbenpark von Bettina Blümner

Nachwuchsförderpreis der DEFA-Stiftung
Kohlhaas oder Die Verhältnismäßigkeit der Mittel von Aron Lehman

Kurzfilmwettbewerb

Hauptpreis
Grünes Gold von Barbara Marheineke

“Der Findling” vom Landesverband Filmkommunikation
One Shot von Dietrich Brüggemann

Dokumentarfilmwettbewerb

Publikumspreis
Nach dem Brand von Malou Berlin

Kinderfilmwettbewerb

“Leo”
Puppe von Sebastian Kutzli

Kurzfilmnacht

Publikumspreis “Golden Moon”

1. “Meyer” von Sascha Quade
2. “Steffi gefällt das” von Philipp Scholz
3. “Momentum” von Boris Seewald

Preis der filmab!-Redaktion

Kritikerpreis “Das goldene Kälbchen”

Kohlhaas oder Die Verhältnismäßigkeit der Mittel von Aron Lehman

Das goldene Kälbchen
Foto: Maria Buchholz

Foto: Wiebke Maeß

Wiebke ist hier, im Speicher – mit Marie. Wir müssen auf der Treppe sitzen. Das gefällt uns nicht. Was uns gefällt: Volles Haus, voller Moderator, volles Programm. 20 Uhr Start, Mitternacht Preisverleihung. Dazwischen liegen 25 Animations-, Stop-Motion-, Kurzspielfilme, in drei Blöcken gezeigt und von zwei Pausen aufgelockert. Eine schicke Auswahl. Mit vollständigen Abspannen werden alle Kunstwerke nach unserem Geschmack gewürdigt. Die Themen sind breit gefächert: Von Fahrradfahrstunden, verwirrten Rennpferden über Gesellschaftskritik und häusliche Gewalt bis zu Knutschorgien im Schwimmbad.

Moe, der betrunkene Moderator, verlieh mit viel Elan und Verzweiflung an die wieder einmal nicht anwesenden Filmemacher den Preis für die Publikumslieblinge. Platz drei ging an MOMENTUM – eine Hommage an leidenschaftliches Tanzen von Boris Seewald. Tänzer Patrick erzählt von dem Gefühl der Bewegung und was Tanzen mit Tortillas zu tun hat.
Den zweiten Platz gab es für STEFFI GEFÄLLT DAS. Philipp Scholz überträgt darin Facebook-Floskeln und -phänomene ins echte Leben inklusive Statusmeldungen, Im-Coffeeshop-Einchecken, Freunde vorschlagen á la schmieriger Versicherungsvertreter und endet mit katastrophaler Funkstille. Das Publikum scheint guter Laune und selbstironisch zu sein.
Gewinner des “Golden Moon” wurde der Film MEYER, der auch schon den Publikumspreis beim FiSH Rostock gewann. Sascha Quade erzählt die Geschichte eines etwas anderen Vorstellungsgespräches zwischen älteren IT-Berater und jungem Bewerber mit Twist zum Ende des Films. Die Wiederholung der Filmhandlung scheint der Wiederholung des Mecklenburger Geschmacks ähnlich.
Wir sind gespannt aufs nächste Jahr und hoffen auf Humor, Kritik und Kunst. Das gefällt uns nämlich.

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Filmstill: farbfilm verlei

Kinder und Tiere ziehen immer. Beim Publikum rufen sie verzückte Oh!- und Ah!-Rufe hervor, besonders beim Kinderpublikum und ihrer erwachsenen Begleitung.
Neben den beiden Bären auf der Hochalm spielen drei liebreizende Kinder die Hauptrollen. Im Mittelpunkt steht die naturverbundene Clara (Ricarda Zimmerer), welche nicht nur morgens eine halbe Stunde früher zur Schule geht. Aber nicht um den Bus zu nehmen, sondern den Weg durch den Wald zu nehmen.
Als neuer Schulfreund kommt Thomas (Damian Hardung) von einem Züricher Heim für freche Jungs in Claras Klasse. Indes trifft Clara zu Hause auf dem abgelegenen Hof in Visionen auf die vor 200 Jahren lebenden Susanne (Rifka Fehr).

Regisseur Tobias Ineichen erzählt die Geschichte von CLARA UND DAS GEHEIMNIS DER BÄREN als stimmungsvoll intensive Erlebnisse zwischen Glücks- und Angstgefühlen. Neben der Märchengeschichte ist auch eine Auseinandersetzung im Schulunterricht möglich, beispielsweise über die Bedeutung von Sagen oder das Zusammenleben von Mensch und wilder Natur. Die Umgebung aus Bergen, Weiden und Wäldern wird von Michael Schreitel in wunderbaren Bildern und Kamerafahrten eingefangen. Statt Musik bestimmen natürliche Geräusche die behutsame Inszenierung und lassen den Zuschauer zusammen mit Clara durch die Landschaft träumen.
Dem gegenüber steht eine mystische, dunkle Vergangenheit – dramatisch inszeniert mit Feuer und Regen. Während zwei alte Frauen mit Katzen auf dem Arm von „Gaben“ und „dem Blick“ faseln und Clara für verrückt gehalten wird, stehen die Vaterfiguren als die Leidbringende und Mütter als Leidtragende da. Die Rettung liegt auf den Schultern der Kinder. Das Happy-End lässt in seiner Darstellung zu wünschen übrig. Wenn bereits die bösen Jungs als Sonnyboys herüberkommen, werden auch beim Showdown reale Gefahren verniedlicht. Spannend und verträumt, düster und niedlich – das sind die Gegensätze vom Geheimnis um die Bären auf der Schweizer Alm.

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Armut, Ehelosigkeit und Verzicht. Das sind die ursprünglichen Leitworte der Gründerin Helene von Bülow des Stifts Bethlehem zu Ludwigslust. Über hundert Jahre waren sie dies auch für engagierte Frauen, die sich dem Dienst Gottes in dieser Einrichtung verschrieben hatten.
Zwischen Mitte 60 bis Ende 80 sind die Diakonissen heute alt. Sie leben jetzt zusammen in einem außerhalb gelegenen Altenheim.
Beim Durchwandern der 1999 geschlossenen Kinderstation kommen bei den Schwestern viele Erinnerungen auf. Erinnerungen von schlaflosen Nächten, weinenden Kindern, Freude, Trauer und viele andere unterschiedlichste Emotionen. Die Gründe, warum die Schwestern meist schon in jungen Jahren dem Orden beigetreten sind, sind so vielseitig wie auch ihre Persönlichkeiten und Biografien. Die Veränderungen, die sich mit den Jahren getan haben, gehen auch an den Schwestern nicht spurlos vorbei…

Dieter Schumann hat unzählige Dokumentationen über norddeutsche und besonders mecklenburgische Besonderheiten inszeniert. Darunter Portraits von Menschen, Städten und eben auch Einrichtungen wie dem Stift Bethlehem Ludwigslust.
Mit einer bezaubernden Feinfühligkeit begleitet Dieter Schumann die Schwestern der Mecklenburger Anstalt durch ihren Alltag. Facettenreiche und intensive Detailaufnahmen hauchen dem Dokumentarfilm „Die Frauen Gottes – Die letzten Diakonissen von Mecklenburg“ eine freundliche Lebendigkeit und Leichtigkeit ein, die aber trotzdem nicht über die 150 Jahre alte Geschichte des Stifts vergessen lässt. Mit diesem 55-minütigen Beitrag ist Schumannn eine weitere charakteristische Darstellung gelungen.

Filmstill: Hanse TV GmbH Norddeutscher Rundfunk

Die Reihe TYPISCH! des Norddeutschen Rundfunks gewährt Einblick in den außergewöhnlichen Alltag dreier Norddeutscher. Heinz-Michael Krätzel ist DER NUSSKNACKERMANN (Regie: Grit Kokott). Er stellt in Heimarbeit gedrechselte und handbemalte Nussknacker her. Mit Kindern, Enkelkind, Hühnern, Kaninchen Wilma und seinem Motorrad wohnt er auf einem Gehöft nahe Wismar. Der Wismarer Weihnachtsmarkt ist das Highlight seines Jahres. Seine größte Attraktion: die Dekolletés der Nussknackerinnen.
Der ehemalige Zahnarzt Uwe Neumann wird in AUF DEN ZAHN GEFÜHLT (Regie: Matthias Vogler) bei der Vorbereitung einer Ausstellung in der Rostocker Kunsthalle begleitet. Als Leiter des Hauses organisiert er ein neues Kunst-Experiment, das sogenannte „Brainpainting“. Eine am ganzen Körper gelähmte Frau malt einzig und allein mit ihren Gehirnströmen, die von Elektroden am Kopf gemessen werden.
Als Dritter im Bunde der Mecklenburger Originale wird Eyke Düwel portraitiert. Der 60-Jährige ist einer der wenigen Fischer, die noch von Warnemünde aus auf Fang gehen. Die Kamera begleitet ihn in DE DÜWEL UN SIN KUTTER (Regie: Dagmar Ehlert) hinaus auf die Ostsee, zurück in den Hafen, zu einem Künstlerfreund und in seine Einzimmerwohnung. Emotional wird es, als der Fischer ein totes Schweinswalbaby im Netz hat.

Unikate wie diese machen den Norden aus. Wer kennt sie nicht: die örtlichen Querdenker, die Kreativen, die Tausendsassa, die Aussteiger, die Plattschnacker, die Stadtbekannten. Deren Geschichten erfährt man allerdings lieber an Dorfkiosken oder Kneipentischen.
Die drei 30-minütigen Portraits sind mehr oder weniger typisch (eher mehr) und mehr oder weniger spannend (eher weniger). Leichte Unterhaltung, die mehr für einen entspannten Fernsehabend auf dem heimischen Sofa als für einen anregenden Kinobesuch gemacht ist.

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Foto: 2013 Home Box Office, Inc.

HBO steht im Fernsehvolksmund für Originalität. Denn: die Produzenten des amerikanischen Privatsenders erkannten früh, dass TV-Dramen von ihrer Erzählstruktur eigentlich literarischen Werken näher sein müssten als filmischen. Demzufolge sollten einzelne Episoden mehr als „Kapitel“ eines Buches und weniger als verkürzte Spielfilme verstanden werden.
Ein neues Format wurde geboren: Anstatt dem Zuschauer eine regelmäßige, nahezu zusammenhangslose Alltagsflucht anzubieten, vertraute man ihm nun mit Serien wie „The Sopranos“ und „The Wire“, längere, geduldig erzählte Geschichten an, in die man nicht mittendrin einsteigen und kein Kapitel auslassen kann. Wurden die ersten Serien dieses Formats noch direkt fürs Fernsehen geschrieben, handelt es sich bei „Game of Thrones“ um die Dramatisierung einer bereits existierenden Buchreihe des amerikanischen Fantasy-Autors George R. R. Martin. In der Presse wird er zuweilen als „amerikanischer Tolkien“ bezeichnet. Was nicht heißt, dass man die Welt von Martins fiktivem Kontinent Westeros mit Tolkiens Mittelerde vergleichen kann. Bei Martin gibt es mehr Mittelalter als Magie. Seine Hauptfiguren sind menschlicher als Tolkiens. Sie haben Perversionen und mögen Toilettenhumor. Jeder von ihnen ist ein Außenseiter, der anfangs noch für seine Schwäche belächelt wird.

Dann finden sie sich plötzlich in einem von Intrigen und Kriegen zerfurchten Kontinent wieder, wo Schwächen schnell zu Waffen werden müssen. Jeder von ihnen ist in einem Netz aus Familienwerten, Religionen, Intrigen und heiklen Machtgleichgewichten gefangen, die derart kompliziert verwoben sind, dass niemand das gesamte Feld des namensgebenden „Spiels“ überblicken kann. Hier gibt es starrköpfige Könige, hinterlistige Kastraten, Schwertduelle, Meuchelmörder und große Schlachten – und was leichte Abendunterhaltung sein könnte, wird schnell zu einem großen, mittelalterlichen Machtepos.

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• Internetseite zur Serie
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Foto: Filmverleih im Nordseepark

Es gibt Dinge, die liebt man oder die hasst man. Til Schweiger, UGG-Boots, Marzipan, Die Band „Pur“, Mallorca, a cappella, Lakritz, Tattoos, Volksmusik, Neonfarben, die Zeitung „NEON“, Dialekte, Strass, Bauchnabelpiercings, Clowns, Pilze, Vokuhila, die BILD, Blondinenwitze, Helge Schneider, Cargohosen, Apple, Techno, Spinat, Tequila, Brustbehaarung, Campingurlaub, Pferde, Scooter, Dirty Dancing, Berlin, Umweltschutz, Sexismus, Mario Barth, Sonnenstudios, Ed Hardy, zu Guttenberg, Klatschmagazine, Bayern München, David Guetta, Kochsendungen, moderne Kunst, barfuß laufen, Club Mate, Yoko Ono, den Papst, Katzen, erwachsen werden, filmab! (nein Spaß, die lieben alle), Mathe, Moschus-Parfum, Charts, Kapitalismus, Family Guy, Jeans im Used-Look, Bubble Tea, Dieter Bohlen oder DIE RITTER DER KOKOSNUSS.

Wer sich durch diesen ersten Abschnitt bis hier hin gekämpft hat, wird die ähnlich verrückten Ritter der Kokosnuss lieben. Dieser Film ist die Kirsche auf dem Sahnehäubchen, auf der etwas größeren Kirsche auf dem noch größeren Sahnehäubchen, das einen riesigen Eisbecher aus absurdem Humor bedeckt. Jede einzelne Szene zergeht wie Pfirsicheis auf der Zunge. König Arthus (Graham Chapman) reist mit seinen Gefährten durch England, auf der Suche nach dem heiligen Gral. Leichter gesagt als getan: Schwierigkeiten von Monsterkarnickel bis Magier stellen sich ihnen in den Weg. Ein kleiner Auszug: „Was bitte seid ihr für ein Mann, dass ihr Feuer machen könnt, ohne Zunder und Feuerstein?“ – „Ich bin ein Zauberkünstler.“ – „Und unter welchem Namen kennt man euch?“ – „Es gibt ein paar Leute, die nennen mich (längere Pause) Tim.“ Was geschrieben nicht einmal annähernd so lustig wirkt, ist in Terry Jones und Terry Gilliams Klamaukklassiker ein Workout für die Lachmuskeln. Wer auf der Suche ist nach einer feingeistigen, intellektuellen Story mit traurigem Ende, das zum Nachdenken anregen soll, wird an „Die Ritter der Kokosnuss“ keinen Gefallen finden. Alle anderen schon.

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• Youtube-Kanal von MontyPython
• Facebook-Seite des Filmes
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Filmstill: Joseph Pierce

Eine gute Auswahl, befand Philip Ilson, Gründer und Leiter des London Short Film Festivals beim Filmtalk nach der Freitagsvorführung. Und ich bin ebenfalls restlos begeistert von sieben gezeigten Strefen. Dann fehlen mir noch sechs. Am Sonntag werde alle dreizehn Filme im Capitol gezeigt.
Zehn Jahre jung ist die Kurzfilmreihe in der britischen Metropole. Das Programm geht über zehn Tage und umfasst neben der Unmenge an britischen Short Cuts auch Konzerte, Workshops und Diverses mehr. “You could experience twenty things in the time it takes to watch The Hobbit. Take that, Bilbo!”, schrieb der Guardian Guide im Januar. Und im Allgemeinen weiß das i-D Magazine: “This is a festival not afraid to take creative risks and nurture new talent, something rarely seen in this age of austerity and conformity.”
Die kleine Auswahl vom Freitag war vielfältig. Angefangen bei der Geschichte eines leidenschaftlichen Sammlers, der zum Ursprung findet (The Collector) und kurzem, knackigem Humor über die Beziehung zwischen Kindern und Erwachsenen (Ollie). Oder die Chance, in Tom Moodys Kopf zu steigen, um seiner Motivation auf die Schliche zu kommen (I am Tom Moody). Unterbrochen von den häuslichen Sportübungen, die jeden Engländer olympiareif trainieren können (Walk Tall), wird sensibel die Sehnsucht einer Mutter auf Antworten inszeniert (Dylans Room) und abgeschlossen durch zwei bildlich gewagte Streifchen, welche jegliche Sprache durch Handlung und Geräusch entbehren. Ein Dinner entpuppt sich nur des kulinarischen Menüs wegen als große Kunst, sondern die zwischenmenschlichen Beziehungen ebenso (Le Grand Festin). Das schwarze-weiße Kopfkino einer Barkeeperin sucht übertrieben nach nach Klischees. Ob diese kleine Auswahl als “very british” gelabelt werden könne, wollte sich Philip Ilson nicht einschubladen lassen. Im Filmtalk antwortete er nur mit der Gegenfrage: “What is very German?”

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• Internetseite des London Shortfilm Festival
• Facebook-Auftritt des London Shortfilm Festival
• KF “Le grand festin”
• KF “The Pub”
• KF “Nitro Warrior”
• Trailer zum KF “The Pub”
• Trailer zum KF “I am tom moody”
• Trailer zum KF “Ollie”
• Trailer zum KF “The Bone Echo”
• Trailer zum KF “SoMe”
• Internetseite des KF “Walk Tall”
• Auf der Seite FKF MV
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Foto: Hoferichter & Jacobs GmbH

Über zehn Jahre auf ein Auto warten. Eine gefühlte Ewigkeit auf eine Wohnung. Nur selten eine Banane aus Kuba. Markenjeans galten als Kostbarkeit. Trotzdem gab es sie: die Konsumgüter, die das Leben angenehmer gestalteten. Dank den Mitarbeitern des Außenhandel konnten die DDR-Bürger einen besseren Lebensstandard erreichen.
Regisseur Lutz Pehnert gibt einen interessanten Einblick über die Geschichte und Arbeitsweise von Außenhandelsvertretern im Arbeiter- und Bauernstaat der DDR. Mit seinem 90-minütigen Dokumentarfilm DIE AUSSENHÄNDLER gibt er ein eindrucksvolles Zeugnis über die dunklen Machenschaften fernab sozialistischer Ideale. Zum Klinkenputzen reisten die Handelsvertreter um die ganze Welt, um internationale Wirtschaftsbeziehungen aufzubauen. Über Scheinfirmen wurden die Geschäfte abgewickelt, im Devisen-Poker war der offizielle Klassenfeind der beste Freund. Denn Devisen waren gefragt. Mit ihnen bezahlte die DDR wichtige Westimporte und Produktionsgüter.
Ausgewählte Zeitzeugen erzählen in DIE AUSSENHÄNDLER über ihre Erfahrungen als ehemalige Mitarbeiter des Ministeriums für Außenhandel (MAH). Untermalt werden diese Anekdoten mit historischen Bildaufnahmen. So erklärt Mittelsmann Gerhardt Ronneberg den DDR-Außenhandel am Beispiel des geheimen Toshiba-Kuhhandels: „Kein schriftlicher Vertrag. Ein mündlicher Vertrag, der der DDR 25 Millionen US-Dollar kostete und den wichtigen Anschluss an den Westen.“ Diese Geschäftsbeziehung ist exemplarisch dafür, wie Embargos umgangen wurden.
Mit ihren Tätigkeiten zwischen den Systemen war das MAH ein wesentlicher Bestandteil im Überleben der DDR. Denn obwohl der reale Sozialismus 1989 vor dem wirtschaftlichen Kollaps stand, verstanden es die Mitarbeiter, den Handel mit “kapitalistischen Methoden unter sozialistischen Bedingungen” zu führen.

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Filmstill: Moviecompany Warner Bros. Film Productions

Lutz (Christian Ulmen) ist Polizist, seit fast 7 Jahren. Bisher lief alles nach Vorschrift und einigermaßen nach Plan bei ihm. Gut, er kann Kaugummis nicht von Softgun-Patronen unterscheiden, er traut sich nicht über eine rote Ampel zu gehen und mit seinem Vater (Michael Gwisdek) hat er keinen Kontakt. Aber das ist ja nicht wesentlich. Schließlich hat Lutz Annette (Felicitas Woll) abbekommen: nett, hübsch und genauso in ihn verliebt wie er in sie. Was sollte einem Heiratsantrag noch im Wege stehen? Lutz nimmt sein Erspartes und ein paar selbstgezüchtete Angelwürmer in die Hand und kauft den Ring.
Mit der „Münchener Freiheit“ im Hintergrund und dem richtigen Moment, der sowieso nie kommt, will er sich auf der Betriebsfeier ein Herz nehmen. Und dann kommt Walther: „ Mein Vater war eigentlich nie da, wenn man ihn gebraucht hat. Nie. Aber immer, wenn man überhaupt nicht mit ihm gerechnet hatte, wenn es überhaupt nicht gepasst hat, im falschesten Augenblick – dann ist er wieder aufgetaucht, wie eine Fata Morgana, und hat alles kaputt gemacht.“

„Vater Morgana“ platzt vor Fremdschämen aus allen Nähten. Wie in „Das Lied in mir“ spielt Michael Gwisdek auch in diesem Film eine Vaterfigur, die für sein eigenes Kind nicht fataler sein könnte. Walther ist ein Trickser, ein Entertainer, doch langsam ergraut auch er. Peinlich berührt beobachtet man, wie Lutz in sein Unglück rennt und regelmäßig in seiner eigenen Tollpatschigkeit übertrifft. Diese Art von Rollen sind für Christian Ulmen durchaus bekannt, und mit Michael Gwisdek wird ihm ein passender Gegenspieler zur Seite gestellt. Eine Vater-Sohn-Beziehung, verbunden durch das Angeln, die verstorbene Mutter und all die gemeinsamen Unannehmlichkeiten.

Doch trotz all der Komik und Action vergisst Till Endemann keineswegs die ruhigen Momente. Ein wohltuender Soundtrack wertet den Film zusätzlich auf. Eine Komödie also, samt eines Konflikts, der nicht verstrickter sein könnte und des Rätsels Lösung es dennoch gibt.

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Foto: Filmakademie Baden-Württemberg GmbH

Wie viel wissen wir eigentlich über unsere Nachbarn? Fast täglich sehen wir sie, halten vielleicht mal die Tür auf und grüßen nett, bevor wir wieder unserer Wege gehen. Meistens. Nicht so der Protagonist des Kurzfilms DER NACHBAR.
Im Büro neben dem jungen Mann ist jemand Neues eingezogen. Angeblich habe „Harras“ ein ähnliches Geschäft wie seines, was den Bürokraten zu tiefergehenden Überlegungen treibt: Wofür braucht er die Küche, die es in meiner Wohnung nicht gibt? Wieso hat er es im Hausflur immer so eilig? Belauscht er mich heimlich beim Telefonieren? Wirbt er mir vielleicht meine Kunden ab, noch bevor ich den Hörer aufgelegt habe? Die Unwissenheit frisst die den Protagonisten innerlich auf. Anstatt mit dem Hausgenossen selbst in Kontakt zu treten, beginnt die Schnüffelei nach Anhaltspunkten zur Identität des Gegenübers. Aber verschafft sie Befriedigung?

Nach der Vorlage der gleichnamigen Kurzgeschichte von Franz Kafka nimmt uns Regisseurin Caroline Reucker mit auf einen Seelentrip der Paranoia. Sie kehrt das Innerste des Protagonisten nach außen, wobei die ungeheure Distanz gewahrt wird. Nach neun Minuten ist immer noch ungewiss, wie der beschriebene Mann heißt, ob er Familie hat oder was er macht, wenn er nicht spioniert. Charakteristisch und passend zur Schreibe des Autors findet man das Schreckliche im Alltäglichen. Passend dazu sind die bizarren Momentaufnahmen, bei denen sich – ganz kafkaesk – Trivialitäten zu Gedankenraserei verwandeln. Durch sehr wenig Schnitte und die ruhige Kameraführung entsteht eine insgesamt beklemmende Atmosphäre. Bleibt nur zu hoffen, dass das Verhalten der Hauptfigur nicht auf mich überschlägt und ich beim Gang auf den Flur nicht vollkommen ausraste.

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Foto: Neue Visionen Filmverleih GmbH

Eine Geschichte von Hoffnung. Hoffnung auf vieles: Auf Freundschaft. Auf Besserung. Auf das Erwachsensein. Und auf das Geliebtwerden.
Für den Sommer wird die 13-jährige Melanie (Melanie Lenz) von ihrer Mutter für vier Wochen in ein Diätcamp gesteckt. So wie auch etwa 30 andere übergewichtige Jugendliche. Mit Disziplin, Gehorsam, Sport und Spiel sollen die Kilos purzeln und das Selbstbewusstsein gestärkt werden. Währenddessen ist ihre Mutter allein in Kenia. Zunächst fühlt sich Melanie ein wenig allein gelassen, doch schnell entwickelt sich eine angenehme Gruppendynamik. Aus den zunächst aussichtslosen Wochen wird eine Zeit der neuen Erfahrungen, des Austestens eigener Grenzen, immer voll von Spaß und Lebensfreude. Als Melanie sich in einen vierzig Jahre älteren Arzt (Joseph Lorenz) verliebt und sich eine seltsame Beziehung zwischen den beiden entwickelt, scheint ihr die Situation zu entgleiten.

„Paradies: Hoffnung“ passt sich perfekt in die Trilogie Glaube-Liebe-Hoffnung des österreichischen Filmemachers Ulrich Seidls ein. Seidl arbeitet wieder mit klaren, unverzerrten, eindrucksstarken und ungeschönten Bildern. Es könnte fast ein Dokumentarfilm sein, die Schauspieler kommen in der Umsetzung vieler Szenen unglaublich authentisch herüber. Die gesamte Inszenierung wirkt sehr natürlich. Seidls bewegende Aufnahmen geben dem Zuschauer in fast allen Momenten das Gefühl einer überspitzten Realität. Eine Realität, für die man sich schämen möchte. Die vorherrschenden Gedanken sind: Das gehört hier nicht hin, so darf das doch nicht sein! „Paradies: Hoffnung“ ist ein Rausch von verwirrenden Gefühlen, der das Publikum so schnell nicht wieder loslässt.

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Foto: Barbara Marheineke

Beim Kurzfilm „Grünes Gold“ handelt es sich allerdings um eine sogenannte „Mockumentary“, eine Schöpfung aus den englischen Wörtern „mock“ (vortäuschen, verspotten) und „documentary“ (Dokumentarfilm).
Im feinsten Dokumentarstil beleuchtet Barbara Marheineke die Entdeckung einer neuen, „grünen“ Energiequelle Ende der 80er Jahre und deckt auf, wie diese zur vermeintlichen Triebfeder der amerikanischen Außenpolitik mit drei Irakkriegen innerhalb der letzten 20 Jahre wurde.
Mit Spaß an stilistischen Wechseln wird hier die Geschichte um die Erforschung vom „grünen Gold“ mit Film- und Trickszenen sowie Anspielungen auf Fernsehserien und -sendungen erzählt. Zufällig Beteiligte der ersten Stunde kommen ebenso zu Wort wie Wissenschaftler verschiedener Institute und Akteure der politischen Ebene. Neu kommentierte oder leicht manipulierte Szenen, teils aus Nachrichtenbildern, stellen eine Verbindung mit unserem bisherigen Geschichtsverständnis her und beleuchten die vermeintliche Wahrheit.

Dem Zuschauer wird anhand des traurigen Schicksals des Mädchens Alma, ihrer Familie und Dorfgemeinschaft, die in die Mühlen eines globalen Megatrends geraten, auch die Bedeutung für die Menschen in der Region verdeutlicht. Auch wenn in „Grünes Gold“ nicht über wirkliche Geschehnisse berichtet wird, so zeigt er doch deutlich, wie rücksichtslos und von Eigeninteresse gesteuert die „Erste Welt“ in die Lebensgrundlagen der lokalen Bevölkerung eingreift und diese nachhaltig verändert oder sogar zerstört. Wo der Film endet, kann das Publikum weiterdenken und handeln, damit Ressourcen nachhaltig genutzt werden, statt mit größtmöglichem Profit, Effektivität und teils tödlicher Effizienz den Gesetzen des Kapitalismus gehorchen.

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Foto: filmschaft maas & füllmich und Nominal Film

Ernsthaft: Ich kann nicht mehr. Ich weiß, eure Mütter sind stolz auf euch. Ich weiß, es geht nichts über Multikulti-Romanze, als deutschen Mädchen das Wodkatrinken beizubringen. Ich weiß, dass sich die Zunge hin und wieder daran erinnert, dass man das R auch rollen kann. Hierüber habt ihr lange bei nächtlicher Stille nachgedacht und die ordentlich gepflasterten Straßen Berlins mit euren sinnsuchenden Blicken durchbohrt. Euch hat das alles gequält! Ihr habt das nie akzeptiert!
In einer dieser Nächte habt ihr dann verstanden, dass alles einfach sein kann. Dass man eure zwei so unterschiedlichen Hirnhälften lediglich zusammenfügen muss, um einen vollständigen Künstlerkopf zu haben. In ihm ergibt plötzlich alles Sinn: in ihm tanzen Heine und Puschkin abwechselnd Walzer und Polka. Hier fließt sowohl Bier als auch Wodka, er kann gleichermaßen gut nachdenken und размышлять.

Das ist eine lobenswerte Erkenntnis und vom Erkennen zum Erschaffen ist der Weg dann nicht mehr weit. Doch falls dieses Schaffen ernstgenommen werden soll, hier ein kleiner Tipp: Redet mit euren Zuschauern nicht so, wie ich es gerade mit euch tue. Es fühlt sich nämlich seltsam an. Es fühlt sich an, als würde irgendein arroganter Fremder sich zu euch herablassen und sehr langsam sprechen, damit ihr auch alles versteht. Bei diesem Fremden heißen georgische Gangster Georgij. Deutsche Bürger besitzen Bierbrauereien. Kunstprofessoren haben Hüte und lange Haare. Selbstverliebte Künstler sind sehr reich und sehen sehr schmierig aus. Balalaika. Wodka. Pelmeni. Ushanka-Mützen. Ein sibirischer Junge, der sich zum Nachdenken (!) in einer Kühlkammer (!!) verkriecht, weil er sich dort wie zu Hause fühlt (!!!). Küsse zu Klaviermusik. Habt ihr es verstanden? Habt ihr verstanden, was ich euch damit sagen will? Okay. Dann hör ich auf – war ja auch ein wenig respektlos euch gegenüber. Reicht nun ja auch langsam.

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Foto: Helene Timm

Willkommen in Schwerin! Seid ihr gut hergekommen?
Elias: Komfortabel sind wir mit der Deutschen Bahn angereist. Auch wenn sich die Leute über unsere Fahrräder aufregen.

Ist das Kilometerfressen angenehm oder anstrengend?
Elias: Für mich ist es im Sommer richtig gut, viel zu reisen, vieles zu erleben. Unter der Bedingung, im Winter eine Möglichkeit zu haben, sich zurückzuziehen. Im Grunde genommen hat das nichts mit den Jahreszeiten zu tun, aber in Deutschland passt es gut, dass du eine schöne warme Zeit hast, in der du entspannt mal draußen schlafen kannst und viel erlebst. Danach brauchst du Zeit, wo du das verarbeiten kannst. Sonst bringt dir das auch nichts.

Also ist der Sommer zum Touren da und der Winter zum Reflektieren?
Elias: Genau. Zumindeste läuft es zurzeit ziemlich strikt getrennt.

Könnt ihr das Gefühl von Freiheit, welches im Film reflektiert wird, auch in Worte fassen?
Elias: Ich weiß nicht, ob ich das Gefühl in Worte fassen kann. Ich kann sagen, dass ich und Luis wahrscheinlich auch eine große Sehnsucht nach Freiheit haben, nach Selbstbestimmung und danach, etwas machen zu können, was wir lieben. Um uns auszuprobieren, uns nicht von irgendwelchen Grenzen stören zu lassen. Vielleicht ist es dieses Freiheitsgefühl, das im Film rüberkommt.

Was steht euch am häufigsten im Weg oder gefährdet euch darin?
Elias: Zum Teil natürlich die Ordnungshüter und alle möglichen Menschen, die dafür sorgen, dass irgendwas immer in der selben Bahn bleibt wie es immer läuft. Deren Grundlage ist die Engstirnigkeit der Menschen, die Angst, das Sicherheitsbedürfnis und der Trugschluss, dass man überall Grenzen baut und Gesetze schafft und den Menschen keine Verantwortung für sich und ihre Umwelt zutraut.
Wir haben keine Kultur des Friedens und der Freiheit. Sondern eher eine, die aus Konflikt und Autorität besteht, aus Hierarchie. Es gibt immer irgendwelche Leute, die dir sagen können, was du darfst und was nicht. Und du musst dich an alles halten. Das ist eine Sache, die uns immer wieder passiert. Wir müssen selbst aufpassen, dass wir nicht das Gefühl haben, irgendwie was Verbotenes zu machen. Denn wir tun ja nichts Verbotenes. Wir schaden keinem Menschen.

Ihr definiert also eure Freiheit über die Grenzen der Gesellschaft, die ihr vorfindet, damit ihr sie überschreiten könnt?
Luis: Ich glaube nicht, dass das die Freiheit definiert. Freiheit wird eigentlich durch ganz natürliche Sachen definiert. Ich finde, man merkt auf jeden Fall die Unfreiheit an der Grenze.
Elias: Wenn du das ein bisschen verlässt, heißt es nicht unbedingt: Du bist frei, sofort. Du hast erstmal das Gefühl, du machst was, was nicht erlaubt ist, und dabei merkst du, wie unfrei du teilweise bist. Man kann sich im Käfig frei fühlen. Wann du dich frei fühlst, das ist wahrscheinlich bei jedem Menschen anders. Die Musik ist für mich ein bisschen Flucht.

Weil in der Kunst alles erlaubt ist? Ist da der Freiraum, den man nutzen kann?
Elias: Ja. Und Sehnsüchte, um darüber zu schreiben.

Im Film tragt ihr eure Stadtstationen in eine Landkarte ein. Habt ihr die noch parat?
Elias: Ich glaube, nicht mehr. Ich weiß ehrlich gesagt gar nicht mehr, was aus der geworden ist. Das hat schon mit diesem Lebensstil zu tun, dass manche Sachen einfach irgendwann nicht mehr existieren. Wir haben ständig das Gefühl, viel zu viel zu besitzen. Das engt einen ein und belastet.

Muss man ja auch mitschleppen.
Elias: Genau. Gerade ohne Wohnung ist es besser, weniger Zeug zu haben. Deswegen sieht das so aus.

Habt ihr beim Leben unter freien Himmel etwas über Wolken gelernt? Zum Beispiel zu erkennen und wissen, wann man sich unterstellen sollte?
Elias: Das ist mal eine gute Frage, aber leider haben wir nix gelernt. Eigentlich überrascht uns der Regen nach wie vor.

Im Film begegnen euch Füchse. Musstet ihr euch mit noch mehr Stadttieren auseinandersetzen?
Luis: Joa, geht gerade los. Über Wildschweine haben wir etwas gelernt, als wir eine Insel in Berlin besetzen wollten. Wildschweine hatten sich dort niedergelassen, deswegen hatten wir jetzt Kontakt mit ihnen und ihren Frischlingen.
Elias: Ich habe auch große Angst vor Wildschweinen. Und gelernt haben wir, dass sich die Wildschweine doll vermehrt haben durch die Jagd. Meistens werden Leitbachen geschossen, welche die Vermehrung aber kontrollieren sollen. Wenn sie weg sind, vermehren sich die anderen stärker. Das ist das volle Chaos.

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• Unser Bericht zum Film
• Internetseite des Films
• Blog der Band Guaia Guaia
• Videoschnippsel der Performance während des FKF (auf Facebook)
• Im filmab! Magazin lesen

Hier die Ausgabe als PDF herunterladen.

Übrigens liegen zwischen dem 30. April und 5. Mai jeweils ab dem frühen Nachmittag an folgenden Orten in Schwerin die Zeitungen aus:

• Capitol
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• Stadtkrug
• Schweriner Höfe

Filmstill: Franziska Kabisch

Eine Null. Eine Eins. Eine Zahl. Ein Buchstabe. Ein Wort. Zwei Wörter. Eine Wortgruppe. Ein Hauptsatz. Ein Nebensatz. Eine Aufzählung. Ein Komma. Ein Punkt. Ein Ausrufezeichen. Ein Fragezeichen? Die Gesamtheit der täglichen Erlebnisse können nicht gänzlich durch Wörter definiert werden. Man kann eine Abbildung unter verschiedenen Aspekten betrachten. Einer benennt einen leckeren Pfannkuchen mit Blaubeeren als einen „American Pan Cake mit Blue Berry“. Oder als gigantische Kalorienbomben mit “500 Kalorien pro Stück”. Oder man denkt an die späteren Folgen: “Nach dem Essen Zähne putzen nicht vergessen”.

Die Uraufführung des vierminütigen Streifens “EIN FILM” aus der Feder der Hamburger Künstlerin Franziska Kabisch projiziert eine kontroverse Sinfonie verschiedenster Definitionen und verpackt sie in eine vielschichtige Bildsprache. Es sind die Perspektiven und deren Interpretationsmöglichkeiten, die die Handlung erlebbar machen und nicht die Wörter. Eine im ersten Blick willkürliche Mischung diverser Fotografien und Illustrationen schafft die Grundlage eines facettenreichen Bilderparadieses. Der Tower of London, der Big Ben, der Eiffelturm, die Freiheitsstatue oder das Kolosseum wären ohne Bilder nur schwer vorstellbar. Die einflussreiche Macht der Bilder nutzen auch professionelle Mediengestalter für verkaufsfördernde Werbemaßnahmen aus. Einfach erlärt erweisen sich Bilder als starkes kommunikatives Ausdrucksmittel im Vergleich zu umfangreichen, schwerfälligen Texten. Am Ende bleibt ein verführerisches Spiel der Sinne.

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• Informationsseite zum Filmprojekt
• Auf der Seite FKF MV
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Foto: mm filmpresse

Die 17-jährige Sascha (Jasna Fritzi Bauer) hat zwei Ziele. Erstens: Ein Buch über ihre verstorbene Mutter schreiben. Arbeitstitel: „Die Geschichte einer hirnlosen, rothaarigen Frau, die noch leben würde, wenn sie auf ihre kluge älteste Tochter gehört hätte“ Und zweitens: Sie will ihren Stiefvater Vadim umbringen.
Mit ihren zwei Geschwistern und ihrer Tante wohnt sie in einem Plattenbaukomplex am Scherbenpark. Sie und ihr kleiner Bruder werden von der örtlichen Jugendgang terrorisiert, ihre Tante spricht kaum Deutsch, die Mutter ist tot, der Stiefvater ist im Knast, den leiblichen Vater kennt sie nicht – klingt schwer nach Sozialdrama. Tatsächlich ist SCHERBENPARK aber ungewöhnlich unterhaltsam für eine Milieustudie einer Spätaussiedler-Familie in einem sozialen Brennpunkt. Sascha gibt sich abgebrüht, so schnell tut ihr niemand mehr weh. Doch als sie in einem Zeitungsartikel entdeckt, wie ihr Stiefvater Vadim als einfühlsam und voll von Reue beschrieben wird, passt ihr das so gar nicht in den Kram. Der zuständige Redakteur Volker (Ulrich Noethen) zeigt wider Erwarten Mitgefühl und nimmt Sascha kurzerhand bei sich und seinem 16-jährigen Sohn Felix (Max Hegewald) auf. Es entsteht eine Dreiecks-(Liebes)-geschichte – nicht nur zwischen den Protagonisten, sondern auch innerhalb der zwei Welten, zwischen denen Sascha nun pendelt. Aber Sascha muss erkennen, dass auch Volkers Familie nicht so heil und perfekt ist, wie sie dachte. Ihre Fassade als abgeklärte junge Erwachsene beginnt zu bröckeln, bis die Situation schließlich eskaliert.

Regisseurin Bettina Blümer porträtiert mit großartigen Schauspielern die Geschichte (basierend auf der Romanvorlage von Alina Bronsky) eines starken jungen Mädchens, das versucht, sich mit seinem Schicksal zu arrangieren. Auch wenn die verschiedenen Beziehungskisten teilweise vorhersehbar sind: ein kurzweiliges Skript, die brisante Thematik und bissige Dialoge garantieren gute Unterhaltung zum Mit-und Nachdenken. SCHERBENPARK verfolgt den Zuschauer noch nach dem Abspann.

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Foto: Wie das Binnenmeer

Das endlose Gefühl von Freiheit, wenn man seinen Kopf aus dem Fenster eines fahrenden Wagens streckt und ganz laut „Wooohoo!“ schreit. Wenn man stundenlang auf ein Binnenmeer (zum Beispiel die Ostsee) starrt und das Gefühl hat, man könnte einfach wegschwimmen. Wenn man ohne Plan und Ziel drauflos reist und mal wirklich den Moment genießt.
Eben diese Augenblicke erleben zwei beste Freunde auf dem Weg nach Polen. Wie sie dahin gelangen? Eigentlich war für den zurückhaltenden Simon (Jonas Minthe) der Lebensweg schon geebnet: Nach dem Abi soll er nun studieren und das Autohaus seines Vaters übernehmen. Doch die Weste des Autoverkäufers scheint ihm – wortwörtlich – nicht zu passen. Gemeinsam mit Rebell Paul (Jonas Trostorf) klauen sie einen alten, roten Flitzer von Papas (Michael Gerlinger) Firmengelände und begeben sich auf die Reise – wohl eher zu sich selbst, als an einen bestimmten Ort. Zwischen durchgeknallter Ökofamilie und dem Haus von Simons Oma lassen sie sich wie von einer sanften Ostseebrise treiben.

WIE DAS BINNENMEER erzählt eine typische Roadmovie-Geschichte, aber mit großartig atmosphärischen Bildern. Durch den großartigen Soundtrack sind viele Sequenzen Seh- und Hörgenuss zur gleichen Zeit. Regisseur Andreas Hyronimus und Kameramann Stephan Buske beweisen gleichermaßen Talent. Tolle Kamerafahrten von Momenten, bei denen man selbst Fernweh bekommt. Dieser Film überzeugt durch eine außergewöhnlich gute Machart. Wermutstropfen: Die Rolle des Paul wirkt nicht besonders authentisch. Das Ende mancher Szenen ist vorhersehbar. Aber vielleicht ist auch gerade das der Grund, warum man sich diese 60 Minuten immer und immer wieder angucken kann – wie ein heiterer, leichter Sommerwind, der vom Auge bis zum Ohr weht.

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Foto: Nick Pastucha

Ein bisschen schmunzeln muss ich die 90 Minuten lang schon. Dabei scheint Filme schauen als Hobby ein bisschen langweilig zu sein gegenüber Live-Rollenspielen. Ein guter Film wird sicherlich von mehr als 10.000 Menschen angesehen werden, und ins Kino gehen die Menschen sicher nicht nur mehr wegen Ton und Bild. Sondern weil im Saal eine Stimmung herrscht, ein Gefühl entsteht, das einen mit den anderen Zuschauern verbinden kann. Ähnliches verbindet die fünf Protagonisten in “Wochenendkrieger”.
In Andreas Geigers Dokumentation vom Showdown bei Brokeloh, einem 300-Seelen-Dorf in Niedersachsen, wird das Ende der gefürchteten „Aniesha Fey“, der „Herrin der Leere“ eingefangen. Und damit auch die Verwandlung der Rolle genauso wie die Wendung des Schicksals vom Land “Mythodea”.
Stell dir vor, du liest ein Buch und kannst selbst entscheiden, wie es weitergeht. Mit diesem und weiteren Vergleichen bringt Chris, die Frau hinter „Aniesha Fey” und eigentlich Lehrerin aus Tübingen, ihre Faszination uns Zuschauern nahe. Ihre Mitstreiter verwandeln sich ebenso vom Montagearbeiter oder Sekretär in der Woche zu Kriegern, Schurken oder Magiern am Wochenende. Und erzählen von ihrer Motivation, ihre Freizeit mit Kostümen, Masken, fantastischen Märchen und Schauspielerei zu füllen. So philosophieren sie über Figuren, die sie noch spielen könnten und schwärmen von Details ihrer bisherigen Charaktere. Und stellen ganz persönlich dar, welche Kompetenzen sie vom Spiel mit in ihr Leben und ihre Berufe nehmen.
Man muss dieses Hobby nicht mit ihnen teilen und wird auch nicht dazu verführt. Aber „Wochenendkrieger“ schafft es, eine außergewöhnliche Kultur zu portraitieren, in ihr eine Kunst zu sehen und über Mensch und Gesellschaft zu diskutieren.

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Foto: Daniel Focke

DIE 8 CORGYS DER QUEEN. Wir sitzen bei Kerzenlicht im “Klangwert” in der Friedrichstraße und hören Geschichten von englischen Bars, englischem Bier und englischen Fußballern. Geschrieben von einem Autor, der noch nie in England war. Wir sind auf einer Lesung eines Autors, der sogar in einer dieser Stories ganz genau thematisiert, warum er Lesungen nicht mag. Diese Beistelltischchen, diese Rednerpulte, diese thematisierte, einleitende Moderation – gefällt ihm alles nicht. Alles ist auf ebendiese Lesung im „Klangwert“ zutreffend.

Ein Freund des Güstrower Autors Andreas Hyronimus – Vater von Andreas Hyronimus junior, Regisseur von “Wie das Binnenmeer” – liest zwei Short Stories aus dessen Buch “Stationen einer Flucht”, erst holprig dann betonter. Zumindest Hyronimus lacht an den richtigen Stellen. In der anschließenden Fragerunde wird der Autor gesprächiger. “Mir geht’s um Unterhaltung. Es gibt zwei Dinge, die ich gerne mag: Nachdenken und Lachen. Deshalb hab ich das so gemacht.” Das “So-Machen” resultiert in Pub-Geschichten mit Phrasen wie: “Und Rousseau gibt mir ein Pint aus.” Der Hauptcharakter, Journalist Ernie Idler, rangelt sich durch Sauf-Geschichten und allerlei Kurioses, trifft in Pubs den englischen Fußballer George Best und prügelt sich. Die Kurzgeschichten bestehen dabei größtenteils aus Dialogen, die sich schwierig auf Lesungen realisieren lassen – auch das gibt Hyronimus zu. Der Lesestoff passt wenigstens inhaltlich zum Gastland Großbritannien und wurde laut Veranstalter “extra ausgesucht wegen der England-Geschichte”.

Spannendster Teil des Abends: Das flackernde Kerzenlicht im “Klangwert” lodert gefährlich nah am Klavier. Da könnte man doch auch eine Story draus machen (bitte nicht). Die anderthalb Stunden, die wir im “Klangwert” saßen, hätte ich lieber Pints trinkend im Pub verbracht. Auch ohne George Best und Rousseau.

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Foto: Kairos Filmverleih

Der Debütfilm der schottischen Regisseurin Lynne Ramsay („We need to talk about Kevin“) lockt uns in das Glasgow der siebziger Jahre. In diesen Straßen fressen sich Ratten durch prall gefüllte, schwarze Müllsäcke, die in Haufen über die ganze Stadt verteilt sind. Die Müllarbeiter streiken – deshalb sind die Säcke immer da, wachsen wie Gebüsch aus dem Boden. Sie sind die Natur. In dieser Natur kommen die Ratten ans Licht und laden dazu ein, genau wie sie zu sein. Die Straßen sind grau. Die Ratten sind grau. Wer mit ihnen zusammenleben muss, kann sich seine Farbe nicht aussuchen.

Ramsay erschafft in „Ratcatcher“ eine düstere, aussichtslose Reagenzglas-Realität und infiziert sie mit einer grauen Seuche, die sich bereits in die tiefsten Ecken des Bewusstseins eingefressen hat. Meisterhaft durchbricht sie die belehrenden Begrenzungen einer Milieustudie und konzentriert sich ehrlich auf den 12 Jahre alten, von Schuldgefühlen zerfressenen James (William Eadie). Seine Schuld liegt im grauen Wasser eines Baches. Hier trifft er auch ein älteres Mädchen, mit dem er sich anfreundet. Sogar sein alkoholsüchtiger Vater wird kurzzeitig zum Helden – an eben diesem Fluss. Die einzig ehrlichen Emotionen der Stadt entspringen scheinbar aus dessen grauem, gleichgültigem Wasser. Die Menschen geben diese Emotionen wie eine Seuche weiter – aber nicht mit Worten, sondern mit Berührungen. Ramsay zeigt uns diese winzigen Berührungen anstatt großer Konflikte. Die Hand des kleinen Helden streicht über eine Wunde, oder eine Wand. Die Hand seiner Mutter kratzt ihm mit einem Kamm Läuse aus dem Haar. Die Geräusche dieser Berührungen werden so minutiös aufgezeichnet, dass man sie zuweilen selbst zu spüren glaubt.
Ihre Berührungen sind stets unangenehm zu beobachten und zu belauschen, doch viel mehr haben diese Helden nicht. Man muss sich berühren – egal vor wem, wie stark, wie sinnlos oder brutal. Denn Gefühle kommen aus einem grauen Fluss, und Hoffnung wird gemeinsam mit den Ratten gefangen.

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Filmstill: David M. Lorenz

“In der U-Bahn 10 Euro machen, zum Dealer fahren, Heroin holen, auf Cityklo 20 Minuten dasitzen, eben was zu essen holen, dann wieder auf die U-Bahn, 10 Euro machen, also immer eigentlich das Gleiche.” Monologe, denen wir zuhören können, wenn wir Nicole Y. im Berliner Nahverkehr begleiten. Das Leben der jungen Frau dreht sich um die Suche nach bedingungsloser Freiheit, Geborgenheit, Sicherheit und nach den nächsten Schuss. Die Mutter eines Kindes hat einst im großen Stil Drogen verkauft. Die grausame Liebe zu ihrem gewalttätigen Mann zog sie in ein dunkles, verhängnisvolles Loch des Verderbens. Seit einem Jahr ist sie clean. Nicole ist nicht asozial, sie kommt nicht aus einen schlechten Familienhaus. Ihre Biografie und ihre persönliche Sicht auf eben diese bilden die Grundlage für eine exklusive Charakterstudie inmitten unserer erfolgsorientierten Gesellschaft, in der gefallene Engel schnell vergessen werden.

Als Point-of-View-Experiment der besonderen Art bringt der 13-minütige Kurzdokumentarfilm “Entschuldigen Sie bitte die kurze Störung” auf den Punkt, welche schrecklichen Abgründe sich hinter grober Ignoranz und fehlender Wertschätzung verbergen. Im Stile einer “versteckten Kamera” gelingt es dem Freiburger Regisseur David M. Lorenz, einen ungetrübten, wahren Blick über die unterschiedlichen Reaktionen der Mitmenschen zu erhaschen, denen Nicole wieder und wieder mit den gleichen Worten die Obdachlosenzeitung “Straßenfeger” anbietet. Wie schweigende Lämmer verharren sie auf ihren Sitzen. Wir leben in einer Gesellschaft der Selbstsucht und des Eigennutzes. Verschenken tun wir ungern. Und wenn, dann nur die, die selber wenig haben, wie Nicole aus eigener Erfahrung berichtet: “Reiche Leute geben gar nichts, weil die denken, die wären etwas besseres und wir sind Abschaum.“

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Filmstill: HFF Festivals & Distribution

Friedrichshain in Berlin, Nele (Daniela Schulz) kommt gerade aus der Universität, geht einkaufen. Neben ihr packt eine junge Frau die Müslitüte unter die Jacke. In der Nacht hilft Nele dieser Frau dabei, ihre Containerbeute ein Stück zu tragen. Sie heißt Rona (Amelie Kiefer). „Ich wäre schon gerne mitgegangen”, überlegt sich Nele zu Hause im Bett. Also heftet sie sich bei der nächsten Gelegenheit an Ronas Fersen, welche ab und an eine Komplizin benötigt. Bald findet sie sich um Häuserecken rennend wieder.
Regisseurin Silvia Chiogna nimmt sich die bunten Klischees des Berliner Szeneviertels und setzt zwei Frauen hinein. Mit der Architekturstudentin Nele beackert sie das träumerische Thema Freiheit, indem das Duo immer wieder mit Normen und Konventionen bricht. Zwischen Punks und Straßenmusikern, welche alle auf ihre eigenen kreativen Ideen kommen, um sich über die Runden zu schleichen, wirken all die kleinen Taten allerdings nicht rebellisch, sondern bedürftig. Während Nele über den Mut und die Chuzpe von Rona sinnt, kommt sie nicht aus ihrem Tourismus am Rande einer Großstadtgesellschaft heraus. Sie schaut zu und trifft keine spontanen Entscheidungen – während es aber Rona mehr um die Fragen von Nähe und Freundschaft geht, an denen sie im turbulenten Stadttreiben meistens nur vorbeigeht.
Interessante Sätze findet Nele immer wieder, um ihre Umgebung zu analysieren. Ansonsten kommen die Handlungen und besonders die Entwicklung der beiden Frauen angenehmerweise ohne viel Text aus. Dabei spielt die Akustik eine große Rolle. Sicher war es nicht ungewollt, dass ich mehrmals über 10 Minuten hinweg gestört und verwirrt meine Kopfhörer kontrollieren musste, ehe sich die Geschichte überschlägt und der Ton zusammenbricht. Wie gut, dass es eine kleine Straßenband gibt, welche alles – Stimmung, Handlung, Film – schwungvoll rettet. Denn kurz rezensiert: „Rona & Nele“ guckt sich nett weg.

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Foto: credofilm & NDR

Stellen Sie sich vor, Sie wachen mitten in der Nacht auf. Überall ist Rauch. Sie versuchen aufzustehen, haben das Gefühl zu ersticken. Kurz darauf stürzen sie kopfüber aus dem dritten Stock. Genauso erging es Hava Arslan im Jahre 1992 in der Kleinstadt Mölln in Schleswig-Holstein. Mit ihr in den Flammen gefangen: ihre Familie. Der damals siebenjährige Sohn schaffte es noch, sich aus dem Wohnhaus zu befreien. Für die zehnjährige Tochter Yeliz, die Schwiegermutter und die 14-jährige Nichte Ayse war es jedoch zu spät. Sie starben allesamt an einer Rauchvergiftung.
Eine Albtraumvorstellung. Die Angst einer jeden Mutter, eines jeden Vaters, eines jeden Bruders. Kurz: die eines jeden Menschen. Aber was, wenn sich dann herausstellt, dass dies kein Unfall war? Dass zwei jugendliche Neonazis mit Absicht gemordet haben?

In dem Dokumentarfilm „Nach dem Brand“ der diesjährigen Vielfalts-Preisträgerin Malou Berlin wird der genaue Vorgang dieser grauenvollen Nacht auf den 23. November 1992 ausführlich besprochen. Viel mehr Raum aber nimmt die Frage ein, wie die einzelnen Familienmitglieder und Beteiligten mit diesem Verlust umgehen. Und besonders mit dem Hass und der Fremdenfeindlichkeit, die ihnen gegenüber laut wurde. Auch heute noch werden sie in ihrem täglichen Leben von Traumata und Schlaflosigkeit geplagt. Jährlich trifft sich die Familie Arslan mit Freunden und Betroffenen zum Gedenken. Jedes Mal ist es eine Reise in die Vergangenheit, die Trauer, Tränen und den Verlust von drei Menschen auf ein Neues in die Gegenwart zurückholt.
Mit „Nach dem Brand“ hat die Welt der Dokumentarfilme ein Werk dazugewonnen, das ein tragisches Geschehen nicht nur faktenartig wiedergibt. Sondern das anklagt, hinterfragt und gekonnt feinfühlig mit den Gefühlen und Gedanken der Beteiligten arbeitet. Trotzdem bleiben Fragen offen, es wird nicht überall Licht in den Schatten dieser rassistischen Tat gebracht.

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Foto: Lichtblick Media

Sandra Kaudelka produzierte drei Filme über die letzten Jahre, aber keiner ist so eng mit ihrer eigenen Geschichte verflochten wie „Einzelkämpfer“. 93 Minuten portraitiert sie ihre Vorbilder von damals, die ihr nun auf Augenhöhe und ähnlichen Erfahrungen begegnen. Kaudelka selbst war Turmspringerin und besuchte eine Sportschule in der DDR. 1989 gewann sie noch einmal die DDR-Meisterschaften, bevor ihr Albtraum schließlich endete.
Kaudelka und andere Athleten hat der Leistungssport enorm geprägt: Er ermöglichte ihnen nicht nur ferne Reisen in bis zu 36 Länder, Jubel und Medaillen, Schweiß und Segen und so manche Verletzung, die teilweise bis heute schmerzhafte Folgen hat. Marita Kochs Rekorde im 200- und 400-Meter-Lauf sind seit knapp 30 Jahren unangetastet. Udo Beyer, der charismatische Riese und Kugelstoßer, stellte drei Weltrekorde auf. Insgesamt vier von seinen sechs Geschwistern haben an den Olympischen Spielen teilgenommen. „Leistungssport in der DDR war Kapitalismus im Sozialismus“, erzählt Beyer rückblickend. Damals nahm er nur wahr, wie weit er die Kugel stieß. Geld gab es für Erfolg, und der maß sich an den sportlichen und schulischen Leistungen.

1989 endeten ihre Karrieren abrupt. Für die Sprinterin Ines Geipel war es sogar schon 1984 aus, da die Stasi ihre Fluchtpläne aufdeckte. Heute lebt und arbeitet sie in Berlin als Schriftstellerin und Professorin an der Ernst-Busch-Schule in Berlin. Kaum einer vermutet die Protagonisten dort, wo sie jetzt sind: außerhalb des Sports. Wo sich doch noch Millionen Menschen an ihre Namen erinnern können. Für die, die sie nicht kennen, erzählt „Einzelkämpfer“ eine Geschichte, die faszinierend und unglaubwürdig zugleich klingt. Ein kleines Land wie die DDR katapultierte sich erfolgreich an die Weltspitze des Sports. Mit Schattenseiten, zu denen tägliches Doping ebenso gehörte wie Operationen, die manche Leben für immer zerstörten. Aus den einstigen Idolen sind andere Menschen geworden.

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Foto: Wiebke Maeß

Acht Musiker um Heiner Kondschak bespielten am Mittwochabend circa 40 Instumente mit Songs von Gerhard Gundermann. Von “Gundi” kenne ich ein paar Texte von den bisherigen CDs der “Randguppencombo”. Zu einem Konzert hatte ich es bisher noch nicht geschafft. Ist allerdings auch nicht häufig möglich, denn sie spielen äußerst selten. Doch am Mittwochabend haben sie Saal 1 des Capitols zum Füßewippen gebracht – beim ersten Lied. Aber von der Fankurve vor der Bühne bis zur Laolawelle im hinteren Parkett wurde später noch geklatscht, gejubelt, gepfiffen und aufgehüpft.
Ähnlich viel war auf der Bühne los. Denn einfach machen sie es sich nicht, den sächsischen DDR-Liedermacher zu covern. Es wechseln Geige, Saxophon, Schifferklavier, Flöte, Trompete und Gitarre immer wieder die Besetzung oder die Position hinter den Mikros. So, wie es auch immer wieder Soloeinlagen gibt, oder Duette, die sich zu Quartetten oder zum variosen Zusammenspiel aller neun Combo-Mitglieder entwickeln. Der Klang wandelt sich von Lied zu Lied.
Vielfältig sind auch die Musizierenden selbst. Vor fast 15 Jahren am Landestheater Tübingen vom Intendanten Heiner Kondschak initiiert, haben erst Schauspieler und Theatermitarbeiter im Projekt mitgemacht. Inzwischen ist die Band um einige Personen reicher. Neben knackig erzählten Anekdoten zu ”Gundi” erzählt Heiner auch, wie er selbst in jungen Jahren zum Gitarre spielen gekommen ist. In einer Zeit, in der “Klampfbarden” und ihre sinnfreien Texte wie Pilze aus dem Boden schossen. Deswegen muss die Randgruppencombo nicht selbst um Worte ringen, solange sie mit kräftigen Gesang und Schwung Gundermanns Aussagen interpretieren kann. Was bleibt, ist die klare Empfehlung, dass man sie unbedingt live erleben muss, um ein paar gute Musikerwitze und Songs wie das Hochzeitslied von Conny und Gerhard zu hören.

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Übrigens liegen zwischen dem 30. April und 5. Mai jeweils ab dem frühen Nachmittag an folgenden Orten in Schwerin die Zeitungen aus:

• Capitol
• InterCityHotel
• Stadtkrug
• Schweriner Höfe

Foto: Sven Meyer / Kordes & Kordes Film GmbH

Eine bürgerliche Familie mit großzügigem Reihenhaus in einer ganz normalen Stadt. Halt! Der Schein trügt. Hinter der Bilderbuchfamilie steckt ein schreckliches Geheimnis. Der brutale Vater (Peter Lohmeyer) schlägt seine hilflose Frau. Johanna (Elisa Essig) und ihre Schwester Moni (Antonia T. Pankow) hören das Leid der Mutter. Sie verharren starr im Bett wie Rehe auf dem Feld. Der innere Schrei nach Hilfe geht den steinigen Weg über Selbstkritik und endet in der bedingungslosen Abhängigkeit gegenüber dem Vater. Auch die ältere Schwester Claudia (Karoline Herfurth) findet nicht den Mut, sich gegen den Vater zu stellen. Doch es gibt Hoffnung: Johanna ist verliebt in Christian (Ansgar Göbel), den Sohn des gehassten Sportlehrers. Er macht ihr Mut und gibt ihr die Kraft, die sie braucht. Dennoch gerät Johanna in eine tiefe Identitätskrise.

Der 87-minütige Spielfilm „Festung“ von Regisseurin Kirsi Marie Liimatainen gibt Einblick in die verstörte Welt einer scheinbar heilen Familie. Eine Welt, die sonst als Ort der Geborgenheit gilt. Laut einer aktuellen Studie sind 25 Prozent aller Frauen und Männer direkte Opfer von häuslicher Gewalt. Die Dunkelziffer ist um einiges höher. Vor allem Kinder leiden unter der Spirale der Gewalt. Ihre Entwicklung und ihr Erwachsenwerden werden extrem beeinflusst, das regelmäßige Miterleben von Gewalt kann verschiedene Auswirkungen wie die Nachahmung der Täter- und Opferrollen auf ihre eigene Person haben. Die Gefahr ist, dass sie sich in einer emotionalen Festung verriegeln. Abschließend bleibt nur die eindringliche Frage: Ist „Festung“ tatsächlich für Kinder ab 12 Jahren geeignet?

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Foto: Christa Köfer/Progress Film-Verleih

Es ist ein düsterer Wintertag im Jahre 1968 in der DDR. Der Leipziger Historiker und Universitätsprofessor Dallow (Michael Gwisdek) kommt nach anderthalbjähriger Haft wieder aus dem Gefängnis. Der Witz an der Sache ist leider nur, dass er um diese 21 Monate seines Lebens durch einen dummen Zufall beraubt wurde. Kurzfristig ersetzte er einen erkrankten Pianisten. Ein „staatsfeindlicher“ Tango bescherte ihm den unerwünschten Knastaufenthalt. Dallow ist verbittert über sein erlittenes Unrecht. Er möchte Licht ins Dunkel bringen, doch dabei wird ihm keine freie Bahn gelassen und es kommt zu vielen, kleinen Komplikationen. Er wird dabei zu einem unglücklichen Zyniker, an dem die wichtigen politischen Ereignisse wie der Prager Frühling unbeachtet vorbeiziehen. Durch seine Resignation geht auch seine Beziehung zu Elke (Corinna Harfouch) in die Brüche. Der gescheiterte Professor zieht für den Sommer auf die Insel Hiddensee, bis ihn ein geheimnisvolles Angebot erreicht.

Hauptfigur Dallow – authentisch gespielt vom diesjährigen Ehrenpreisträger Michael Gwisdek – fühlt sich sichtlich überfordert von dem überraschenden Wandel seines zuvor geregelten und abgesicherten Lebens. Keinerlei Sinn für Lebensfreude bleibt ihm noch. Das schlechte, oft verregnete Wetter, von dem Roland Gräfs Drama „Der Tangospieler“ nach der gleichnamigen Erzählung von Christoph Hein begleitet wird, spiegelt dies symbolisch wider. Prägend für diese DEFA-Produktion von 1990 ist außerdem die charakteristisch passende Tango- und Klaviermusik, die das unspektakuläre Geschehen untermalt. Schade nur, dass die Ton- und Bildqualität zeitweise verzerrt ist. Die Handlung scheint sich über Stunden zu ziehen und nach einem wirklichen Fazit, einer Moral oder wenigstens etwas, das man als Zuschauer aus „Der Tangospieler“ mitnehmen kann, sucht man vergeblich.

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Filmstill: HFF Konrad Wolf / gudrunkrebitz.com

Gedankenlesen können die Menschen noch nicht, also bleibt uns nur die Kunst. Mit ihr lassen sich Ideen, Träume, Erinnerungen und die eigenen persönlichen Denkschnipsel festhalten. Der nach außen stille Mischbehälter zwischen den eigenen Ohren braucht aber Hilfsmittel, um das Gedachte und Gefühle für andere darzustellen. Das Eingeschlossene befreien, darstellen und vor allem festhalten.

Denn Gedanken verblassen, sind unscharf, durcheinander und verwirrend. Wie auch das Animationsfilmchen ACHILL – Illustratorin und Animatorin Gudrun Krebitz wirft die Zuschauer in ihre melancholisch-bunte Diplomarbeit und erlaubt dabei mehrere voyeuristische Augenblicke in ein intimes Skizzenbuch. Die 32-jährige Künstlerin versteht ihr Handwerk und entwirft eine fantasievolle Gedankenwelt mithilfe von Feder, Tusche, Papier und Kamera. Die Montage von realen, zerhackten Filmaufnahmen vermischt sich mit bemalten Portraits und sensiblen Zeichnungen. Diese visuelle Wanderung auf fleckigem Papier, oft verzerrt und trüb, zeigt immer wieder eine nackte Frau in allen Lebenslagen: Trinken, schlafen, über den Partner nachdenken, weinend, liebend, grübelnd und sich selbst zeichnend.

Diese Figur kommentiert, dichtet und monologisiert das Gesehen und sich selbst mit der rauchigen Stimme von Nicolette Krebitz, in einem sympathischen Englisch mit deutschem Akzent. Dazu eine flüsternde Mädchenstimme, das innere Kind der Figur, welches mit ihrer Meinung zum Schmunzeln anregt. Vertraute Selbstzweifel, Fragen und das unklare eigene Selbstbild werden wechselnd eingeworfen und verblassen wieder schnell. Das Selbstgespräch stützt aber die bewegten Bilder, fängt sie auf und hilft dem Betrachter, das blinkende Mosaik einzuordnen.
Der gelungene Film ist ein naher Blick über die Schulter der arbeitenden Künstlerin und zugleich ein intimer Zugang zu ihrem möglichen Alter-Ego auf Papier. Verschwommen, sprunghaft und doch sehr nahe – wie Gedankenlesen sich wohl irgendwann anfühlt.

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Filmstill: Zum Goldenen Lamm

Ein Umzug bringt immer Freud und Leid. Wanda (Maria Dragus) zieht mit ihren Eltern und ihren beiden jüngeren Geschwistern von Stuttgart in die Schweiz. Anfangsschwierigkeiten scheinen normal, die Eltern sehr verliebt und der Garten riesig und schön. Dann kommt die Schule und somit der erste Dämpfer, für Wanda aber läuft es nicht so rosig. Ein Ereignis folgt dem nächsten und das Schweigen von Bruder Bubi immer größer. Der Sommer scheint erstickend und unerträglich. Das Misstrauen von Wandas Mutter Anna (Nicolette Krebitz) gegenüber ihrem Mann Joachim (Wolfram Koch) flammt wieder auf und zerschlägt beide. Wanda sucht Anerkennung und findet sie nur beim seltsamen Nachbarn Hannes (Philippe Graber), doch schließlich flüchtet sie.
Betäubt und zurückgeschlagen von zahlreichen Misserfolgen, Sorgen und Kränkungen verliert sich jeder in seinen Problemen. Alle drehen die Musik lauter, um ihren inneren Sorgen nicht mehr lauschen zu müssen. Es kommt der Moment, an dem Wanda begreifen muss, dass sie die verloren gegangenen Gefühle ihrer Eltern nicht zurückholen kann und man sich an manchen Orten wohl nie einleben wird.

Mit „Draussen ist Sommer“ schafft Friederike Jehn ein bedrückendes Familiendrama, das weder Blauäugigkeit noch überzogene Dramatik aufweist. Besonders Maria Dragus, bereits bekannt aus dem Film „Das weiße Band“ als Pfarrerstochter Klara, sticht im Ensemble heraus. Obwohl sie zurückhaltend agiert, muss sie in ihrer Rolle als Wanda Reife beweisen und versuchen, das Gleichgewicht der Familie wiederherzustellen. Während des gesamten Films zweifelt man nicht ein einziges Mal an der Glaubwürdigkeit ihrer Darstellung. Eine perfekte Besetzung und eine hervorragende Nachwuchsschauspielerin, die man von nun an hoffentlich häufiger auf der Leinwand sehen wird.

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Filmstill: Skalar Film

Egal, in welches moderne Transportmittel Sie sich zum Reisen begeben: Je schneller die Reisegeschwindigkeit, je raffinierter die Nutzung physikalischer Gesetze und je ferner das Ziel sind und je mehr Mitmenschen Sie nicht kennen – desto unsicherer erscheint Ihnen eine Ankunft. Und desto ungewisser sind Ihre Ängste?
Nach kurzer, düsterer Einstimmung mit Terminalrauschen im Hintergrund und Schwarz-Weiß-Nahaufnahmen der Schlüsselfiguren kontrolliert die Stewardess routiniert die Fracht an Menschen. Schnell blitzen Klischees auf: Zwei Halbstarke mit Handy und Kaugummi. Beruhigungstabletten, ein Glas Wasser. Ein paar Worte zur Verspätung. Ein junges Paar mit „relaxing“ Urlaubsplänen. Ein tiefer Seufzer, geschlossene Augen. Regisseur Marcus Richardt verliert sich nicht in Einzelheiten, er stellt zügig die Situation zwischen Warten und Weiterkommen dar. Am Flughafen zusammengewürfelt, eingeschlossen von Aluminium, liegt das Wohl aller im Geschick eines Piloten irgendwo vorne im Cockpit. So herrscht weder greifbare Entspannung noch Anspannung im Raum.
„Ich versichere Ihnen, wir haben alle erforderlichen Maßnahmen getroffen”, kommentiert der Pilot in einem Zwischenschnitt die ersten Unregelmäßigkeiten. Trotz der schnellen Reaktion der Flugbegleiter legt sich die Unruhe nicht. Die Situation scheint dennoch „im Griff“. Getränke werden serviert, das Flugzeug hebt ab.

Zwischen der eskalierenden Situation im Flugzeug und den dokumentarischen Interviews mit den beteiligten Charakteren zeichnet sich die wahre Tiefe der Verunsicherung ab. Weder rational noch emotional können Pilot oder Stewart die Situation erklären. Die Besonnenheit anderer wirkt nicht im Mindesten deeskalierend, sondern zeigt nur, welch eine starke Kraft Angst sein kann. In den 16 Minuten von „Der Passagier“ offenbaren sich Unverständnis und Hilflosigkeit, die sich zu Panik steigern und die Opfer- und Täterrollen umdrehen. Das Prädikat „besonders wertvoll“ vom Kuratorium junger deutscher Film ist schlichtweg treffend!

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Foto: Frank Linders / Skalar Film

Die Mutter von Patrick (Tilman Strauß) hat sich erhängt. Außer seinen rebellischen Kleidern und seinem leeren Blick zeichnet ihn nichts aus. Nun will er den finden, der an beidem Schuld ist – seinen vermeintlichen Vater. Das gelingt ihm auch: „Dad“ (Thomas Schendel) ist ein überaus böser Mensch, der seine dunklen Triebe durch S&M und das Betrachten von Fischen auslebt. Er hat eine Frau, eine Ex-Frau und mit beiden je ein Kind und sie alle prallen in Dads langweiligem, bürgerlichem Kosmos aufeinander, woraufhin es und er und sie und Patrick alle fleißig zu bröckeln anfangen.
Bei diesem Bröckeln könnte man eventuell etwas empfinden, falls diese Figuren Menschen wären. Leider sind sie aber keine Menschen, was der Regisseur durch die immer wieder äußerst subtil hineingeworfenen Tiervergleiche zu erklären versucht. Gänse, Fische, Kälber und Kühe werden in Bild und Wort an die Charaktere gekoppelt – das macht sie dann nicht langweilig, sondern „instinktgesteuert“, die Dialoge nicht schlecht, sondern „auf das Nötigste reduziert“.

Das Problem hierbei ist nicht nur, dass dies unerträglich zu beobachten ist. Sondern, wie man zunehmend gezwungen wird zu verstehen, dass Regisseur Sven Halfar überhaupt nichts erzählen will. Er will clever und unkonventionell sein. Seine vermeintliche Cleverness ist jedoch nichts weiter als eine selbstverliebte, hastige Collage aus guten, alten Bildern. Die verkleideten Eindringlinge in der heilen Bürgerwelt, die Hausgegenstände runterfallen lassen, stammen aus Michael Hanekes „Funny Games“, ihre Coolness und Humor-Gewalt-Verwischung von Tarantino. Der Rest ist ein wenig Bourgeoisie-Kritik und ein wenig Ödipus. Unter alldem verbirgt sich, wenn man gutmütig ist, die Weltsicht eines wütenden 16-Jährigen. Und wenn man es nicht ist – überhaupt nichts.
Am besten formuliert es Halfar selbst: „In erster Linie versuche ich, ein Gefühl transparent zu machen, das meinen eigenen Regeln gehorcht und keinem klaren Genre zugeordnet werden soll.“ Das ist ihm ohne Zweifel gelungen.

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Foto: Johannes Praus

Marcel will nicht, dass seine Freundin eine neue Wasserflasche anfängt, bevor die bereits angefangene leergemacht wurde. Marcel besteht darauf. Seine Freundin lacht. Er lässt nicht locker. Seine Freundin gehorcht und trinkt die alte Flasche gehorsam leer. Marcel saß sieben Jahre im Gefängnis. Als er 18 war, verschleppte er mit zwei Freunden einen Jugendlichen in eine Schweinemastanlage und folterte ihn stundenlang. Dann ließen sie ihn auf eine Steinkante beißen, sprangen ihm auf dem Kopf und versteckten die Leiche.
Neben dem einst rechtsextremen Marcel folgt die Kamera zwei anderen kriminellen Jugendlichen nach ihrer Entlassung aus der Brandenburger JVA Wriezen. Einer war Dealer und hat ein Foto von Obama in seiner Zelle. Ein anderer saß wegen schwerer Körperverletzung.
Nach Ende ihrer Haft versuchen die drei, sich in Brandenburg einzuleben oder zumindest zu funktionieren. Die Frage nach der Möglichkeit dessen hängt von vornherein schwer über all ihren Schneeballschlachten, Raucherpausen und Karussellfahrten.

Sie alle kriegen Jobs, Freundinnen, Kinder. Ihre Reaktionen hierauf haben stellenweise Gemeinsamkeiten. Doch obwohl der Film zurückhaltend beobachtet, er sich behutsam an seine dubiosen Versuchskaninchen nähert und in erster Linie doch eher ihre Geschichten erzählt, als ein Statement abzugeben, scheint „nach Wriezen“ durch die Logik seines Formats dazu einzuladen, diese Schlussfolgerungen selbstständig zu treffen. Und die gibt es hier nicht – weder menschlich noch politisch. Hier gibt es in Jugendämtern verstreute Babys, ausgeatmeten Rauch und ein Schwein, das vor einem Auto wegläuft. Emotional mag das berühren. Vielleicht sollte man jedoch vorsichtig damit sein, anhand dieser Bilder Diskussionen anzustoßen und Meinungen in die Welt zu setzen.

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Foto: Ascot Elite Filmverleih GmbH

Wir schreiben das Jahr 1983. Eine Geschichte von Freundschaft und Solidarität, aber auch von Fremdenhass. Und mittendrin der 12-jährige Shaun (Thomas Turgoose). Er ist Halbwaise und lebt zusammen mit seiner Mutter in einer englischen Kleinstadt. In der Schule läuft es für ihn nicht gut, Freunde hat er nicht und dann trägt er auch noch die uncoolsten Klamotten überhaupt. Shaun ist Außenseiter und seine Mitschüler lassen ihn das auch gewaltsam spüren. Als er auf eine Clique älterer Jungs trifft, die ihn in ihrer Mitte aufnehmen, ist er von Herzen glücklich, endlich dazugehören zu dürfen. Doch Shaun bekommt erst mit der Zeit mit: Seine neuen Freunde sind allesamt Skinheads. Was das wirklich heißt, merkt er erst, als der wesentlich ältere Combo (Stephen Graham) aus dem Knast zurückkehrt. Vollgetankt mit extremem Fremdenhass und rassistischer Propaganda bringt Combo als Anführer die Gruppe auf Trapp. Nicht alle folgen ihm begeistert, doch Shaun tut es ohne zu zögern – was nicht ohne Folgen bleibt.

„This is England“ von Shane Meadows ist untermalt mit Ska- und Reggaemusik. Im Gegensatz zum bedrückenden sozialen Klima im damaligen Thatcherismus wird dadurch eine gewisse Lebendigkeit und Munterkeit vermittelt. Teilweise wirkt das Jugenddrama ein wenig klischeehaft und belehrend. Auch wenn die Protagonisten allesamt eindrucksvolle Persönlichkeiten sind, kommen die Handlungen oftmals geplant und vorhersehbar rüber. Dasselbe gilt leider auch für das Ende. Gut gelungen ist die Nicht-Pauschalisierung der Skinhead-Bewegung. Es werden ausführlich die innere Zerrissenheit und Unterschiede der Szene dargestellt.
This is England. C’est la France. Das ist Deutschland. Kein Land kann sich ausschließen von den Gefahren eines übersteigerten Nationalismus. Auch nicht davon, dass vor allem junge Menschen, die anderswo keinen Anschluss finden, anfällig für diesen sind. Mit geringem Budget ist Meadows eine Inszenierung gelungen, die dieses Problem nicht nur oberflächlich ankratzt.

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Filmstill: NDR

Adnan ist 22 Jahre alt, Student und lebt im sechsten Stock eines Blocks am Rande Lübecks. Hudekamp ist ein sozialer Brennpunkt, wie es politisch korrekt heißt. Doch bedeutet „am Rande der Stadt“ auch „am Rande der Gesellschaft“?
Über 20 Stockwerke sind gefüllt mit Schicksalen und Erinnerungen, die meisten davon freudlos und betrüblich. So viele, so unterschiedliche Leben, die nur durch dünne Wände getrennt werden. Zum Beispiel der Ex-Neonazi, der von harten Drogen auf Alkohol umgestiegen ist, aber sich trotzdem liebevoll um die altersschwache Annemie kümmert. Oder der 12-jährige Ibo, der auf seine Geschwister aufpassen muss, seit sein Vater gestorben ist. Oder Ramona und Karsten, die aus Angst vor Ausländern noch extra Sicherheitsmaßnahmen ergreifen. Oder, oder, oder. Nur der Hausmeister weiß irgendwie über alle Bescheid. Wie in einer Schaltzentrale blickt Klaus auf die vielen Monitore mit Bildern der Überwachungskameras. Als würden verschiedene Leitungen im Wechsel- oder Gleichstrom laufen und an diesem einen Punkt zusammentreffen – im Erdgeschoss des Hochhauses.

Pia-Luisa Lenz und Christian von Brockhausen zeigen in ihrem Dokumentarfilm “Hudekamp – Ein Heimatfilm” ernüchternd ehrliche Wahrheit. In Sekundenschnelle schlägt die bedrückende Atmosphäre auch auf den Zuschauer um. Durch packende Nahaufnahmen und abwechslungsreichen Schnitt bleiben die Auge an der Leinwand kleben. Und wegen der Statements der Bewohner, bei denen man weinen, schreien und den Kopf schütteln möchte. Gleichzeitig. Wer den Kinosaal mit der Erwartung betritt, Hoffnungsschimmer inmitten von grauer Tristesse zu finden, wird enttäuscht. Eine neue Sicht auf Altbekanntes. Auf Kommentare oder Wertung durch Außenstehende wird komplett verzichtet. Ist es also ein Blick auf den Rand der Gesellschaft? Eher die Momentaufnahme eines eigenen, kleinen Kosmos.

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Foto: Kool Filmdistribution

Oliver Tate (Craig Roberts) hat es nicht leicht. Das Sexleben und die gesamte Beziehung seiner Eltern gehen den Bach herunter. Je mehr Zeit Olivers Mutter (Sally Hawkins) mit ihrer kürzlich im Nebenhaus eingezogenen ersten Liebe verbringt, desto mehr verkriecht sich sein Vater (grandios: Noah Taylor) in seiner Depression und der Unfähigkeit, aus seiner Lethargie auszubrechen.
Wie der Vater, so der Sohn: Die Eroberung der unpopulären und mysteriösen Jordana (Yasmin Paige) stellt sich für Oliver als kompliziert dar. Die Beziehung der beiden auf coole Art Uncoolen wird geprägt von intensiven Gefühlen, wie sie nur 15-Jährige haben können und der den Protagonisten eigenen verschrobenen, stoischen Schüchternheit.
Mitten in der Pubertät steckend hat Oliver nebenbei auch noch Selbstfindungsprobleme: „I don’t quite know, what I am yet. I’ve tried smoking a pipe, flipping coins, listening exclusively to French crooners. I’ve even had a hat phase. But nothing stuck.” Olivers Rückzugsort aus seiner misslichen Lage – Schulbullies, Herzschmerz, Ärger zu Hause – ist seine Fantasie. “I find, that the only way to get through life, is to picture myself in an entirely disconnected reality.”

Richard Ayoades im Original gezeigter “Submarine” ist ein kreativer, tragikomischer Coming-Of-Age-Film nach der Buchvorlage von Joe Donthorne, der zu einem unbestimmten Zeitpunkt in der Vergangenheit spielt. Kassetten, Polaroids, Liebeskummer und nicht zuletzt der großartige Soundtrack von Alex Turner lassen den Zuschauer in eigenen Erinnerungen an die erste große Liebe und Jugendtagen schwelgen. Unterhaltend, sehenswert und weirdly cool.

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Filmstill: Wüstenfilm

Augen zu. Stellen Sie sich nun bitte den typischen Gruselfilm vor. Was sehen Sie? Eine Frau in der Badewanne liegend, die mit dem Kopf untertaucht und auf einmal ist überall Blut? Einen dunklen, nebligen Wald? Oder eine alte Villa mit einer spukenden Kinderseele? Ja? Genau! Da brodelt es im Topf der Thriller-Klischees. Oder besser gesagt: Da köchelt lauwarm, vom typisch deutschen Kartoffelstampfer zermanscht, “Du hast es versprochen”.

Hanna (Mina Tandler) und Clarissa (Laura de Boer) treffen sich zufällig nach 25 Jahren wieder. Mit neun Jahren waren sie beste Freundinnen. Spontan entschließen sie sich dazu, gemeinsam Urlaub zu machen. Koffer gepackt und ab geht es auf die Insel, auf der sie schon damals die Sommer verbrachten. Zusammen mit Hannas kleiner Tochter Lea (Lina Köhlert) beziehen sie das ehemalige Feriendomizil: das große Haus am Waldrand. Doch nach kurzer Zeit ist es vorbei mit der Urlaubsidylle. Etwas, was die Freundinnen vor vielen Jahren machten, scheint sie einzuholen. Woran man das merkt? Die Anwohner verhalten sich seltsam, es gibt immer wieder verschwommene, hellscheinende Rückblenden und dramatische Musik setzt ein. Die längst verjährte Tat ist nicht in Vergessenheit geraten…

“Du hast es versprochen” wirbt mit dem Slogan „Weißt du noch, was du als Kind getan hast?“. Wahrscheinlich werde ich mich nicht besonders lang an diese 102 Minuten erinnern. Die schauspielerischen Leistungen sind großartig. Auch in die jüngeren Darsteller kann man sich gut hineinversetzen, allerdings nicht in Regisseurin Alexandra Schmidt. Am Ende bleibt nur ein Potpourri aus typischen Gruselszenen, vermischt mit Effekthascherei und Meeresrauschen. Vom ewig nachschallenden Echo bis hin zum alten Mann mit der Axt ist alles dabei. Schade eigentlich. Liebe Frau Schmidt, bei der nächsten Produktion bitte ein paar Stereotype weniger einbauen. Dann kommen Ihr Händchen fürs Atmosphärische und Ihr Gespür für schauriges Ambiente auch besser zur Geltung.

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Podium mit Mathias Brodkorb, Elke Haferburg, Oliver Hübner, Angelika Gramkow, Torsten Jahn und Marko Vogt (v.l.n.r. / Foto: Jette Kleindienst)

Jeder, der etwas auf sich hält, lief am Dienstagabend über den roten Teppich hinter der Baustellenabsperrung am Capitol. Journalisten, Fotografen, Videoteams, Festival-Mitwirkende, Jurymitglieder, Schauspieler, Regisseure, Ehrengäste, Vertreter der Politik, Veranstalter und natürlich das Schweriner Publikum. Zwei vollbesetzte Säle erlebten die Eröffnungsrunde mit Elke Haferburg, der Direktorin des NDR-Landesfunkhauses MV, dem Minister für Bildung, Wissenschaft und Kultur Mathias Brodkorb, Oberbürgermeisterin Angelika Gramkow, Programmredakteur Oliver Hübner und Geschäftsführer Torsten Jahn. Letzterem gefallen laut eigenen Angaben bis auf eine einzige Ausnahme alle Filme im diesjährigen Festivalprogramm. Ähnlich sah das der stellvertretende britische Botschafter Andrew Noble. Er lobte zwar das „reichhaltige Programm mit tollen Filmen und Diskussionen“, aber ein Film schien auch ihm nicht zu gefallen. Eigentlich hätte er “Submarine” von Richard Ayoade als sehenswerte Teenager-Komödie bewerben sollen. Mit „Ich habe drei pubertierende Kinder zuhause. Ich gehe nicht ins Kino, um das zu sehen.“ bot er allerdings eine Kostprobe des ganz speziellen britischen Humors und überbot gleichzeitig NDR-Radiomoderator Marko Vogts bilinguale Unterhaltungsversuche.

Minister Mathias Brodkorb pries das Filmkunstfest als ein „Fest für Augen, Ohren, Gehirn und Seele“ an. „Dieses Festival ist ein Geschenk für Sie.“ Weniger pathetisch formulierte es Angelika Gramkow, indem sie das Festival einen „Anlaufpunkt für Jung und Alt“ nannte. Wortwörtliches Highlight: Die bunt beleuchteten Musiker von Jim Kroft und Band spielten erfrischenden englischen Indierock und brachten das gemütlich sitzende Publikum wenigstens phasenweise zum Fußwippen.

Foto: aug&ohr medien

Keinem deutschen Regisseur ist es bis dato gelungen, was Dietrich Brüggemann in seinem Kurzfilm „One Shot“ zum Ausdruck bringt: Mutig und kompromisslos traut er sich an das heikle Thema Integration heran. In einem knallharten Racheepos bricht er nicht nur mit Genre-Tabus, sondern haucht einem nie ehrlich behandelten Thema neues Leben ein.
Von der ersten Sekunde reißt die Kamera den Zuschauer in einen turbulenten Strudel und gewährt ihm elf Minuten lang nicht eine einzige Atempause. Brüggemann zerschmettert mit seiner Kamera Konventionen, indem er sie in einem harten, schmerzvoll ehrlichen Licht darstellt.
Sein Held Erek (Burak Yigit) verkörpert meisterhaft einen jungen Türken, der in einer verworrenen, lächerlichen und gleichzeitig deprimierenden Welt überleben muss. Einer Welt, vor der wir jeden Tag unsere Augen verschließen. Deren Regeln keinen Platz zum Atmen lassen und mit der wir uns, als Zuschauer, tagtäglich zufriedengeben.

„One Shot“ bietet keinen Ausweg an. Während der Abspann läuft, muss man zwangsläufig darüber nachdenken, ob es diesen überhaupt gibt. Was können wir tun, um die Realität, die uns hier vor Augen geführt wurde, zu verändern? Die heile Gemütlichkeit eines Filmfestivals zerbröckelt. Es gibt keine Gnade für die Charaktere und die Zuschauer. Keine Moral, die zu überleben vermag. Wahrscheinlich wird die Welt, die Brüggemann kritisiert, durch seinen Film wohl kaum erschüttert werden. Darin liegt eine gewisse Tragik. Doch sie beweist, dass sich nicht alle zufriedengeben wollen.

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Übrigens liegen zwischen dem 30. April und 5. Mai jeweils ab dem frühen Nachmittag an folgenden Orten in Schwerin die Zeitungen aus:

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Foto: Kaminski.Stiehm.Film

Regisseur Lehmann (Robert Gwisdek) steigt nach dem ersten Drehtag der Produzent aus. Die finanziellen Mittel sind erschöpft. Er steht im bayrischen Dorf Speckbrodi vor Crew und Darstellern, allein mit seinem Idealismus. Alle anderen muss er noch überzeugen, nicht nur vorerst auf ihre Gage zu verzichten und sich behelfsmäßig in einem Schankraum einzuquartieren. Hauptdarsteller Kohlhaas (Jan Messutat) – selbst nur noch in Unterwäsche, nachdem ihm der Harnisch genommen wurde – sackt zusammen. Die Starschauspielerin, die Kohlhaas’ Frau spielt (Rosalie Thomass), fährt im Taxi vor: “Du wirst den Arschlöchern noch danken, dass sie dir die Gelder gestrichen haben. Das ist ein Geschenk!”

Es ist die Geschichte einer Spielfilmproduktion, die nicht nach Storyboard gedreht wird, sondern aus den Umständen heraus etwas anderes entsteht. Ich fühle mich kurz an Monty Pythons “Ritter der Kokusnuss” erinnert. Ringen die Schauspieler in „Kohlhaas“ um die glaubwürdige Darstellung der Tragik, reagiert Lehmann mit Improvisationen, welche erst aus Kühen, dann aus einem Schaf die Pferde des Kaufmanns werden lassen sollen. In der trashigen Umsetzung liegt ein anmutiger Humor, der nicht die Geschichte eines brandenburgischen Kaufmann im 15. Jahrhundert erzählen will, sondern die Verhältnismäßigkeit von Mitteln in Frage stellt.

Heinrich von Kleist sagte einst: „Ein freier, denkender Mensch bleibt da nicht stehen, wo das Schicksal ihn hinstößt.” Der echte Lehmann, nämlich Regisseur und HFF-Absolvent Aron Lehmann, thematisiert nicht die Selbstjustiz einer mittelalterlichen Begebenheit wie in der literarischen Vorlage. Er schafft es, Budget und Requisite zu entzaubern – auch wenn bis zum Schluss der Zweifel in den eigenen Gesichtern nicht verschwindet. Und dennoch kommt “Kohlhaas oder Die Verhältnismäßigkeit der Mittel” spielerisch an die großen Gefühle einer überladenen Inszenierung von mythischer Gerechtigkeit heran.

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Foto: W-film / Filmbüro Una Cum

Die Straße ist öffentlicher Raum. Und die Bühne von Elias Gottstein und Luis Zielke, die ihre Band Guaia Guaia nennen. Zusammen sind sie zwei freie Singvögel. Denn ihr Leben ist ihre Arbeit, ist Musik und Straße. Der Sound aus E-Gitarre, Posaune und Laptop-Mischung schallt dank 3000-Watt-Verstärkung über Plätze, Straßen und die ein oder andere Location. Wenn die Polizei ihre spontanen Konzerte wieder einmal beendet, verpacken sie alles in zwei umgebaute Mülltonnen, um schnell weiterzuziehen. So sieht es am Anfang des Films aus. Inzwischen sind sie nicht mehr per Fuß und mit öffentlichen Verkehrsmitteln unterwegs. Sondern haben sich Fahrräder umgebaut, um mit der eigenen Kraft und Energie sich durch die weite Welt zu bewegen.

Über ein Jahr hat der Schriftsteller und Dokumentarfilmer Sobo Swobodnik Luis und Elias mit der Kamera begleitet. Mit unmittelbarem Blick dokumentiert er Reise, Stationen, Konzerte, Schlafplätze und Begegnungen der zwei Musiker und ihrer Sicht der Dinge. Währenddessen ist “Unplugged:Leben Guaia Guaia” zum Publikumsliebling avanciert. Spiegel Online, arte, Stern und Deutschlandfunk berichteten über die Geschichte von Freundschaft, Mut und Träumen, die so treffend ein Lebensgefühl einfängt. Während Elias Haar immer länger und Luis‘ Bart immer voller wird, werden ihre Statements kritischer, ihre Texte provokanter, ihre Lebensweise extremer. Sie hinterfragen, wann Musik spielen erlaubt ist. Wie die Berechtigung lautet zum Genehmigen. Und woher sie sich die Freiheit nehmen – ungenehmigt.

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Filmstill: Artia Nova

„Reformkrise: Ich muss pro Spiel 4 bis 5 Tore schießen. Am ersten Lehrgangtag in Kreischa haben wir wunderbar und ausgiebig gefrühstückt: Ein Teller Schokoladensuppe, drei Marmeladebrötchen, ein Butterbrötchen, eine Schale Müsli, zwei Eier, zwei Steak und natürlich heiße Milch dazu. Ich bin so richtig satt. Habe gestern die Tabletten bekommen. Zehn Tage, vier Tabletten – mit der Bezeichnung Oral-Turinabol.“

Der ehemalige DDR-Handballspieler Wolfgang Böhme war ein erfolgreicher Linkshänder und verführerischer Frauenheld. Mit seiner sportlichen Fähigkeiten stieg er schnell in die Nationalmannschaft der DDR auf und war ein Star. In seinem süchtigen Rausch nach Erfolg bekam er einige Vorteile und Nachteile zu spüren. Er war beliebt, hatte Geld, gab es großzügig aus – und doch fehlte ihm das Glück in der Liebe. Der realsozialistische Staat forderte von seinen Kadersportlern, dass der sportliche Wettkampf auch ein notwendiger Kampfgegen den „Klassenfeind“ ist. Das ging auf Kosten der Gesundheit, Familie und persönlichen Freiheit. So erfuhr Böhme erst spät, dass Oral-Turinabol ein leistungssteigerndes, aber leberschädigendes Anabolikum war. Er vertraute dem Kollektiv aus Trainer, Masseuren und Medizinern, die heimlich als inoffizielle Mitarbeiter der Stasi tätig waren. Schluss, aus, vorbei: „Böhme, Wolfgang. Einer, der es aus einem Kaff in die Welt hinausschafft. Den vergisst man nicht und das lässt dich nicht los, wenn der ins Fallen kommt und keiner weiß warum.”

Die 90-minütige Dokumentation “Fallwurf Böhme – Die wundersamen Wege eines Linkshänders” von Heinz Brinkmann ist eine persönliche Lebensgeschichte. Für den Zuschauer bietet sie eine spannende Zeitreise, die tiefe Einblicke in die verstörenden Mechanismen eines Diplomatenstaates im Trainingsanzug gibt.

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Foto: Beamoeller Film

Es ist ein besonderer Film, der einen Reifungsprozess durchlebte und durch Crowdfunding seine Umsetzung fand. Drei Jahre begleitete Beatrice Möller drei Frauen Anfang 30. Der Film „Alles was wir wollen“ stellt Fragen, und das ganz offen. Manchmal mehr, manchmal weniger direkt. Fragen, die frau sich mit Anfang 30 stellt.

Da gibt es Claudia, die freie Journalistin. Vergeben und auf der Suche nach einer Wohnung: Holzdielen, zwei bis drei Zimmer und Balkon für sich und ihren Freund. Während des Films finden die beiden, wonach sie gesucht haben und werden Eltern: „ So ein Mensch zu werden, ist schon echt recht anstrengend. Zuerst ist man ewig im Bauch eingequetscht, dann kommt man auf die Welt. Alles ist noch nicht fertig, alles tut weh, man versteht nichts. Es dauert Jahre, bis man irgendwie selbstständig wird. Und dann ist man 30 und man kann trotzdem nicht seine Miete bezahlen.“
Oder Marie-Sarah. Tanzend und schauspielernd führt das Leben sie umher. Trotz des harten Brotes, von der Kunst leben zu können, wirkt sie nicht verbittert. Man fragt sich, wie ihre zahlreichen Bewerbungen ohne Erfolg bleiben können, aber findet keine Antwort.

Sympathisch, talentiert, interessant und selbstständig wirken die drei Frauen, denen Beatrice Möller mit „Alles was wir wollen“ ein filmisches Generationenportrait widmet. Sie treten in Austausch mit ihren Müttern, den alten Lebensformen und den Herausforderungen, denen sie sich stellen müssen. Möller ist dabei, wenn eBay-Sendungen eintreffen, das Kinderzimmer gemalert wird und Schauspielrollen eingeübt werden. Sie wird eine Vertraute, eine Freundin, die ganz nah herandarf. Die nicht unangenehm observiert, sondern der man sich anvertraut. Ein Philosophieren über das, was ist. Über die Unsicherheit, die Grenzen und die Suche nach sich selbst. Ein Prozess, an dem jede von ihnen immer beteiligt war: dem Leben.

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Foto: Electric Flix

Anhand des ältesten noch als Kino genutzten „Electrics“ (wie zur Entstehungszeit des Kinos noch alle Vorführstätten genannt wurden) beginnt ein Rückblick bei reisenden Filmvorführern und endet mit der Diskussion um die Digitalisierung und die Zukunft kleiner Independent-Cinemas.
Bunt animiert und mit interessanten Gesprächspartnern geht es um die verschiedenen Epochen des Kinos: Stummfilm, Kino als Ort für Nachrichten, der Einfluss von Fernsehen als Informationsquelle und Entertainment-Angebot, die British-Film-Quote, die dazu führte, dass „The Electric“ zwischenzeitlich auch Erotikproduktionen zeigte, bis zum ersten digitalisierten Saal der Stadt Birmingham.

Als wolle er die Vielfalt der Mediums Film beweisen, nutzt Thomas Lawes die Möglichkeiten des Dokumentarfilms in „The Last Projectionist“ voll aus: Eine offene Gesprächsrunden von Kino-“Veteranen“ leitet den Zuschauer in und immer wieder durch den Film. Dazu historische Filmausschnitte, Animationen, Detailaufnahmen, Totalen und Interviews aus verschiedenen Perspektiven, um durch die Epochen und Themen der letzten 100 Jahre Film in Großbritannien zu führen.

Was die fünf Herren zu Beginn und Ende ihres Gesprächs erzählen, stellt wohl am besten dar, warum Kino auch weiterhin Menschen faszinieren wird: Nicht für Geld gingen sie ihren Berufen im Kino nach, sondern aus Leidenschaft zum Film und einem Pflichtgefühl gegenüber dem Publikum. Ob nun auf 35 mm oder Festplatten: Kino ist ein einmaliges Erlebnis. Gerade Programmkinos wie das „Electrics“ spezialisieren sich in diese Richtung. Diese Gründe lassen sich wohl auch auf Festivals übertragen.
Übrigens wählten die Macher von „The Last Projectionist“ einen ganz modernen Vertriebsweg: Wer es nicht ins Kino schafft (oder diesen Text zu spät liest), kann sich den Film sehr einfach für knapp 5 Euro auf Vimeo ansehen.

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Foto: aug&ohr medien

“Felix” ist ziemlich kurz. “Felix” ist lustig, frech und spitzbübig. “Felix” verdient einen zweiten und dritten Blick. “Felix” ist unbekümmert und wagemutig. Wenn ich so darüber nachdenke, wäre ich gerne öfter wieder wie er.

Anselm Belsers nicht mal einminütiger Kurzfilm – benannt nach seinem jungen Protagonisten – birgt eine kleine Alltagsrebellion. Ein Ausbrechen aus allem, was sich gehört, was als richtig gilt. Ein Verstoß gegen die von uns erwartete Höflichkeit und gegen die uns von unseren Eltern eingetrichterten Anstandsregeln. Felix traut sich das, was wir uns wieder und wieder vorstellen zu tun, aber wofür wir immer zu feige sind, zu vornehm und ja, schlichtweg zu alt.
Einfach mal ankämpfen gegen die Tristesse des Alltags. Wehren gegen die Mitmenschen, die uns mit ihren Angewohnheiten – und in dunklen Momenten sogar mit ihrer puren Anwesenheit, Verzeihung! – mächtig den Tag verderben können. Manchmal muss man sich selbst eine kleine Freude machen.

Aber auch Felix lernt schnell, warum es uns oft schwerfällt, so mutig wie er zu sein. Denn auf Aktion folgt Reaktion. Die Gefühle, die Felix bei dieser kleinen Eskapade sozialen Aufbegehrens durchlebt, lassen sich kristallklar auf seinem Gesicht ablesen. Eine Achterbahnfahrt der Gefühle in gerade einmal 43 Sekunden.

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Foto: Alexander Du Prel

Das Auto stoppt. Michael (Thorsten Merten) steigt aus, holt ein Bier aus dem Kofferraum, trinkt zwei Schlucke und sagt dann: “Ich will nicht mehr. Das ist doch ganz einfach zu verstehen.” Silvi (Linda Wendel) hat das Ende ihrer Ehe kommen sehen, aber so ganz versteht sie es trotzdem nicht.
Die Friseurin rät zum Neuanfang und Silvi gibt eine Annonce auf. “Wer unverhofft strandet, hat wenigstens die Chance, Neuland zu entdecken.” Sie trifft Männer und entdeckt tatsächlich allerlei Neuland: Fetisch-Sex, Drogen, heimliche Affären. Wenn Silvi dabei einiges lieber unentdeckt gelassen hätte, lässt sie es nicht gleich vermuten. Sie nimmt es still hin, was ihre neuen, ach so charmanten Männerbekanntschaften ihr vorschlagen.
Denn was Silvi wirklich sucht, ist Anschluss: bei ihren Freundinnen, bei ihrer Mutter und immer wieder bei Männern, die immer wieder nicht die richtigen zu sein scheinen. In dazwischen geschnittenen Interviewsequenzen mit der Protagonistin erkennt diese, dass ihre Ehe schon lange vor der endgültigen Trennung im Auto gescheitert war: „Ich hab das Gefühl, so als Frau, so als Mensch, bin ich ganz schön auf der Strecke geblieben.“

Oft hat man Mitleid mit der Protagonistin, wie sie wieder und wieder an die – für sie – verkehrten Männer gerät. „Eigentlich braucht man immer jemanden, der einen in den Arm nimmt. Wenn das keiner macht, verkümmert man. Man wird zum Einzelkämpfer.“ Alleingelassen stolpert Silvi traurig Wein trinkend von einem Unglück ins nächste. Aber liegt am Ende der Fehler eventuell bei ihr selbst?
Abwechslung für den Zuschauer bietet letztlich nur die Abfolge von peinlichem Berührtsein, Langatmigkeit einiger Szenen und Vorhersehbarkeit der Geschichte. Was sich Silvi wünscht, ist ein Kribbeln. Dem gleichnamigen Film von Regisseur Nico Sommer fehlt dieses gewisse Etwas leider.

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Foto: w-Film / Hagen Keller

Ein Aufeinanderprallen zweier Welten. Die 16-jährige Anna (Anke Retzlaff) lebte bislang als Straßenkind mit ihrer besten Freundin Leila in Duisburg. Gewalt, Drogen und zwielichtige Geschäfte sind ihr Alltag. Bis sich die Wege der beiden durch schlimme und folgeschwere Einschnitte trennen. Daraufhin wird Anna fernab von ihrer eigentlichen Heimat und jeder Zivilisation in ein Erziehungscamp in die Schweizer Alpen gesteckt. Die Betreuerin Geena (Corinna Harfouch) kümmert sich zusammen mit der Hauslehrerin Julie (Anne Haug) um sie und die Schützlinge Magie (Sara Fazilat) und Emma (Stella Holzapfel). Durch Naturverbundenheit und Farm- und Gartenarbeit sollen die Mädchen lernen, einen neuen Weg zu gehen und mit ihrer Vergangenheit ins Reine zu kommen.

Das scheinbare Paradies, das durch traumhafte Naturaufnahmen von Alm- und Bauernhofidylle anfangs entsteht, zerbricht schon in den ersten paar Minuten von “Puppe” durch regelmäßige Rückblenden in Annas alte Welt. Der Film entwickelt ein rasantes Gewirr aus Vergangenheit und Gegenwart und bald ist klar: aus der Vergangenheit ist nicht immer für immer Vergangenheit, sie kann uns wieder einholen. Und vor ihr zu fliehen ist schier unmöglich.

Eine durchgehend beunruhigende und bedrohliche Stimmung zieht sich durch das gesamte Drama des Filmemachers Sebastian Kutzli. Selbst wenn scheinbar unspektakuläre und friedliche Szenen gezeigt werden, ist da immer noch ein dunkler Unterton, der sich selbst von einem strahlenden Sommertag nicht aufhellen lässt.
Die Schwierigkeit sich auszudrücken, wenn man es nie gelernt hat. Emotionen und Gefühlen Raum zu geben, sodass Mitmenschen sie auch verstehen können. Das ist nicht leicht. Besonders, wenn man sich sonst nie anders als durch Gewalt mitgeteilt hat. Diese Problematik und der holperige Weg zu einer besseren, gewaltlosen Kommunikation werden in “Puppe” überzeugend dargestellt. Es werden keine Lücken offen gelassen.

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Foto: Börres Weiffenbach

Ein Sonnenaufgang, endlose Felder, Windräder, Vogelzwitschern – Mecklenburg-Vorpommern, wie man es nicht treffender zeigen könnte. Ein schmal gebauter Bauer würde für die Kühe wahrscheinlich kein Hindernis darstellen. Maxe kann das. Aber Gefühle gegenüber seiner Freundin Cordula zeigen kann er auch. Olli melkt im Stall. Ihn hat’s noch gut getroffen: Er hat Arbeit, Frau und Haus.
Haus und Hof haben sie hier eigentlich alle noch. Vielleicht nicht so viel, wie sie gern hätten, und vielleicht nicht so neu, wie es mal war. Aber sie wohnen zusammen, dicht an dicht. Die Träume des Zugewanderten scheinen auf den weiten Landstraßen abhanden gekommen zu sein: „Es bringt nichts, vom Nordkap zu träumen und den Fischotter um der Ecke liegen zu lassen“. Harry bleibt pragmatisch – so wie sie alle hier.

“Am Ende der Milchstraße” ist vielleicht kein Film zum Mitleidhaben, aber mich packt´s trotzdem. Hinter der dörflichen Gemütlichkeit fangen Leopold Grün und Dirk Uhlig eine triste, hoffnungslose Stimmung ein und sorgen dafür, dass sie sich langsam auch bei mir einfrisst. Kommentarlos nimmt man alles, wie es eben kommt.
Für Außenstehende mag es eher bedrückend wirken, dass diese Dorfbewohner nicht weg kommen – aber man muss erkennen, dass sie es auch nicht wollen. Ob Sommer, ob Winter: Sie saufen, sitzen zusammen; wenn zwei sitzen, kommen mehr dazu. Dass viele anfangen zu trinken, bleibt in dieser Doku kein Geheimnis. Viele Alteingesessene kamen mit dem Ende der DDR nicht zurecht: Arbeitslosigkeit, Abwanderung, demografischer Wandel – schlicht keine Perspektive.

Der bäuerliche Witz und die Ironie geben der 93-minütigen Dokumentation ihren eigenen Charme. Das Schweigen, das ab und an herrscht, gehört nach Mecklenburg wie die Strohballen auf den Feldern. Und spätestens das traditionelle Schwofen zum Dorffest vereint dann wieder alle, so wie jedes Jahr seit 30 Jahren…

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Pünktlich um halb zwölf ist die neue filmab!-Ausgabe da.

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Übrigens liegen zwischen dem 30. April und 5. Mai jeweils ab dem frühen Nachmittag an folgenden Orten in Schwerin die Zeitungen aus:

• Capitol
• InterCityHotel
• Stadtkrug
• Schweriner Höfe

Foto: Sebastian Gutnik

„Legacy of Games“ zeigt künstlerische Interpretationen der Londoner Olympiade. Es wird mit den Olympiafarben in verschiedensten Anordnungen gespielt. Man bemerkt sie, wenn man aus dem Capitol durch die Schweriner Höfe geht und zufällig nach links schaut.
Wenn man etwas weiter geht und erneut nach links schaut, bemerkt man eventuell auch die Ausstellung „Between Intention and Action“. Diese besteht aus fünf Aufnahmen des Dichters, Filmemachers und Fotografen Stephen Mooney. In dem kleinen Raum steht noch ein Tisch mit Sekt in Plastikbechern. Die Bilder zeigen Hauptfiguren von Hesse und Coelho, die im Konflikt zwischen „Intention“ und „Action“ gefangen sind. Der Sekt ist ganz in Ordnung. An den Wänden haben wir einen Selbstmord, einen Mord, einen Dreier. Wir haben einen Mann mit Hörnern und Engelsflügeln und wir haben Sartre. Denn Sartre ist existenziell.

Stephen Mooney lebt in Berlin, spricht perfekt Deutsch und erzählt jedem, der danach fragt, die Geschichte seines Werkes, welches unbestreitbar tadellos ist in Sachen Belichtung und Komposition. Jedes Haar auf dem Kopf der fast kopulierenden Helden und jeder kleine Spiegel, in dem der Steppenwolf Hermine ermordet, könnten nicht besser ausgerichtet sein.
„Eine bestimmte Menge an technischer Kompetenz ist wichtig“, so Mooney. Bei der modernen Fotografie geriete dies zunehmend in Vergessenheit. „Fotografie ist das Ergebnis einer intellektuellen Übung“, fährt er fort. Doch es ist ihm auch wichtig zu wissen, dass „Leute, die mit Kunst nichts zu tun haben“, seine Bilder konsumieren können. Eine Frau von der Deutsch-Britischen Gesellschaft nickt bestätigend, trinkt den Plastiksekt und unterhält sich mit Mooney über Peter Greenaway und Luis Buñuel. Die Worte „ästhetisch“ und „intellektuell“ fallen sehr oft. Ich frage einen älteren Herrn, ob ich ihn vor einem Bild fotografieren kann. „Ja, klar“, sagt er. „Vor dem da – mit der nackten Frau.“

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Filmstill: André Lex

Das Thema ist harter Tobak: Gewalt im familiären Umfeld. Leidet man unter einem direkten Schlag oder leidet derjenige mehr, der durch den Türspalt zusieht? Wie lange hält sich der Schmerz? Welche Antwort gibt es?
Im verlassenen Elternhaus treffen sich Marten (Martin Schleiß) und sein jüngerer Bruder Volker (Daniel Michel) nach vielen Jahren wieder. Marten, der gleich im verdreckten Haus anpackt, wirkt in den ersten Bildern sympathisch und aufgeschlossen. Während man noch über das Desinteresse von Volker grübelt, verläuft die Geschichte – krumm. Zwischen der Gegenwart der Brüder und den Rückblicken in ihr Kindheitsdrama liegen Momente, die scheinbar nicht von Bedeutung sind. Oder doch genau die Auswirkungen der väterlichen Wutausbrüche zeigen?

Regisseur Florian Eichinger verarbeitet zum zweiten Mal „den langen Arm von Gewalt”, wie es in der Filmbeschreibung steht. Nach „Bergfest“, der eine Beziehung zwischen Vater und Sohn beleuchtet, steht nun das Verhältnis zweier Brüder im Fokus.
Nach 89 Minuten gebannten Zuschauens bin ich verstört. Für mich klar ein guter Film. Nicht zu Unrecht ist „Nordstrand“ als bester Spielfilm von den Grenzland-Filmtagen im bayrischen Selb sowie mit dem “Max Ophüls Preis” bei seiner Premiere im Januar ausgezeichnet worden.
Der begrenzte Raum zwischen Strand und Elternhaus und der kurze Zeitraum weniger Tage unterstreichen das starke Schauspiel der sechs Charaktere, die nach Florian Eichinger so „das Innere herausspielen“ können. Während des Abspanns wird mir klar: Es ist ihnen gut gelungen. Derart, dass ich über Opfer, Schuld und Wirkung hin- und herdenke, über die Unterschiede der Brüder und ihrer Lebenswege, die trotz gemeinsamer Tage so verschieden durchlebt wurden. Es gibt mehr als eine nur Antwort auf Gewalt. Einer muss den Topf aufreißen, auch wenn sich der andere nirgendwo hineindrängen lässt.

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Foto: Jens Pustlauk / www.jugendfotos.de, CC-Lizenz by-nc

Schulabschluss fertig! Deine Träume waren die wertvollsten Hoffnungsschätze. „Hier alles zurück zu lassen, deine Freunde, die Orte deiner Kindheit, die Plätze, wo du jeden Stock und Stein kennst.” Du machtest dich auf die Suche nach Glück, Erfolg und die große Liebe. Du warst jung, naiv, unerfahren und dachtest, du könntest die Welt verändern.
Und heute? Heute weißt du, dass der hoffnungsvolle Weg viele Steine mit sich trug und sehnst dich nach der Vertrautheit und der “Sicherheit, die ich so nie wieder gefunden habe”.

In seinem 83-minütigen Dokumentationsfilm “Mecklenburg – So fern so nah” spiegelt der einheimische Regisseur Dieter Schumann ganz persönliche Aspekte seines Lebens wider: die abenteuerreiche Reise seines eigenen Sohnes. Mit idyllischen Bildern wird der Zuschauer in einen Erfahrungsbericht des Autors entführt. Verschiedene Lebenskonstellationen verschmelzen in einer spannenden Sinfonie. Eine Protagonistin, die als Geschäftsführerin einer Internetfirma vorgestellt wird, dachte, in Mecklenburg-Vorpommern „kann man nur Fischer, Bäcker und Landwirt werden“. Sie wollte nie wirklich hier bleiben und kam zur Erkenntnis: „Man kann ein guten Job egal wo machen.“ Mit Filmlocations wie dem abgelegenen Schloss Basthorst untermalt Schumann sinnbildlich den demografischen Wandel in unserer ländlichen Region.

„Was du bist hängt von drei Faktoren ab: Was du geerbt hast, was deine Umgebung aus dir machte und was du in freier Wahl aus deiner Umgebung und deinem Erbe gemacht hast.“ (Aldous Huxley)

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Foto: Ben Richardson, MFA+FilmDistribution e.K.

Zuerst erinnerten Regisseur Benh Zeitlin und Autorin Lucy Alibar letztes Jahr das Sundance-Publikum. Dieses sprang erfreut und erinnert auf und sang den Film über Nacht zum Geheimtipp aller Hollywoodermüdeter hoch. Schnell wurde klar: Wer ‘Beasts’ nicht anschaut, hat etwas Einzigartiges verpasst. Doch das muss man noch erweitern: Jeder, der diesen Film nicht mag, ist ein herzloses und äußerst vergessliches Arschloch.

Denn: Hushpuppy ist klein, arm, afroamerikanisch und sagt lauter süße Dinge. Sie lebt in einer Kommune südlich von New Orleans, wo man jeden Tag tanzt. Ihr Vater trinkt, ist schwer krank und sehr streng. Ihre Mutter ist tot. Und irgendwo, sagt Hushpuppy, sind gefährliche Kreaturen in Gletschern eingefroren. Falls sie schmelzen, droht Gefahr. Als ein Sturm aufzieht und die Kommune verwüstet, muss Hushpuppy mit ihrem Vater und ihren Freunden auf einem Hausboot fliehen. Eine symbolische, von ehrlichen Indie-Gitarren unterlegte Reise beginnt, auf der Hushpuppy alles lernt, was man lernen muss. Und wir, die Vergesslichen, lernen mit.

Und an sich ist alles richtig. An sich will niemand ein herzloses Arschloch sein. Dafür lässt man sich gerne mit einem Vorschlaghammer auf die Tränendrüsen schlagen und mit Eisenzangen die Mundwinkel nach oben ziehen. Subtilität ist nämlich etwas für die Vergesslichen. Uns Erinnerten ist es egal, wie schlecht man uns manipuliert. Denn sie ist so süß. Sie ist so mutig. Und wir, wir sind es endlich auch. Lasst uns das bei einem Tee besprechen – die zynischen Arschlöcher laden wir nicht ein. Die vergessen es eh.

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Foto: Böller und Brot GbR

Nach Bayern geht man zum Sterben. Auch die, die einst für Frank Zappa Schlagzeug spielten. Die, vor deren langen Haaren junge Männer von alten Frauen gewarnt wurden. In Bayern kriegen sie ihre zu hohen Telefonrechnungen und basteln an CDs, die sich schlecht verkaufen. Hin und wieder winkt der vorbeifahrende Landwirt. Jimmy lächelt darüber.
Wie ist dieser Mann, der einst als Indianer für Zappas legendäre „Mothers of Invention“ spielte, nur in dieser Einöde gelandet? Welchen Stellenwert hatte seine Kunst – außer, dass sie schwache, nostalgische Lächeln auf die Gesichter anderer alter Männer zaubert?

Die Macher von “Where’s the Beer and when do we get paid?” stellen Fragen. Die gemütliche bayrische Dorflandschaft absorbiert diese gleichgültig. Sie funktioniert blendend, ohne auf die Fragen zu antworten. Was braucht diese Landschaft? Nicht den Mann mit den großen Tränensäcken und dem erstklassigen texanischen Akzent, der sich darüber aufregt, dass John Wayne hier im Fernsehen Deutsch spricht. Ihn brauchen höchstens seine deutsche Frau und ein paar alte Freunde. Der Landschaft genügen die Trachtenmusiker und der Pflasterer, deren Arbeit in langen Aufnahmen dem Gebrummel des Altrockers gegenübergestellt wird. Wer gewinnen wird, ist klar – trotzdem lauschen wir fasziniert, wie Jimmy die Autos seines Lebens aufzählt und sich an ein Elvis-Konzert erinnert.

Er tourt noch einmal durch ein Amerika, das ihn nicht viel mehr braucht als Bayern. Er hat Krebs. Er weiß, dass das, was er gemacht hat, auf ein paar signierten Platten und in diesem Film überleben wird. Den Rest will er über der Wüste von El Paso verstreuen.
Er tut immer noch, was er schon immer tat – mit überteuerten deutschen Drumsticks, in fast leeren Bars und obwohl es der deutschen Bahn egal ist, wer auf ihren Sitzen über die Vergangenheit spricht. Jimmy weiß, dass er ein Relikt ist. Doch er gibt nicht auf. John Wayne hat es ja auch nicht.

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Foto: Neue Visionen Filmverleih

Tatsächlich stellt sich mit dem diesjährigen Eröffnungsfilm die Frage: Was passiert, wenn ein griechisch-zypriotischer Theaterschauspieler aus Birmingham sich als Regisseur probiert? Marcus Markou thematisiert seine griechischen Wurzeln und kombiniert es mit dem, was den Engländern am liebsten ist: Fish and Chips.

In seinem ersten Spielfilm ”Papadopoulos & Söhne“ lässt Markou den erfolgreichen Geschäftsmann Harry Papadopoulos (Stephen Dillane) dank der Finanzkrise mal so richtig abschmieren. Mit dabei sind drei nervige Gören, die alle nicht so wollen, wie der Papa es will oder von denen er eigentlich gar nicht weiß, was sie wollen. Denn das „big business“ war nicht sehr förderlich für die Familie an sich, mit verstorbener Ehefrau wird’s gleich noch etwas dramatischer. Letztlich muss er sich wieder mit seinem lebensfrohen Bruder Spiros (Georges Corraface) abgeben, um den gemeinsamen Imbiss wiederzueröffnen.
Wer jetzt denkt: Da fehlt mir die Konstante, was soll der arme Knacker tun, wenn er mal keinen Fisch mehr braten will und seine Kinder sich mit Jungs, Pflanzen und Börsenprognosen davon gemacht haben? – Keine Sorge: Es gibt ja noch Sophie (Cosima Shaw), die sich ihrem Gerechtigkeitssinn folgend bei den großen Banken für Harry einsetzt. Seinen Blicken nach zu urteilen ist sie die erste Frau seit Langem, die dies vermag.

„Papadopoulos und Söhne“ ist samstagabendtauglich, eine multikulturelle Komödie zum Wohlfühlen; jedoch wird kein Neuland erobert und es bleibt bei altbekannten Klischees. Dank Trailer und den ersten Filmminuten ist die Moral von der Geschicht schnell erkannt: Erfolg ist, wenn du glücklich bist. Sprich: Arbeite nicht so viel und häufe lieber schöne Momente mit der Familie statt goldene Wandbehänge an.

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© Valentin Gagarin, Robert Wincierz, Shujun Wong

Kommt aber aus Hamburg. Zumindest die Kreativschmiede Fricklerhandwerk, aus deren Tabletpen die Animation “Reverie” floss. Die drei Studenten Shujun Wong, Valentin Gagarin und Robert Wincierz sind die Animationshandwerker dahinter – oder eher darin?

Nach kurzer Recherche lassen sich beeindruckende Fakten zu diesem Kurzfilmprojekt finden. In 13 Szenen mit über 10.000 Bildern wird das strudelnde Schicksal eines namenlosen Mannes erzählt. Ähnlich wie in einem Comic mussten alle Bilder einzeln gezeichnet und coleriert werden, ehe die Figur zwischen den Details der Großstadt in Bewegung kam. Innerhalb von zwei Jahren sind über 3.000 Arbeitsstunden sowie knapp 8.300 Euro von den drei jungen Fricklern investiert worden. Moment, nicht nur von drei Trickzeichnern: Auf der Crowdfunding-Plattform “Startnext” haben sie sich breite Unterstützung gesucht. Und sich dadurch mit einer akribischen Veröffentlichung fast jedem Detail der Finanzen und der Produktion gewidmet. Das ist nicht nur informativ, sondern legt den nötigen Aufwand eines deratigen Filmprojektes transparent offen.

“Reverie” besticht nicht nur durch seine unverwechselbare Optik, sondern auch durch den eigens eingespielten Soundtrack von Manuel Senfft. Musik und Geräusche unterstreichen die alptraumähnliche Handlung, verkörpern die Stimmung und ersetzen jegliche Sprache. Das passt nicht nur gut zusammen, sondern ist sicherlich der Grund, warum “Reverie” seit Oktober 2012 von Hamburg aus quer durch Europa reiste. Zypern, Toulouse, Jena, Rostock, Lublin und nun Schwerin. Und ebenso viel hat er noch vor: In Cannes wird die zwölfminütige Animation im Programm “Next Generation Short Tiger” laufen.

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Foto: Marie Kutzer

Beinahe möchte ich sagen “Na endlich!”. Ich komme von einer Ausstellung des Forums der Künste wieder und bin begeistert. Die Ausstellung “Generation 103” im Schweriner Dom übertrumpft die Begleitausstellungen des vergangenen Festivals um Längen.
Die Schweriner Nicole Schuster und Hanning Bruhn zeigen abstrakte Acrylbilder und abstrakte Objektkunst. Die Abstraktheit vereint die Werke, sie harmonieren nebeneinander und integrieren sich trotz der scheinbaren Willkürlichkeit von Form und Farbe in die langen, geraden Linien des Dom-Inneren.

Hanning Bruhn kombiniert Materialien wie Holz, Glas und Sand mit Gebrauchsgegenständen und kleinen Alltagsdingen, die wirken, als hätte er sie in einer Schublade im Schuppen gefunden. So erschafft er neue Objekte, ja ganze Szenen, die Raum zur Interpretation bieten. Ein verschmiertes Aquarium gefüllt mit getrockneten Fröschen, Dominosteinen und Sand. Daneben zwei grimmig blickende Holzfiguren im eisernen Kochtopf – Titel: “Beziehungskiste”.
Nicole Schusters zeigt farbintensive Acrylbilder auf Holz. Sie spielt mit Form, Material und Farbe und erschafft so “willkürliche und unwillkürliche Strukturen”, so die Schweriner Künstlerin. Eine Zusammengehörigkeit der zehn ausgestellten Bilder ergibt sich durch die sich wiederholenden Form- und Farbschemen.

Die Ausstellung “Generation 103” ist noch bis zum 10. Mai von 11 bis 15 Uhr im Schweriner Dom zu sehen. Ein Rundgang bringt Spaß, lädt zum Staunen ein und sorgt für Gesprächsstoff. Mittlerweile ist es 23:22 Uhr im schummrigen Redaktionsraum. Über die Fotos der Ausstellung freue ich mich immer noch.

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© Schwarz-Weiss Filmverleih

94 Minuten Lateinamerika. Ein erdrückendes Bild: keine Salsaklänge, nur ein spanisches Kinderlied am Flughafen von Buenos Aires. Maria (Jessica Schwarz) stimmt in das Lied ein, dass sie nicht kennt. Oder besser: Dass sie glaubte, nicht zu kennen. Es wirkt wie ein Wink des Schicksals, dass sie ihren Flug nach Santiago verpasst. Unbewusst lässt sie Chile zurück, um ihrem Gefühl zu folgen.
Es wird keine Idylle aufgebaut. Die Stadt ist zugebaut, voll mit Menschen, laut vom Verkehr der Straßen. Buenos Aires atmet, die Stadt lebt. Maria ist der Fremdkörper darin. Blasse Erinnerungen kehren wieder und so macht sich ihr Vater Anton (Michael Gwisdek) aus Deutschland auf den Weg – aus Angst, dass ihm die Vergangenheit seine Tochter nimmt.
Maria kann nicht mehr schwimmen. Doch ist sie aus dem Wasser, schnappt sie erst recht nach Luft. Am Ende steht die Frage im Raum: “Wolltest du das wirklich alles wissen?” – und die Gegenfrage: “Was hättest du an meiner Stelle gemacht?” Für Maria gibt es keine Alternative. Sie muss wissen, wo ihre Vergangenheit in Argentinien liegt. Doch wer fragt, dem wird vielleicht etwas erzählt, wofür man “hassen muss”.

So banal der Titel “Das Lied in mir” auch klingt, so leuchtet er von Anfang an ein. Das mehrfach ausgezeichnete Drama steht für Klarheit, für das Unbequeme. Es fällt schwer, auf Marias Reise in ihre eigene Vergangenheit nicht selbst in rastlose Gedanken zu verfallen. Das Licht ist warm, die Kamera scheut weder Schweiß noch das Verweilen für einen Moment. Verzweiflung, das Schattenspiel der Liebenden bei Nacht. Keine Illusion – nur das Pure.

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Foto: Urs Odermatt/Lizenz: CC BY-SA 2.0

Michael Gwisdek ist ein Stammgast auf Festivals. Mit der Berlinale verbindet ihn eine besondere Beziehung. Sein Traum, Schauspieler zu werden, begann am roten Teppich der Berlinale, als er dort Ende der 50er-Jahre die Stars mit seiner Super8-Kamera filmte.
Jetzt wird der rote Teppich für ihn in Schwerin ausgerollt. Mehrmals war Michael Gwisdek schon beim Filmkunstfest, nun wird ihm der “Goldene Ochse” für sein Lebenswerk verliehen – und das ist beachtlich: Geboren 1942 in Berlin, nach unterschiedlichen Tätigkeiten 1965 Beginn der Ausbildung an der Staatlichen Schauspielschule Berlin, mehrere Theateranstellungen und 1976 die erste größere Filmrolle in “Mann gegen Mann”. Arbeit an über 100 Filmen, darunter „Oh Boy“, für den er gerade den Deutschen Fernsehpreis für die beste darstellerische Leistung in der Kategorie männliche Nebenrolle erhielt. Die DEFA-Filme “Olle Henry” und “Der Tangospieler” stehen neben den aktuelleren Produktionen “Das Lied in mir”, “Vater Morgana” (beide 2010) und “Zur Zeit verstorben” (2004) auf dem Programm.

100 Filme in über 40 Jahren – das kommt nicht von ungefähr. Es scheint, als sei der Urberliner mit einer außergewöhnlichen Spielfreude gesegnet. “Heiner Müller hat gesagt: Arbeit, die Spaß macht, ist keine. Na, dann habe ich noch nie gearbeitet.” Auf seinen Traumschiff-Auftritt angesprochen, entgegnet er: „Ich hatte immer eine Grundregel: Hast du noch einen anderen Film? Nein? Dann spiele. Spielen ist immer besser als Nichtspielen.“
Doch Gwisdek hatte es nicht immer leicht: Knochenharte Arbeit in der DDR, Querelen wegen Westfilmen, einige wenige enttäuschende Filme – für ihn zählt auch seine letzte Regiearbeit „Das Mambospiel“ (1988) dazu. „Fünf Produzenten haben daran herumgepfuscht, er ist nur erschienen, weil ich entschieden habe, nicht zu scheitern.“ Gescheitert ist Gwisdek nicht, Erlebnisse wie diese formten seine Schauspielkraft. Und wenn er am Wochenende über den roten Teppich vorm Capitol läuft, inspiriert er vielleicht seine Zuschauer, wie er ein ambitionierter Tausendsassa und Film- und Fernsehliebling mehrerer Generationen zu werden.

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• Deutscher Wikipedia-Beitrag über Michael Gwisdek
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filmab!-Redakteurin Marie im Interview mit Oliver Hübner (Foto: Tino Höfert)

Oliver, ursprünglich sollte Elke Mülder die künstlerische Leitung übernehmen. Wie kam es dazu, dass sie zurückgetreten ist?
Das war in der Vorbereitung ein sehr schwieriges Jahr für uns. Im Juni, als wir angefangen haben, das Filmkunstfest vorzubereiten, war nicht klar, mit welcher personellen Konstellation wir das machen können. Es wurde seitens des Aufsichtsrats die Stelle des künstlerischen Leiters neu ausgeschrieben. Ich habe mich beworben und war auch in der engeren Wahl, aber der Aufsichtsrat hat sich Ende Oktober dafür entschieden, mit die künstlerische Leitung mit Elke Mülder zu besetzen. Es war allerdings klar, dass sie frühestens im Februar kommen konnte, weil sie im Januar noch das Max-Ophüls-Festival macht. Ich sollte sowieso bis dahin das Festival vorbereiten und vor Ort planen. Im Februar stellte sich heraus, dass sie nicht kommen würde.

War es für dich dann ein Sprung ins kalte Wasser, auch wenn schon vorher mit der Festivalplanung beschäftigt warst?
Das nicht. Es war schwierig, weil ich nicht wusste, wie viel ich zu Ende planen konnte und im Februar dann vielleicht doch nur zur Diskussion stellen müsste. Insofern war es ein anfänglich verhalteneres Planen. Erst als klar wurde, ich kann es bis zum Ende planen, war es für mich ein freieres Planen.

Ist es für nächstes Jahr vorgesehen, wieder einen künstlerischen Leiter zu besetzen? Die Stellenausschreibung gibt es ja noch.
Es soll in jedem Fall wieder ein neuer künstlerischer Leiter gesucht und besetzt werden.

Bewirbst du dich nochmal dafür?
(lange Pause) Ich weiß es nicht… Das hängt von ein paar Sachen ab. Der Aufsichtsrat kommt nach dem Festival zusammen und entscheidet, ob es neu ausgeschrieben werden soll oder die Stelle in einer anderen Form vergeben wird. Ich werde mich sicherlich mit einigen Leuten unterhalten und mich dann entscheiden.

Zur Länderreihe gab es auch unterschiedliche Planungen: Zuerst Kuba, jetzt ist es Großbritannien geworden. Wieso nicht Kuba?
Letztes Jahr stand Kuba noch nicht hundertprozentig fest. Wir haben es trotzdem verkündet, das war vielleicht ein bisschen zu früh. In Absprache mit wichtigen Partnern, die sich Kuba nicht als Gastland wünschten, haben wir es dann geändert.

Wie wird entschieden, welche Filme gezeigt werden? Zieht sich ein roter Faden durch die Länderreihe?
Ich habe versucht, verschiedene Themen zusammenzubringen, indem ich viele Leute gefragt habe, die sich mit dem britischen Film sehr gut auskennen: Was sind für euch die wichtigsten britischen Filmemacher, die wichtigsten Filme? Wir haben spannende Regisseure dabei, wie Ken Loach und Lynne Ramsey. Lynne Ramsey – eine der interessantesten aktuellen britischen Regisseurinnen – sie hat den Film “We need to talk about Kevin” gemacht, der im letzten Jahr ziemlich Furore gemacht hat. “Ratcatcher” ist der erste Film von ihr, der international auch auf Wettbewerben lief. Wir haben eine spannende Deutschlandpremiere von einer aktuellen britischen Komödie: “Papadopoulus und Söhne”. Außerdem sind Kurzfilme vom London Short Film Festival dabei.

Oliver Hübner im Gespräch mit der filmab!-Redaktion (Foto: Tino Höfert)

Was macht den britischen Film aus?
Da gibt’s verschiedene Ansätze. Es gibt diese typische Reihe der Sozialdramen, ausgehend von den britischen Schichten. In Großbritannien ist es noch mal etwas anderes als in Deutschland, es gibt ein starkes Klassenbewusstsein, woraus sich spezifische Wahrnehmungen ergeben. Diese Probleme der britischen Arbeiterklasse sind in sehr starken Filmen umgesetzt worden. Da zeigen wir zum Beispiel auch “This is England”, was einer der Klassiker der Neunziger Jahre in Großbritannien war. Es gab einige Filme, die ich auch gerne gezeigt hätte, zum Beispiel “Trainspotting”. Den haben wir leider nicht gekriegt, weil es die Verleihrechte in Deutschland im Moment einfach nicht gibt. Ich hätte auch gerne einen Musikfilm gezeigt – “Quadrophenia” – da haben wir auch schlichtweg die Verleihrechte nicht bekommen. Das war gerade für die Großbritannien-Reihe eine Hürde. Und dann Monty Python mit einem Klassiker des britischen Humors – die mussten wir einfach reinnehmen.

Wir sind gespannt, wie der britische Humor wohl beim Schweriner Publikum ankommen wird. Hattest du da vorher Bedenken, gerade auch wenn einige Filme in Originalsprache gezeigt werden?
Ich hoffe einfach, dass genug an Großbritannien interessierte Besucher hier aus Schwerin kommen. Da mache ich mir eigentlich weniger Sorgen. Klar, wir haben einige Filme, die im Original ohne Untertitel laufen, viele zeigen wir aber auch im Original mit Untertiteln. Ich denke, die Kinofreunde, die wahren Cineasten, schätzen es, einen Film im Original mit Untertiteln zu sehen.

Wenn du mal zurückblickst auf deine gesamte Filmkunstfest-Geschichte: Woran erinnerst du dich gerne zurück?
Oh, ich bin jetzt das vierte Jahr beim Filmkunstfest dabei. Die letzten beiden Jahre in der Programmplanung, das erste Jahr in der Presse- und Öffentlichkeitsarbeit. Es waren einfach sehr interessante Menschen, die ich in der Zeit getroffen habe. Zum Anfang habe ich zum Beispiel mal eine Pressekonferenz mit Michael Ballhaus und Andreas Dresen leiten dürfen. Auch unsere Ehrengäste waren immer sehr beeindruckende Begegnungen. Mit Otto Sanders Ramazzotti trinken, mit Hannelore Elsner im Brinkamas ein Glas Wein.

Zukunft Filmkunstfest: Wie wird es sich weiterentwickeln? Wir haben beobachtet, dass einige Reihen neu dazu kommen, beispielsweise gibt es jetzt den “Leo” der Kinder- und Jugendjury.
Ich habe in diesem Jahr versucht, mich ganz klar auf die Traditionen zu berufen, dass das Filmkunstfest ein Publikumsfestival ist: Berührungspunkte zwischen dem Filmteam und dem Publikum schaffen, dass man einfach nach den Filmen gemütlich im Stadtkrug beisammen sitzt und am Nachbartisch sitzt dann vielleicht noch ein Filmteam. Es ist Nähe da, man kann die einfach sogar ansprechen und was fragen. Wir haben den Filmtalk jetzt auf 22 Uhr gelegt – in der Hoffnung, dass wir da noch ein paar mehr Leute erreichen, die vielleicht nicht bis morgens früh um halb zwei beim Festival ausharren.
Die Kinder- und Jugendreihe ist sicherlich etwas, was in den nächsten Jahren auch noch ausgebaut wird. Die Reihe hat sich leider erst in den letzten zwei, drei Monaten vor dem Festival ergeben. Wenn wir da auch noch mehr Planungssicherheit haben, das Festival über ein ganzes Jahr mit besserer Planungssicherheit planen können, möchten wir die Schulen mehr einbinden und da auch Werbung machen für die Kinder- und Jugendfilmreihe, die dann ein Wettbewerb werden soll.

Wie kam es zu der Hommage-Reihe für Michael Gwisdek? Wie wird das entschieden, wer der Ehrenpreisträger wird?
Der Ehrenpreis ist so eine Herzensangelegenheit vom ganzen Team. Das entscheiden und überlegen wir zusammen: Wer würde passen in diesem Jahr? Wer hat interessante Sachen gemacht? Wer hat vielleicht auch ein Jubiläum? Mit Michael Gwisdek haben wir in diesem Jahr den richtigen Riecher gehabt, gerade ist er mit dem Deutschen Filmpreis ausgezeichnet wurden. Die Reihe ergibt sich dann aus dem Gespräch mit dem Preisträger selbst. Ich habe mich mit Michael Gwisdek getroffen und ihm ein bisschen was vorgeschlagen. Er hat dann gesagt, welche Filme er gerne dabei hätte. So haben wir uns auf eine vielfältige Reihe einigen können.

Gibt es schon Spekulationen, wer es im nächsten Jahr werden wird? Oder darf das noch nicht verraten werden?
Wir haben tatsächlich schon einige Namen so mal für uns überlegt, aber da sage ich jetzt lieber noch nichts zu.

Ich bedanke mich für das Gespräch und schalte das Mikro aus. Oliver Hübner atmet tief durch. Er gibt zu, dass er langsam aufgeregt wird. Er schwingt sich aufs Fahrrad, um bis zum Start des Festivals noch die allerletzten Dinge vorzubereiten.

© Salzgeber & Co Medien GmbH

Eigenheim, Nachwuchs auf dem Weg, Aussichten auf Beförderung in den höheren Dienst bei der Polizei: Eigentlich sollte das Leben von Marc (Hanno Koffler) recht geordnet und vielversprechend aussehen. Das ist es auch – mit seiner Frau Bettina (Katharina Schüttler) lebt er in einer frisch bezogenen Doppelhaushälfte. Bis er auf einer Weiterbildung Kay (Max Riemelt) kennenlernt. Als dieser ihn während des Lauftrainings körperlich näher kommt, ist Marc entsetzt. Doch mit der Zeit entwickelt auch er Gefühle. Zunächst langsam, dann immer schneller fällt Marc aus seiner sicheren Welt hinaus. Im freien Fall gibt keinen Halt. Auch nicht für ihn. Ein Strom aus Ereignissen, eine Fülle von Gefühlen, Selbstzweifeln und Fragen kommen auf: Wer bin ich wirklich? Und was ist, wenn ich auch ohne das alles ganz sein kann?

„Freier Fall“ vom deutschen Filmemacher Stephan Lacant ist dessen erster Spielfilm und überzeugt vor allem durch bewegende Bilder und eine überzeugende Rollenverteilung bis zu den Nebendarstellern. Ohne zu werten oder zu verurteilen, werden die Figuren treffend charakterisiert. Die Stimmung im Film ist fast durchgehend bedrückend, teilweise sogar verstörend. Der bewölkte Himmel erlaubt nur einzelne Lichtblicke, die aber sogleich von einer weiteren unglücksverheißenden Wolke überschattet werden. Als Zuschauer hat man das latente Gefühl, selbst in einen Strudel zu geraten und diesen aufhalten zu wollen, um das Zerbrechen der jungen Familie zu verhindern.
Einziger Wermutstropfen ist, dass die Handlung zeitweise zu vorhersehbar und gestelzt wirkt. Es gibt wenig Überraschungen oder plötzliche Wendungen im Handlungsstrang der Geschichte. Das ist schade, denn so werden die Rolle von Kay und sein persönlicher Konflikt nur oberflächlich angetippt.

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© credofilm

Wenn die sonnigen Tage kürzer werden, das Gras nicht mehr wächst und sich der Sommer verabschiedet, dann beginnt der traditionelle Almabtrieb. Für diesen besonderen Tag werden die Kühe mit riesigen Glocken behangen. Ein sonores, durchdringendes Läuten zieht über die Weiden, wenn die Kuhjungen das unruhige Vieh ins Tal treiben.

In dieser ländlichen Erwerbswirtschaft mitten im Allgäu verliebt sich der junge Bauer Peter (Ferdinand Schmidt-Modrow) in seinen besten Freund Johannes (Martin Liema). Johannes genießt die unvergessliche Nähe zu Peter: Ob beim gemeinsamen Bier auf der Alm, beim Ausmisten des Kuhstalls oder im schicken Cabrio. Doch auf der abendlichen Bierzeltparty prallen die unterschiedlichen Lebensanschauungen aufeinander. Im Zwiespalt der Gefühle geht Johannes einen dramatischen Schritt, der die Freundschaft der beiden verändert.

Der zwölfminütige Kurzfilm “Wenn die Kühe Glocken tragen” ist der Abschlussfilm von Christian Günzler. Ohne viele Worte zu verschwenden, zeigt sein „Allgäuer Heimatkurzfilm“ emotionale Augenblicke in einer unberührten Umgebung der Vertrautheit. Was bleibt, ist der innere Kampf zwischen den Erwartungen einer konservativen Gesellschaft und dem individuellen Schicksal eines jungen Menschen. Längst wurde das Thema Homosexualität auch in der Dokusoap “Bauer sucht Frau” aufgegriffen. Aufmerksame Zuschauer erleben den vorwiegend schweigenden Dialog der Protagonisten als Sinnbild der eisernen Verweigerung auf die zentrale Frage: Willst du mit mir gehen?

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Foto: Tino Höfert

Extra aus Leipzig ist Wiebke ins beschauliche Schwerin gekommen, letztes Jahr weilte sie noch für ein FSJ in MV. Nun bewegen sie die Filme, vor allem das Gastland Großbritannien, hierher. Auf der Suche nach Gesprächspartnern und spannendem Meinungsaustausch mit den anderen Redakteuren oder gern auch mal mit Filmemachern. Wenn es sich ergibt.

Die Frage, warum ein Film(kunst)fest und nicht ein Buchfestival, würde sie gern noch besprechen. Die Buchmesse der mitteldeutschen Messemetropole bietet eine gute Möglichkeit. Doch zu überlaufen – Schwerin ist da familiärer. Und dann das Gastland! Etwas später entwickelt sich eine kurze Diskussion, warum „Die Ritter der Kokusnuss“ und nicht „Das Leben des Brian“ gezeigt wird*. Und wie soll man da in einer Woche so viele Rezensionen schreiben? Am Ende ist der wesentliche Unterschied doch, dass beim Buch die Bilder im Kopf entstehen, der Film mit Wahl der Schauspieler, Musik, Text, Bildausschnitt und noch vielem mehr die Möglichkeit besteht, eigentlich jede Geschichte spannend zu erzählen. Viel mehr, über dass es sich zu reden lohnt.

* Was der leitende Programmredakteur im späteren Hintergrundgespräch in der Redaktion damit begründet, dass einerseits „Das Leben des Brian“ regelmäßig im Fernsehen läuft und dann dankbar Wiebkes Vermutung aufgreift, dass die Arthus-Geschichte (in Ritter der Kokosnuss) natürlich auch Großbritannien besser darstellt als die Jesus-Geschichte ;-)

Foto: Tino Höfert

Also bist du dann auch sonst ein strukturierter Typ?
Nein, gar nicht.

Poet oder Realist – wo würdest du dich eher einordnen?
Schwierig und tageszeitenabhängig. Bei solchen Arbeiten bin ich eher Realist. Aber wenn Zeit ist zur Poesie und zum kreativen Chaos, dann gerne auch Poet.

Man hört heraus, dass du aus Brandenburg kommst. Was sind denn brandenburgische Tugenden und Traditionen, die du mitgebracht hast?
Ich glaube, das sind nicht so viele. Spontaner Unterschied: die Brandenburger haben erst mal die Berliner Kotterschnauze, was sich auch manchmal in Gesprächen zeigt und manchmal als unhöflich und ein bisschen zu direkt gesehen wird. Ist aber eigentlich nie böse oder persönlich gemeint, sondern hat sich so eingebürgert. Am Anfang ist mir das in Mecklenburg-Vorpommern doch schon mal öfter auf die Füße gefallen. Ich weiß nicht, ob das wirklich eine Tugend ist. Ich glaube, es schreckt eher ab. Aber die, die damit umgehen können, finden das doch sehr ehrlich.

Weil ich vorhin Kevin zugesehen habe, wie er seine Luftballontiere geformt hat: Welches Tier hättest du dir gerne ausgesucht? Kann man daraus eventuell sogar Parallelen zu deiner Kindheit ziehen? Irgendetwas, das du ganz spannend fandest, an Tieren oder Figuren allgemein?
Einen Drachen find ich toll. Der ist aber, glaub ich, echt schwierig zu machen. Sieht aber cool aus. Ob das jetzt auf meine Kindheit irgendwie zurückzuführen ist? Tja, Drachen gibt’s jetzt nicht so viele in unserer Ecke (lacht). Wenn Drachen aber in mythischen Geschichten auftauchen, finde ich das faszinierend, auch wenn ich nicht viel Ahnung davon hab. Ist doch lustig, wie selbstverständlich man über etwas spricht, das eigentlich nicht existiert und wovon jeder eine grobe Vorstellung hat.

Der Drachen kann ja auch verschiedene Sachen. Was würdest du gerne können oder noch lernen?
Um nochmal das Beispiel aufzugreifen: Ich finde spannend, dass Drachen im Mittelalter im europäischen Raum immer als böse Feinde galten, in Asien dagegen sehr geschätzt sind. Sie wurden als Gefahr und Raubtiere, gleichzeitig aber auch als Symbole für Weisheit, Intelligenz und Ausgelassenheit wahrgenommen.

Und so möchtest du auch gern wahrgenommen werden? (kann einen Lacher nicht unterdrücken)
Das wäre spannend, ja! Wenn ich gern etwas sein würde, dann ausgeglichen ohne langweilig zu sein. Entspannt mit den Sachen umgehen, aber nicht so entspannt, dass ich auf gar nichts mehr reagiere.

Ich schließe daraus, dass du wie jeder andere Mensch auch mal traurig bist. Wohin gehst du, wenn du traurig bist?
Ins Bett! Oder ich arbeite.

Wo arbeitest du denn?
Ich arbeite freiberuflich als Layouter und studiere Lehramt Geschichte und Kunst in Greifswald. Also entweder Arbeit oder Natur. Klingt abgedroschenen, leider mach ich das aber viel zu selten. Natur kann sehr entspannend und beruhigend sein.

Was motiviert dich, Lehrer zu werden? Willst du deine Schulzeit wiederholen, weil sie so geil war, oder willst du was verbessern, was du in deiner Schulzeit vermisst hast?
Ich hatte tolle Lehrer. Denen man vertraut hat, die an uns geglaubt haben, die uns das Gefühl gegeben haben, dass sie uns auch zugehört haben und dass sie uns wirklich was vermitteln wollten. Die vor allem auf uns reagiert haben. Die waren gute Vorbilder.
Wer weiß, ob ich überhaupt Lehrer werde. Wenn, dann geht es nicht um Absicherung, sondern dass man mit jungen Menschen zu tun hat und Bildung weitergeben kann. Diesen Austausch finde ich persönlich wichtig und am bereicherndsten.

Welchen Film würdest du immer weiterempfehlen?
Es gibt Filme, die sehr beeindruckend sind, aber sie anderen zu erzählen wäre verstörend. “Old Boy” und “Man bites dogs” waren solche Filme. Sehr heftig.
Auf der anderen Seite gibt es Filme, die man gesehen haben sollte, weil sie sehr positiv sind: “Wer früher stirbt ist länger tot” ist sehr sympathisch, sobald man sich an den bayrischen Dialekt gewöhnt hat. Ein zweites Beispiel: “Sterben für Anfänger”. Eine Familienbande kommt zum Begräbnis des Vaters zusammen und es wird klar, dass er sein wahres Leben recht gut geheimgehalten hat.

Schätzt du den britischen Humor und dass Großbritannien dieses Jahr das Gastland ist?
Ja, da bin ich gespannt. Die Klassiker kennt man eben auch immer nur szenenweise. Aber auch auf die neuen Filme bin ich schon sehr gespannt.

Spannung ist immer gut, um in eine vollgepackte Woche wie diese zu starten. Na dann: Danke für dieses Interview!

Foto: Daniel Focke

Tino studiert Politik- und Erziehungswissenschaften in Rostock. Seine Freizeit nutzt er für ehrenamtliche Projekte und Tätigkeiten beim JMMV. “Ich verplemper sowieso schon zu viel Zeit im Internet, und ich weiß, dass sich ich das bei Facebook auch machen würde.” Mit seiner ablehnenden Haltung schwimmt er gegen den Strom und erfährt auch negative Aspekte seiner Entscheidung. “Manchmal vergisst jemand, mich zu einer Party einzuladen. Bisher habe ich aber nicht das Gefühl, etwas verpasst zu haben.” Wo mancher in der Informationsflut versinkt, bleibt er sich und der filmab! treu.
Ob sich Tino in den nächsten Jahren bei Facebook anmeldet? “Vielleicht kommt die Zeit, ja. Aber das möchte ich nicht garantieren und auch nicht ausschließen.”

Foto: Tino Höfert

Marie ist schon zum zweiten Mal bei der filmab!-Redaktion dabei. Sie erinnert sich noch sehr gut an die unbeschreibliche filmab!-Atmosphäre aus einer Mischung aus Schlaflosigkeit, Begeisterung, Produktivität und Cola- und Kaffeesucht. Das möchte sie auch dieses Jahr um keinen Preis missen.

Ein Film hatte es ihr letztes Jahr besonders angetan: Mit dem Schauplatz Ostberlin zur Vorwendezeit und der Geschichte über eine junge Skatergruppe überzeugte sie „This ain‘t California“. Vor allem faszinierten sie die Wechsel zwischen starken Interviews und historischen Filmausschnitten. In diesem Jahr freut sie sich auf viele spannende und interessante Filme, einen witzigen Schlafrhythmus und eine tolle Zusammenarbeit in der filmab!-Crew.

Ach, übrigens: Ihr Lieblingseis ist Pfefferminze mit Schokostückchen. Und wenn sie mal richtig groß ist, wird sie einen wunderschönen Buchladen mit Holzdielenfußboden und Ohrensesseln in einem kleinen Küstenort besitzen.

Foto: Tino Höfert

Claudia, wo fühlst du dich zu Hause?
(überlegt) Zurzeit nirgendwo.

Woran liegt das? Du bist doch dein ganzes Leben in solch einer schönen Stadt aufgewachsen.
(blickt verwirrt in die Ferne) An den wechselnden Universen.

Könntest du das weiter ausführen?
Es gibt das Problem der Selbstidentifikation in immer fortwechselnden Umfeldern und Sozialstrukturen.

Welche Folgen kann das bei jungen Menschen wie dir haben?
In Problemen der Rastlosigkeit, Heimatlosigkeit und… (überlegt) Es muss nicht immer einen dritten Punkt geben.

Das klingt aber stilistisch besser.
(überlegt) Stilistik ist ein Privileg der Selbstzufriedenen.

Zu denen du dich nicht zählst?
Wenn ich selbstzufrieden wäre, würdest du mir diese Frage nicht stellen.

Wenn du nicht selbstzufrieden wärst, würdest du keine Interviews geben.
(herausfordernd) Dann beantworte mir mal eine Frage: Wer ist mit sich selbst zufriedener, der Löwe oder die Gazelle?

Wer auch immer es tut: Tot ist im Endeffekt immer die Gazelle.
Es sei denn, sie ist verdammt schnell.

Vielen Dank für dieses Interview.

Foto: Tino Höfert

Seit 2003 ist Erik Mitglied beim JMMV und immer wieder, mit kleineren Ausfällen, bei filmab! dabei. Als die Redaktionsräume noch über dem Capitol eingerichtet waren, mit selbst hergefahrenen Sofas, Turmrechnern, Röhrenbildschirmen und Kochplatte aus Berlin. So kann er von der Legende einer Abkürzung zum Kinosaal schwärmen. Da gab es wohl einen Hintereingang, allerding nicht nutzbar.

Dennoch: Erik ist eigentlich zum Filmegucken hergekommen. Wobei man das nicht übertreiben sollte. Selbst ein Erik musste nach einer Woche wenig Schlaf, aufgrund des Redaktionsalltages oder eher durchwachter Nächte, an einem Samstag nach einem Filmemacherfrühstück (mit Bierchen) und einem Tag mit bereits vier Streifen bei Nummer 5 kurz wegnicken. Doch wie waren die Filmtitel noch gleich? An sich ist Erik darüber im Bilde. Deswegen ist es immer gut möglich, mit ihm Inhalt, Aussage, Schnitt und den ganzen anderen Filmkram auszuwerten oder zu verurteilen. Wobei das Verurteilen in diesem Jahr mit dem Gastland Großbritannien schwer wird, wo es doch genau seinen Humor treffen könnte.

Das Internet ist schon lange wieder da. Auf eine lustige Woche!

Foto: Tino Höfert

Kevin ist ein alter Hase in der filmab!-Redaktion. Seit 2010 ist er regelmäßig dabei, in diesem Jahr bereits zum vierten Mal. Dank des Onlinearchivs kann ich meine Erinnerungen ein bisschen auffrischen: 2010 plädierte Kevin für bessere Präventionsmaßnahmen gegen Alkoholmissbrauch, 2011 entdeckte man ihn am besten, wenn man von Zeit zu Zeit in den Schlafraum luscherte, und 2012 überraschte er die Redaktion immer wieder mit einem charmanten Zaubertrick.

Zaubern ist für Kevin mehr als nur Trickserei, sondern “ein Hobby, das ich zum Beruf gemacht habe” – und das ohne fachliche Ausbildung, wie er stolz betont. Regelmäßig tritt der 23-Jährige als Clownikuss bei Festen, Kindergeburtstagen, Firmenfeiern, Großveranstaltungen und auf Kleinkunstbühnen auf. Zum Repertoire gehören auch Kinderschminken, Ballondekorationen und Feuerwerke. Dass er momentan eine sommerliche Zirkusconvention für 15 Jugendliche vorbereitet, erfahre ich erst, nachdem mich Kevin zu Themengebieten wie sozialen Netzwerken, Zeitungskrise und Medienkompetenz interviewte – und dabei ein bemerkenswertes Talent bewies, nach einer kniffligen eine noch kniffligere Frage wie eine Spielkarte aus dem Ärmel hervorzuzaubern.

Foto: Tino Höfert

Was ist also bei Jette in der vergangenen Zeit passiert? Sie geht weiterhin zur Schule, ein Jahr verbrachte sie als Austauschschülerin in Finnland. Dort war sie vor Kurzem wieder mal zu Besuch, aber in Zukunft zieht es sie nicht ins Ausland. Erstmal möchte sie in Deutschland bleiben, später vielleicht ein Auslandssemester. Südostasien würde sie reizen.

Wir sitzen entspannt in der Sonne am Pfaffenteich und plaudern. Was machst du so, was mache ich so. Und dann sagt Jette plötzlich: “Frag mal nicht so viel zum Thema Film, da kenn’ ich mich nicht so aus.” Trotzdem ist sie gespannt auf das filmab!-Erlebnis, freut sich auf die Kurzfilme und unbekanntere deutsche Filme abseits des Hollywoodgewimmels. Ich frage, was für sie einen guten Film ausmacht. Jette überlegt kurz und sagt dann: “Das Ende und die Handlung sollte nicht vorhersehbar sein. Über einen richtig guten Film denkt man hinterher noch nach. Man beschäftigt sich weiter damit und recherchiert vielleicht noch dazu.”

Wir unterhalten uns über unsere Zukunftsplanungen. Früher wollte Jette Pilot werden, jetzt vielleicht Künstlerin, aber so genau weiß sie das auch noch gar nicht. Ihr großer Traum ist es, zusammen mit einer Freundin das Schweriner Kammerkino in der Nähe des Speicher wiederzueröffnen. Sie schwärmt von Dachterrasse, Kinosälen, einem Café und Konzerten im Kammerkino. Aber bis es soweit ist, steckt Jette ihre Energie wieder in eine neue Schülerzeitung.

Foto: Tino Höfert

… ja, wie lautet dein Name?
Helene Timm.

Und was ist dein Motto?
(lacht) Mein Name ist mein Motto! Helene heißt “die Immerstrahlende” und steht für Sonne und Mond, was ich auch erst seit Kurzem weiß. Viele Leute haben mir gesagt, dass es gut zu mir passt.

Was ist deine Heimat?
Die mecklenburgische Ostseeküste zwischen Rostock und Wismar. Ich mag die Landschaft und meine Kleinstadt dort und was ich damit verbinde. Aber Heimat hängt für mich nicht nur vom Ort ab, sondern von einem selbst und anderen Menschen.

Was machst du dann in Schwerin?
Zum dritten Mal das Filmkunstfest besuchen. Da ich sonst mit Schwerin nichts zu tun habe, freue ich mich, da es eine echt schöne, kleine, gemütliche Stadt ist. Und obwohl es hier keine Uni gibt, das jugendliche Leben sehr aktiv ist.

Und was machst du genau in Schwerin?
Jetzt schreibe ich hier für das wunderbare und unabhängige Begleitmagazin filmab! vom Jugendmedienverband Mecklenburg-Vorpommern, welchen ich persönlich schätze und seit einigen Jahren mit meiner Mitarbeit unterstütze.

Bist du etwa voreingenommen?
Im postiven Sinne, ja! (lacht)

Verrätst du uns dein Alter?
18 Jahre.

Hast du Ziele und Erwartungen für diese Woche?
Nee, ich stolpere immer in die filmab! hinein, um dann jedes Mal zu merken, was es für eine tolle Sache ist. Jeden Tag einen anderen Film zu gucken, neue Perspektiven zu haben und auch mit anderen Leuten zusammenzuarbeiten. Und um schöne Filme zu sehen und dann ordentlich darüber zu schreiben, was den schönen Filmen gerecht wird.

Und dein Lieblingsfilm?
Ich finde sehr viele unterschiedliche Filme schön und je nach Situation auch unterschiedlich wichtig. Entweder nachdenkliche Filme, in denen hinterfragt wird, oder aber auch Filme einfach zum Abschalten. Wichtig ist: Der Film muss mich so in den Bann ziehen, dass ich das Gefühl habe, die Filmwelt mitzuerleben.

Gibt es Filme, welche du nicht zu Ende schauen würdest?
Science-Fiction-Filme, ich kenne da auch die Klassiker nicht.

Hast du ein Lieblingsfilmmonster?
2010 oder 2011 gab es einen Kurzfilm, da kam eine Milbe vor, was ich irgendwie lustig fand. Ich weiß nicht, warum ich gerade daran denken muss; vielleicht ist das so meine Gruselvorstellung. Ich mochte aber anfangs auch viele Disneyfilme nicht, da ich in der Verfilmung von Schneewittchen die Stiefmutter so unheimlich gruselig fand, mit ihrem ekligen Gesicht und den langen Fingernägeln.

Dein Leben ist ein Film – was wäre dein Soundtrack?
Für die gute Laune gerne 50er- und 60er-Rock’n'Roll und ich mag auch Soul und vor allem handgemachte Musik. Zum Entspannen auch Soundtracks mit klassischer Musik.

Stell dir vor, dein Leben wird verfilmt – mit welcher Wunschschauspielerin?
Irgendjemand Unbekanntem, dem ich noch einmal eine Chance geben möchte, einen wunderbaren Film zu drehen und den ich selber sehr interessant finde. Ich wüsste jetzt aber auch keine Schauspielerin, die mir ähnlich sieht.

Gibt es bestimmte Filmfiguren, die starken Einfluss auf dich haben?
(länger grübelnd) Als Kind habe ich viele Hörbücher und Kassetten gehört. Fernsehen war zwar auch da, aber heute würde ich sagen, dass ich mich an falschen Sachen orientiert habe, also dies nicht sehr hochwertig war.
Vor einer Weile habe ich aber die Serie “Türkisch für Anfänger” geschaut. Da fand ich die Hauptdarstellerin am Anfang nicht sympathisch, aber zum Schluss konnte ich sie in vielen Sachen verstehen und mochte auch die Familie.

Helene, vielen Dank für das Gespräch.

Ihr wollt auch mal dabei sein? Ihr mögt Filme? Ihr schreibt gerne? Ihr habt Lust, beides miteinander zu verbinden? Dann ist “filmab!” perfekt für euch.
In einem jungen Redaktionsteam berichten wir gemeinsam vom 27. April bis 05. Mai vom 23. Filmkunstfest Mecklenburg-Vorpommern in Schwerin. Täglich füllen wir das filmab!-Magazin mit Rezensionen, Interviews, Artikeln und Fotos. Alle Beiträge erscheinen auch hier online. Es lohnt sich: Wer einmal dabei war, den lässt das Filmfieber nicht mehr los.

Neugierig geworden? Meldet euch an und seid dabei!
Hier geht’s zum Anmeldeformular. Bitte bis zum 14.04.2013 ausdrucken und an unsere Adresse PF 109184, 18013 Rostock schicken.

Teilnehmen können alle Interessierten zwischen 14 und 27 Jahren aus Mecklenburg-Vorpommern. Der Seminarbeitrag beträgt 45,00 Euro für JMMV-Mitglieder oder Inhaber einer Jugendleitercard, für alle anderen 60,00 Euro. Darin enthalten sind Programm, Unterkunft und Verpflegung. Fahrtkosten können anteilig erstattet werden.

Wir freuen uns auf euch und viele spannende Filme, interessante Begegnungen und inspirierende Veranstaltungen!

Foto: Maria Buchholz

Rückblick: Im vergangenen Jahr hat die filmab!-Redaktion erstmals einen kleinen Kritikerpreis verliehen – das “Goldene Kälbchen” ging an den Spielfilm “Tag und Nacht”. Darstellerin Anna Roth war sichtlich begeistert bei der Preisübergabe am Seglerheim.
Wir auch. Deswegen wollen wir den inoffiziellen Mini-Ochsen auch dieses Jahr wieder an den Film vergeben, welcher die filmab!-Redaktion am meisten begeistert hat. Der Preis ist absolut undotiert, aber kommt von Herzem. Nach einem ersten Wahlgang mit allen rezensierten Filmen und einer anschließenden Stichwahl gibt es einen klaren Gewinner.

Leider konnte das Team um Regisseur David Schalko am Wochenende nicht mehr in Schwerin sein, um den Preis persönlich von uns überreicht zu bekommen. Deshalb werden wir das kleine, goldene Tierchen nachschicken – verbunden mit der Bitte, uns ein schönes Foto zusammen mit dem Kälbchen zuzusenden, um es hier zu veröffentlichen. In diesem Sinne: Herzlichen Glückwunsch!

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• “Das Goldene Kälbchen” im filmab!-Magazin lesen

Foto: Marco Herzog

Ehrenpreis “Der Goldene Ochse”

Otto Sander

Darstellerpreise

Nachwuchsdarstellerpreis
Alina Levshin in “Kriegerin”

Preis für die beste darstellerische Leistung
Devid Striesow und Louisa Sappelt in “Transpapa”

Spielfilmwettbewerb

Hauptpreis “Der Fliegende Ochse”
“Was bleibt” von Hans-Christian Schmid

NDR-Regiepreis
“Transpapa” von Sarah Judith Mettke

Preis für die beste Musik- und Tongestaltung
“Wie man leben soll” von David Schalko

Publikumspreis der Schweriner Volkszeitung
“Bis zum Horizont, dann links!” von Bernd Böhlich

Der CineStar
“Bis zum Horizont, dann links!” von Bernd Böhlich

Preis der Jury der deutschsprachigen Filmkritik in der FIPRESCI
“Transpapa” von Sarah Judith Mettke

Dokumentarfilmwettbewerb

Publikumspreis
“Herr Wichmann aus der dritten Reihe” von Andreas Dresen

Nachwuchsförderpreis der DEFA-Stiftung
“This ain’t California” von Marten Persiel

Kurzfilmwettbewerb

Hauptpreis
“Streuner” von Leonie Krippendorff
und “Olgastraße 18″ von Liv Scharbatke und Jörg Rambaum

Preis für die beste Bildgestaltung
“Kursdorf” von Michael Schwarz, Kamera: Alexander Griesser

“Der Findling” vom Landesverband Filmkommunikation
“Olgastraße 18″ von Liv Scharbatke und Jörg Rambaum
 

Kurzfilmnacht

“Golden Moon”
“Schwitzkasten” von Christian Ricken

Foto: blende2komma2

Aus 200 eingeschickten Filmen wurden 24 Werke ausgewählt, um am Freitagabend über die etwas verbaute Leinwand des Speichers zu flimmern. In drei Blöcken wurden die Kurzweiler runtergerasselt. Dazwischen spielte eine niedliche, junge Männerband etwas laute Musik. Moderator „Moe“ führte mit spontanen Einfällen durch den Abend, aber fasste sich angenehm kurz.

Dem besten Film winkt am Ende des Abends wie üblich der „Golden Moon“. Der 1. Platz ist mit 250 Euro dotiert und wird direkt in der Nacht vom Publikum gewählt. Alle Stimmen werden ausgezählt, die Gewinner mit einem sich überraschend ergebenen Trommelwirbel des Banddrummers verkündet. Die Stimmung im Speicher war durchweg gut mit den knapp 50 Leuten, die zur Mitte der Nacht noch verblieben waren. Leider fehlte es der Preisverleihung an Prominenz. Weder Regisseure, Kameraassistenten oder Setbeleuchter noch Kabelträger der Publikumslieblinge waren anwesend, um ihre Urkunden würdigend entgegenzunehmen. Sehr schade, aber vielleicht lag es auch daran, dass aus nicht ganz ausgeführten Gründen der Abspann einer jeden Produktion abgebrochen wurde. Ist unsere Zeit denn deratig knapp bemessen?

Einsame Spitze war die Auswahl der Filme. Von Romanzen zwischen Kitsch und Klamauk über Action von Trashig und Splatter bis zu großen Gedanken des Lebens, Erklärungsversuchen zur Jugendkultur, Aufbereitung historischer Fakten oder Geschichten von gesellschaftlichen Konflikten sowie kunstvoll gelungenen Inszinierungen oder berührenden Ansichten einer jungen Frau, die sich eine Stimme lieh, um sich uns mitzuteilen. Am Ende war es schwierig, nur drei Filme zu favorisieren.

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• Im filmab! Magazin lesen

Pünktlich um halb zehn ist die neue filmab!-Ausgabe da.

Hier die Ausgabe als PDF herunterladen.

Übrigens liegen zwischen dem 1. und 6. Mai jeweils ab dem frühen Nachmittag an folgenden Orten in Schwerin die Zeitungen aus:

• Capitol
• InterCityHotel
• Stadtkrug
• Schleswig-Holstein-Haus

Foto: Kinowelt

Cassiel (Otto Sander) ist unsterblich. Von der Siegessäule aus blickt er über Berlin, streift durch Straßen und U-Bahn-Stationen, beobachtet das rege Treiben der Menschen, lauscht ihren Gedanken und Sorgen. Niemand kann ihn sehen, doch sein Freund Damiel (Bruno Ganz) kann Cassiel spüren, wenn dieser ihm sanft ins Ohr pustet.
Der Engel und seine Gefährtin Raphaela (Nastassja Kinski) sind enttäuscht: „Die Menschen haben sich nicht der Erde Untertan gemacht, sie sind ihr Untertan geworden.“ Sie sind deprimiert von der sozialen Kälte und davon, nicht zu wissen, wie es sich anfühlt ein Mensch zu sein. Als Cassiel der kleinen Raissa das Leben rettet, wird er plötzlich quicklebendig. Doch wenn Engel fallen, fallen sie tief: Begleitet von einem gewissen Emit Flesti (Willem Dafoe) verliert der sanftmütige Bote nicht nur sein Geld, sondern auch seine Orientierung. Als er in die Geschäfte des dubiosen Tony Baker (Horst Buchholz) einsteigt, nimmt die Geschichte um ein verstecktes Waffenlager unterhalb des Tempelhofer Flughafens ihren schicksalhaften Verlauf.

„In weiter Ferne, so nah!“ ist eine poetisch-melancholische Großstadtsage mit wunderbaren Gastauftritten von Peter Falk, Heinz Rühmann und Michail Gorbatschow. Eingebettet in beeindruckenden Kamerafahrten und sphärischer Musik erzeugt die Fortsetzung von „Der Himmel über Berlin“ eine außergewöhnliche Stimmung. Die 144-minütige Sinn-und-Zeit-Suche wäre ohne das leidenschaftliche Spiel und die warme, vertraute Stimme Otto Sanders undenkbar. Einziger Wermutstropfen: Zu viele Nebenstränge konzentrieren sich auf einen kriminellen Clou, dessen gesamte Aussagekraft so viel geringer ist als ein einziger Song von Lou Reed.

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Foto: Maria Buchholz

Von Sophie Wenkel, Rebecca Bruhn und Martin Funck

	Silke (28) … verrückt sein, so wie „Klappe Cowboy!“.
Raffael (3) …lang.
	Alex (23) …auf die Protagonisten keine Rücksicht nehmen.
Eric (16) … mit Zac Efron sein und High School Musical 4 heißen.
	Matthias (35) …mich unterhalten können – wenn ich nicht darüber nachdenke wie er gemacht ist.
Stefan (38) …mir etwas zeigen, dass ich noch nicht kenne.
	Inge (73) …sollte Action haben.
Sandra (21) …jede Menge Humor haben.
	Jule (22) …endlich mal kein Happy End haben.
Günther (52) …viel Geld in die Kasse bringen.

Foto: filmkunstfest MV

Ein letztes Mal breche ich auf, um eine Begleitausstellung zu besuchen. Treppauf, treppab laufe ich durch die Flure der Volkshochschule Schwerin. Hier sollen seit Ende April russische Filmplakate ausgestellt sein. Diesmal ist das wirklich keine Kunst. Nicht etwa, weil ich finde, dass es keine Kunst ist – sondern weil ich die Kunst einfach nicht finden kann. Die Sonne scheint draußen auch nicht mehr.

Die Kunst, das filmkunstfest und ich – irgendwas läuft da noch nicht ganz rund. Formabzug gibt es für die schlecht ausgeschilderte (oder nicht vorhandene) Filmplakat-Ausstellung sowie für die deplatzierte Videointervention „Anxiety States“ im Staatlichen Museum. Besser präsentieren sich die Objekte und Installationen von Alexei Kostroma im Schleswig-Holstein-Haus, die außer dem Ursprungsland Russland aber wenig mit dem filmkunstfest gemein hatten. Nette Worte zur Interpretationshilfe fielen bei der Eröffnung von Matthias Siggelkows „Caspar David Friedrich Projekt“ im Schweriner Dom. Dort findet man neben einer Hand voll Gemälden auch einen ausgebrannten Jollenkreuzer im Kirchenschiff.

Das „Forum der Künste“ hinkt den Filmen dieses Festivals noch hinterher. Die Ausstellungen werden außerhalb des Programmfaltplans schlecht beworben, Personal vor Ort scheint nicht hundertprozentig von dem Sinn der Sache überzeugt. Ein Trost: Hochkarätige Lesungen standen mehrmals im Festivalplan.
Für die Zukunft wünsche ich dem filmkunstfest und mir ein vielfältigeres Kunstangebot, das auch inhaltlich klüger ins Programm eingebunden und an den Standorten besser organisiert ist. Egal, ob die Sonne scheint oder nicht.

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Foto: Filmstill

Arusha Ntarama (Sheri Hagen) will Rache. Ihren Mann und ihre Töchter hat sie bei einem Massaker im Kongo verloren, das heute längst vergessen scheint. Wirtschaftsminister Simon Taylor (Tyron Ricketts) und sein Begleiter Joseph (Morgan Domingos) kommen nach Berlin und checken in ein Hotel ein. Dort werden sie von der bewaffneten Arusha überrascht, die die Beiden mit ihrer Vergangenheit konfrontiert und Gerechtigkeit fordert. Sie will Commander Robert Makeni, der sich in ihren Augen als Taylor ausgibt, zur Rechenschaft ziehen. Als der Manager des Hotels Marco Held (Ken Duken) nach seinen Gästen im Zimmer schauen will, gerät er unfreiwillig zwischen die Fronten und wird Zeuge eines schmutzigen Kapitels in der Geschichte Kongos. Wie erstarrt von den gegensätzlichen Darstellungen fällt es Marco schwer, sich für eine Seite zu entscheiden. Soll er den Gefangenen befreien oder zusehen wie er erschossen wird? Doch dann kommt unerwartet Simons Sohn ins Zimmer…

„On the Inside“ (Regie: Uwe Janson) ist an eine wahre Geschichte angelehnt. Ein 2002 stattgefundenes Massaker im Kivu, das an der Weltöffentlichkeit größtenteils vorüberging, diente als Handlungsvorbild und Anlass für den Thriller, der sich auf kleinstem Raum in einem Hotelzimmer abspielt. Mit fesselnder, brutaler Realität wird nach Gerechtigkeit verlangt. Eine Suche nach der Wahrheit, auf dem schmalen Grat zwischen Schuld und Unschuld. Die Konflikte und Umstände sind ein Sinnbild für Kriegsverbrechen, die auf der ganzen Welt passieren. Eine mitreißende Verfilmung mit herausragender schauspielerischer Darbietung.

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• Internetseite des Films
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Foto: www.yert.com

50 Staaten, drei Freunde, ein Auto: das ist „Your Environmental Road Trip“. Ben, Mark und Julie nehmen sich vor, auf umweltfreundliche und energiesparende Art eine einjährige Reise durch die Vereinigten Staaten von Amerika zu unternehmen. Sie wollen ihren Müll, den sie produzieren, aber nicht kompostieren können, im Auto mitnehmen und nur einen Schuhkarton voll Abfall im Monat produzieren. Sie wohnen in Lehmhütten, Bretterbuden und bei Weggefährten. Sie treffen zahllose Umweltaktivisten, Projektgruppen und Organisationen, die verschiedene Spezies oder Lebensräume schützen wollen, Energie oder Wasser sparende Erfindungen präsentieren oder alternative Energiequellen entwickeln – kurzum: die Welt verbessern wollen. Bei der Menge der leidenschaftlich vorgestellten Projekte fällt es allerdings schwer, die Wichtigkeit und Qualität jedes einzelnen wertzuschätzen.

Der in Originalsprache gezeigte amerikanische Dokumentarfilm „YERT- Your Environmental Road Trip“ erinnert an Al Gores „Eine unbequeme Wahrheit“ und „We Feed The World“, welcher sich kritisch mit der Lebensmittelindustrie auseinandersetzt.

Zu Zeiten von globaler Erwärmung und schwindenden Ressourcen wird ein unumstritten ernstzunehmendes und überlebenswichtiges Thema beleuchtet und versucht, Alternativen zu finden. Das Engagement und die Begeisterung der Interviewpartner steckt an. Die nett gemachte, aber phasenweise unübersichtliche Doku regt an, seinen eigenen Umgang mit der Umwelt zu überdenken.

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• Internetseite zum Filmprojekt
• Facebook-Seite zum Film
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Foto: Filmstill

Irgendwo in Russland wird ein Film gedreht. Danila Bagrow (Sergej Sergejewitsch Bodrow) stolpert über das Set. In der nächsten Szene sitzt er verprügelt auf der Polizeistation. Seine Mutter schickt ihn nach St. Petersburg zu seinem großen Bruder, um Arbeit zu finden und sich nicht mehr auf unterschiedlichste Art mit dem Gesetz anzulegen. Doch sein Bruder Wiktor ist in der Mafia keine kleine Nummer…
Zwei Brüder, knappe Gespräche, russische Rockmusik, misshandelte Frauen, ein bisschen Liebe und Zuneigung, schmierige Bandenführer und Waffen sind die Zutaten dieses russischen Dramas. Die Handlung ist in groben Zügen dargestellt und bedarf keiner weitschweifigen Erklärungen. Ausufernde, stille Passagen zeichnen eine trübe Stimmung in den elenden Gegenden einer grauen Stadt. Für Danila gibt es keine Perspektive und keine Alternativen. Stattdessen läuft er immer mit seinem Discman herum, ununterbrochen die russische Rockband Nautilus Pompilius hörend.

„Brat“ (zu Deutsch: „Der Bruder“) von Alexei Balabanow ist ganz großes Kino. Ein Gangsterfilm mit einem Handlanger, der seine eigenen Regeln von Recht und Gesetz aufstellt. Sergej Sergejewitsch Bodrow erhielt für seine Rolle als Danila den „Silberner Hugo“ beim Chicago International Film Festival. Mit markigen Sprüchen wie „Stärke liegt nicht im Geld, sondern in der Wahrheit.“ wird Bodrow in den Neunzigern zum Idol einer ganzen Generation – ehe er 2002 bei einem Lawinenunglück im Kaukakus tödlich verunglückte.
Ein sehr klassisch anmutender Film für jeden, der dubiose Gestalten mit hochgestellten Mäntelkragen und versteckten Waffen mag.

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Foto: blende2komma2

Herr Glatzeder, Sie sind dieses Jahr zum ersten Mal Mitglied der Kurzfilmjury. Wie ist es für Sie, als Schauspieler auf der anderen Seite zu sitzen und Filme zu beurteilen, statt selbst mitzuwirken?

Es ist natürlich einfacher, darüber zu urteilen, als es selbst zu machen. Deshalb bin ich aber auch sehr vorsichtig. Wir haben zehn Filme gesehen und unter diesen zehn haben wir die gefunden, die uns am originellsten und überraschendsten erschienen.

Was macht für Sie einen guten Kurzfilm aus?

Da es sich meistens um Absolventen von Filmakademien handelt, sagt man gern: wenig Geld, viel Fantasie. Es ist die Chance, alles machen zu können. Man hat keine Beschränkungen, außer man setzt sich selbst Denkbarrieren. Andererseits: Kurzfilme sind noch schwieriger, weil man eine Geschichte pointiert in zehn Sätzen erzählen muss. Man hat keinen Raum und kein Geld, um viel zu labern, sondern muss sich auf das Wesentliche konzentrieren. Das ist sicher eine große Schwierigkeit.

Was ist Ihnen dabei besonders wichtig? Was muss ein Kurzfilm haben, damit er aus der Masse hervorsticht?

Ich hoffe immer auf eine besondere Sicht auf unsere Zeit, auf unsere Welt, auf unser Leben. Jede Geschichte an sich ist irgendwie besonders, aber komischerweise auch so, dass ich denke: Das hab ich alles schon gesehen. Ich lauer immer auf Überraschungen, wenn ich mit Humor und Witz hinters Licht geführt werde. Das ist schön. Das Leben ist ja auch so: Du gehst aus dem Haus, stolperst und rutscht auf ‘ner Bananenschale aus. Die Wirklichkeit schlägt erbarmungslos zu.

Sie haben eben von Denkbarrieren gesprochen. Wo kommen diese her?

Das hängt stark von der Erziehung ab. In unserem Leben ist es schwierig, den Alltag zu bewältigen. Eingefahrene Rhythmen sind wichtig, um das alles durchzustehen. Das geht schon mit dem Zähneputzen los. Ob Kindergarten, Schule oder Studium – das Pensum an Lernstoff ist so groß, dass die Fantasie dabei völlig hops geht. Wenige erhalten sich das, was Kinder eigentlich haben. Kinderbilder haben einen so schönen Rausch der Farben, der Dynamik. Sie sind eine Abstraktion, die wahnsinnig ist und man sieht sofort, was gemeint ist.

Dürfen Kurzfilme denn auch schön sein?

Ja, natürlich. Das war letztens bei einem Kurzfilm ganz schön: Ein blondes Mädchen in einem Kindergarten. Sie hat eine Grube gegraben, vier kleine, schwarze Katzenbabys reingelegt und sie lebendig vergraben. Das ist außer der Norm.
Ich bin eher ein praktischer Mensch. Als ich meine Autobiografie „Paul und ich“ geschrieben habe, habe ich anderthalb Jahre gekämpft. Ich habe Hochachtung vor einem Autor, der da sitzt und sich zwei oder drei Jahre mit 600 Seiten abquält. Das ist wirklich eine gigantische Arbeit. Bei meiner Diplomarbeit war es so: Ich habe 60 Seiten geschrieben, mein Dozent kam zu mir und meinte: Ist alles scheiße. Danach waren es nur noch 15 Seiten. Dabei ging es eben um einen Kurzfilm. Noch heute wird die Diplomarbeit oft aus der Bibliothek der Filmhochschule ausgeliehen und wie eine Kochanleitung benutzt. Sie scheint also ganz interessant zu sein.

Vielen Dank für das Gespräch!

Foto: Conny Klein

Bewegungstherapie, Wassermassagen, Chor und Lesenachmittage – das ist alles, was der letzte Lebensabschnitt noch an Überraschungen für Annegret Simon (Angelica Domröse) bereit hält. Die Seniorin wird von ihrer Familie in ein Altersheim abgeschoben. Wenig begeistert davon resigniert sie und isoliert sich von allen anderen Heimbewohnern. Ähnlich wie ihr ergeht es auch Eckhardt Tiedgen (Otto Sander), der schon seit acht langen Jahren ein unspektakuläres Leben in der Seniorenresidenz fristet. Der Einzug von Annegret bekräftigt ihn in dem Wunsch nach Veränderung, nach dem Ende der Resignation und einem Ausbruch aus der täglichen Tristesse des Altersheimes. Ein geplanter Rundflug über Brandenburg wird zum perfekten Zeitpunkt eines frechen Clous: Tiedgen entführt völlig unvorbereitet das Flugzeug. Er weiß genau, wohin es gehen soll – ans Meer.

„Bis zum Horizont, dann links!“ von Bernd Böhlich ist ein liebenswertes Plädoyer für das Anrecht auf ein erfülltes Leben. Selbstbestimmt handeln, lieben und leben will jeder Mensch, vollkommen unabhängig davon, wie alt er ist. Böhlich ist es dabei besonders gut gelungen, die richtige Balance zwischen der eigentlich traurigen Realität und dem lebensfrohen Ausbruch zu finden. Jeder Charakter besticht mit seinem ganz eigenen Charme und macht die ungewöhnliche Entführungsgeschichte zu einem sehenswerten Kinoerlebnis. Man kommt nicht drum herum, sich von dieser Komödie mit Tiefgang das Herz erwärmen zu lassen – ganz egal, wie sehr man sich vor solch einer Metapher sträuben mag.

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Foto: 2012 Rockador Film.

An der Himmelspforte steht der junge Vater Hannes (Christof Arnold) in der Schlange zu Mr. Peterson (Johannes „Jopi“ Heesters). Hannes will sich nicht damit abfinden, dass sein Leben vorbei ist. „Sogar ich könnte im Nullkommanix alle Gebote brechen“, erklärt Hannes verärgert. Der Pförtner stellt ihn vor eine verhängnisvolle Wette: In einer halben Stunde soll er alle zehn Gebote brechen. Gelingt ihm das, darf er für drei Monate zu seiner schwerkranken Tochter zurück. Verliert er, geht er in die Hölle. Unbedacht schlägt Hannes auf der Erde ein, um festzustellen, dass der Transitmanager ein Schlitzohr ist. Eine verrauchte Kneipe wird zum Schauplatz für den unmoralischen Bruch der zehn Gebote.

Im 18-minütigen Kurzfilm „TEN – Sündige und du wirst erlöst“ schaffen zwei außergewöhnliche Locations eine besonderes Atmosphäre. Während der Flughafen Memmingen die moderne Himmelspforte symbolisiert, wurde die legendäre Münchener Szenekneipe „Schwabinger 7“ zum Ort der Sünden auserwählt.
Mit dem im Dezember 2011 verstorbenen Johannes Heester hat der Regisseur Stefan Hering die passende Star-Besetzung für die Schlüsselfigur des Transitmanagers gefunden. Seine spannende Geschichte über Sünde, Sehnsucht und Moral ist ein Spiegelbild menschlicher Abgründe. Ist wirklich alles erlaubt, wenn das Leben eines geliebten Menschen bedroht ist? Ein neuer Perspektivwechsel der christlichen Gebote entfesselt einen spannenden Diskurs über moralische Verantwortung.

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Foto: "Jenny Them" / www.jugendfotos.de, CC-Lizenz(by)

Unter dem Pseudonym Thomas Kuban ist der Reporter Kameramann und Hauptperson zugleich. Immer mit der Angst im Nacken aufzufliegen und das Projekt und sein Leben zu riskieren, zeigt ihn Regisseur und Produzent Peter Ohlendorf auf seinem unermüdlichen Einsatz, die rechte Rockszene in Deutschland und weiteren europäischen Ländern aufzudecken. Unverblümt wird die Verherrlichung faschistischer Propaganda offengelegt. Es ist erschreckend, wie unreflektiert menschenverachtende Gesänge zelebriert und mit Sieg-Heil-Rufen „beklatscht“ werden.

Schwach ist der Film hinsichtlich der einseitigen Perspektive und immer gleicher Bilder: Die rechte Kultur wird lediglich an ihrer Oberfläche dargestellt. Es kommen nur Menschen zu Wort, die selbst distanziert sind und die Musikszene von außen analysieren. Keine Stimmen und Motivationen von innen, keine Aussteiger, keine Jugendlichen, die vielleicht schon Kontakt mit der rechten Kultur hatten.
Die dauernde Wiederholung ähnlicher Bilder aus saufenden und grölenden Skinheads wird im Verlauf der Dokumentation ermüdend. Informierte Zuschauer werden wenig Neues in dem Film erkennen, weil er Insidereindrücke, jedoch kein Insiderwissen offenlegt.
Die Dokumentation „Blut muss fließen – Undercover unter Nazis“ ist weniger als Film, sondern mehr als politisches Projekt zu würdigen. Regisseur und Kameramann sind Kämpfer für die Demokratie. Sie halten Erkenntnisse und Aufnahmen nicht zurück, sondern versuchen sie zeitnah durch Sendeanstalten zu publizieren. Sie erreichen dadurch – wenn auch kleine – politische Erfolge und gehen den lobenswerten Kompromiss ein, dass der fertige Film an Neuheitsgehalt einbüßt.

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Foto: Maria Buchholz

Axel, wie haben deine Mitmenschen reagiert, als du anfingst, den Film „Dicke Mädchen“ mit deiner Omma zu drehen?
Ich habe es einfach gedreht und vorher nichts erzählt. Im Nachhinein finden es alle toll, sie ist ja auch so toll. Sie ist leider heute abgereist, weil sie viel zu tun hat. Sie ist 90 Jahre alt und ein Hit!

Wie viel Autobiografie steckt in dem Film?
Die Geschichte ist sehr dicht an uns allen dran. Ich bin schwul und der Sven ist schwul. Ich glaube, den Verlust eines lieben Menschen oder eine unglückliche Liebe kennen wir alle. Insofern ist es wurscht, ob es 17-Jährige erleben oder in diesem Fall zwei reife, gestandene Männer mit einem dicken Bauch. Den habe ich auch selber. Insofern ist es schon dicht dran.

Passt der Film für dich in die Reihe „die jungen wilden“?
Ich kann mich damit identifizieren. Das sind zwei super Attribute! Wenn Omma auf der Bühne steht mit ihren 90 Jahren, das ist auch super. Ich wünsche mir für sie leidenschaftlich gern einen Nachwuchsschauspieler-Preis. Es wäre toll, wenn bei irgendeinem Festival ein Juror meinen Humor hätte…

Wie gehst du mit Flops um?
Wenn ein Film von mir als Regisseur floppt, dann ist das eine mittelschwere, gigantische Oberkatastrophe. Das will ich mir gar nicht ausdenken! Wenn es als Schauspieler passiert, dann ist es ein bisschen anders. Als Regisseur führt man alles auf sich selber zurück, es zerreißt einem die Seele. Ich bin eher ein Sensibelchen. Ich reagiere auf schlechte Kritiken bestürzt.

Aber die gab es bisher noch nicht oft, oder?
Ich habe in der Vergangenheit böse Kritiken gehabt. Über „Dicke Mädchen“ hat noch keiner schlecht geschrieben. Es ist grauenhaft,was ich da gemacht habe – mit dem Wackeln und den ständigen Schärfen und Unschärfen. Und der Ton ist andauernd übersteuert und der Wind laut! Ich weiß nicht, was ich mir dabei gedacht habe. „Dicke Mädchen“ war ein Befreiungsschlag. Und dann musste es auch so scheiße aussehen.

Foto: Maria Buchholz

Als wir „Wie man leben soll“ sahen, erstaunte es uns, dass du so selbstverständlich nackt vor der Kamera stehst.
Das war so grauenhaft! Ich hatte das Gefühl, dass ich die drei Monate Dreh über nur nackt rumgelaufen bin (lacht). Das war unangenehm, weil man erstens kein Schauspieler ist, sondern eigentlich selber Regisseur. Ich wurde auch permanent mit meinem Übergewicht konfrontiert. Der Kostümbildner war ein Sadist! Der hat mich in die unmöglichsten Kostüme gesteckt, in denen ich noch fetter aussah.

Nach dem bahnbrechenden Erfolg von „Schnitzi, Schnitzi“ fragen wir uns: Steht dir eine Karriere als Musiker bevor?
Ich bin sehr froh, dass der „Schnitzi-Schnitzi-Kelch“ an mir vorbeigegangen ist. Ich hatte ein bisschen Angst, dass die mich noch zur Après-Ski-Saison einladen. Ich hatte kurz überlegt: Würdest du das mitmachen? Also nur um ordentlich Kohle zu scheffeln (lacht). Aber dann kam es Gott sei Dank nicht dazu, dass ich mir diese Frage stellen musste.

Kannst du dich mit deiner Rolle als Charlie identifizieren?
Ich kenne den ganz gut. Ich habe den auch in mir, diesen patschigen Schlendrian, der nicht aus dem Arsch kommt. Ich bekämpfe ihn, so gut es geht.

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Foto: Jürgen Wittdorf

Nervös und unruhig fahren seine Hände die Stuhllehnen entlang, während er von seinem Coming-out erzählt. Es war nicht einfach für ihn. Jürgen Wittdorf, Jahrgang 1932, ist Grafiker, Aktzeichner und homosexuell. Erst spät, als er längst über 30 Jahre alt ist, wird er sich seiner Sexualität bewusst. Er ist einer von sechs Männern, die von Markus Stein und Ringo Rösener für die Dokumentation „Unter Männern – Schwul in der DDR“ interviewt wurden.
Die ausgewählten Charaktere könnten dabei unterschiedlicher kaum sein. Eduard Stapel studierte Theologie, um sich im Schutz der evangelischen Kirche für die Belange der Schwulen zu engagieren. Oder der ausgeflippte Friseur Frank Schäfer, der die Verhaftungen heute eher locker sieht. Oder der Lehrer Christian Schulz, der verzweifelt versucht, etwas gegen sein „Anderssein“ zu tun.
Was sie alle verbindet, ist die gemeinsame Erfahrung, im sozialistischen System des Arbeiter- und Bauernstaates unerwünscht zu sein. Das Leben fand für sie in einer verbotenen Parallelgesellschaft statt, die sich anonym und heimlich in der Unterwelt der DDR zu etablieren versuchte. Dabei gehen sie alle ganz unterschiedliche Wege mit der Repression, der Ächtung und den inneren Konflikten umzugehen.

Einfühlsam und ehrlich wird von den Erfahrungen der Homosexuellen mit einem Staat berichtet, der sie wegen ihrer Sexualität als Staatsfeinde einstufte. Dabei wird deutlich, dass jeder von ihnen das Leben in der DDR auf seine eigene Art und Weise als beklemmend und erdrückend empfand.

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Foto: Filmstill

Die in den sechziger Jahren beginnende Handlung dreht sich um einen Mann, der zusammen mit seiner Frau die Wohnung in der „Olgastraße 18“ bezieht. Sie bekommen ein Kind. Mit den Jahren leben sich die Eheleute auseinander und lassen sich scheiden sich. Die Frau verlässt den Mann, welcher alleine zurückbleibt. Altes wird durch Neues ersetzt. Die Gewohnheiten zwischen den vier Wänden laufen in einem Zeitraffer ab, in dem Jahre zu Sekunden werden und große Lebensabschnitte pfeilschnell vorbeirauschen. Die Papierstapel auf dem Schreibtisch wachsen und verschwinden, das Ticken der Uhr gibt den Rhythmus auf den Weg in die Gegenwart vor.

Die Spuren der Vergangenheit finden sich in den kleinen Gegenständen des Alltags wieder. Wechselnde Bilder an der Wand zeugen vom Älterwerden und von Veränderungen, die im Hintergrund laufenden Radiosequenzen lassen alte Erinnerungen aufkommen. Die Wohnung wird zum Zeitzeugen, mit dem man auch ohne Darsteller, einen Sprecher oder erläuternde Worte die Lebensgeschichte der Familie erfährt. In melancholisch-romantischer Atmosphäre wird der Zuschauer auf eine Fantasiereise durch die Vergänglichkeit der Zeit mitgenommen.
Das vierminütige Experiment „Olgastraße 18“ ist im Stoptrick-Verfahren hergestellt. Es wurde als gemeinsames Filmprojekt von Liv Scharbatke und Jörg Rambaum umgesetzt, die beide an der Filmakademie Baden-Württemberg studierten. Ein realitätsnahes Memoire, das manch einen an seine eigene Kindheit zurückerinnert.

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Foto: teamworx

„Weißt du noch, wie du unseren Volvo vollgekotzt hast? Du warst noch ganz klein und ich hab immer gedacht: Wie kann aus so einem kleinen Wesen so viel Kotze rauskommen? Wir mussten bis Holland mit offenem Fenster fahren, weil der Wagen so gestunken hat.“ – „Ja, ich weiß. Die Geschichte habt ihr mir schon tausend Mal erzählt.“ Sophia strahlt herzerwärmend, während ihre Tochter ihr nur die kalte Schulter zeigt.

Maren (Luisa Sappelt) ist ein ganz normaler Teenie und befindet sich mitten in den Wirren der Puber… Nein, ich kann nicht schon wieder so anfangen. Und eigentlich stimmt das auch gar nicht. Maren ist überhaupt nicht normal. Sie ist nicht so aufgestylt wie ihre beste Freundin Zora (Henriette Nagel), ist Jungs gegenüber schüchtern und hat zwei Mütter. Bei Uli (Sandra Borgmann) lebt sie – natürlich in Berlin – und Sophia (Devid Striesow) hat sie nicht mehr gesehen, seitdem sie auf der Suche nach sich selbst spirituelle Bücher in Nepal schrieb. Sophia hieß damals noch Bernd. Als sie zu ihrem Geburtstag eine Karte von ihr findet, beschließt Maren sie zu besuchen. Die geballte Weiblichkeit ihres eigentlichen Vaters überfordert sie enorm.

Sarah Judith Mettke schuf einen Spielfilm, der sich sehr diplomatisch mit Transsexualität auseinandersetzt. Durch die langsame Kameraführung und den minimalistisch gehaltenen Filmstil wird die Aufmerksamkeit verstärkt auf die Handlung gelenkt. Der Zuschauer verfolgt das Geschehen durch die Augen Marens, die der sexuellen Orientierung von Bernd/Sophia anfangs sehr kritisch gegenübersteht. Trotzdem schafft sie es, dass man im Laufe des Filmes mit Sophia sympathisiert. Genau wie mit „Transpapa“.

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