Friedrich Zawrel blickt freundlich in die Kamera. Nicht selten lächelt er sogar, während er erzählt und es fällt schwer, sein unaufgeregtes, unverbittertes Auftreten mit seinen Worten zu vereinbaren. Denn seine Geschichte ist ungeheuerlich.

Ein Leben mit Stoff für mehr als einen Kinofilm

Sie beginnt mit einem Brief. In diesem wird Zawrels Vater als wehruntüchtig befunden, die Familie als „biologisch und soziologisch minderwertig” eingestuft: ein Grund, Friedrich den Beitritt zur HJ zu verwehren. Ohne braunes Hemd ist er in der Schule den ständigen Demütigungen seiner Lehrer und Mitschüler ausgesetzt. Als er deren abfällige Behandlung als “Minderwertiger” nicht länger erträgt, bleibt er der Schule für einige Tage fern. Dies wird zum Anlass genommen, ihn als “aufrührerischen Rebell” in die Euthanasieklinik “Am Spiegelgrund”, die zweitgrößte Klinik dieser Art in Nazideutschland, einzuweisen. Zwischen 1940 und ‘45 sind an diesem Ort über 800 Kinder ermordet worden. Viele starben an den Folgen der hier durchgeführten grausamen medizinischen Experimente. Nur knapp entrinnt Zawrel dem selben Schicksal, bleibt aber als “einer von da“ gebranntmarkt. Vieles, wie zum Beispiel der Platz an einer Berufsschule, bleibt ihm verwehrt und so rutscht er in die Kriminalität ab. In diesem Zusammenhang trifft er 1974 auf einen alten Bekannten: des Diebstahls angeklagt sitzt er dem Gerichtsgutachter Heinrich Gross gegenüber, seinem ehemaligen “Arzt” aus der Euthanasieklinik. Im Gegensatz zu Zawrel war diesem in der 2. Republik keine Tür verschlossen geblieben. Gross, der zu Nazizeiten einen Massenmord an geistig und körperlich behinderten Kindern verübte, ist Träger des Bundesverdienstkreuzes. Dass einer der populärsten Gerichtsgutachter Österreichs seine Doktorarbeit auf die Forschungen an Gehirnpräparaten ermordeter Kinder stützt, will keiner gewusst haben. Und anscheinend will es auch jetzt keiner genau wissen. Die Bemühungen Zawrels, mit Hilfe des Arztes Werner Vogt auf die NS-Vergangenheit Gross‘ aufmerksam zu machen, werden weitestgehend ignoriert. Gross darf seiner Arbeit weiter nachgehen. Erst 1998 wird ein Strafrechtsverfahren gegen Heinrich Gross eröffnet. Doch wieder entzieht sich Gross seiner Verantwortung. Wegen der angeblichen Demenz des Angeklagten wird der Prozess vertagt und nie wieder aufgenommen. 2005 stirbt Heinrich Gross ohne je zur Rechenschaft gezogen worden zu sein.

“Meine liebe Republik, du kannst mich mal gern haben”

Der Dokumentarfilm “Meine liebe Republik” von Elisabeth Scharang ist ebenso unglaublich wie packend. Die stets beobachtende Kamera zeigt einen Mann, der nichts weiter will, als etwas richtig stellen. Es geht Zawrel einzig um die Richtigstellung historischer Fakten, nicht um Bemitleidungen oder gar die Befriedigung von Rachegelüsten. In seiner ungemein gelassenen Art erzählt er seine Geschichte, die vor allem verdeutlicht, dass Recht nicht immer gleichbedeutend mit Gerechtigkeit sein muss.

Man muss sich verschwenden, wenn man sich bereichern will

Der Zuschauer erfährt von dem einzigen Tag in Spielmanns Leben, an dem dieser wirklich berühmt war- der Tag, an dem sein mit 16 Jahren geschriebener und gedrehter Film im österreichischen Fernsehen lief. Man erfährt auch von einem vierminütigen, ungarischen Monolog, den zu halten er sich im Überschwang bereit erklärt hat und dessen Anfang er noch immer rezitieren kann; oder von den Erfahrungen, die er beim Abdrehen der für ihn typischen, expliziten Sexualszenen gemacht hat. Selten ist es möglich, einen so unmittelbaren, nahezu intimen Einblick in die Arbeit eines Regisseurs zu erhalten, wie er gestern durch den Filmtalk von Saskia Walker ermöglicht wurde. Selbst den traurigsten Moment, den Spielmann je in einem Film erlebt hat, gibt er noch preis:

“Wissen Sie was für mich das Traurigste überhaupt gewesen ist? E.T. auf Ungarisch. Da kommt dieses arme Wesen auf die Erde, denkt es lernt die Sprache der Menschen und was spricht es dann? Ungarisch!”.

Anekdoten, wie diese, Erinnerungen oder Anmerkungen zu seinen Filmen – all das findet Platz in dem etwa einstündigen Filmtalk, der die vielen leergebiebenen Kinosessel wirklich nicht verdient hat. Hoffen wir also, dass es sich bis zum nächsten filmkunstfest herumgesprochen hat, wie lohnend diese Veranstaltung ist!

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Zwei Plastikfolien bedecken den Boden der weiträumigen Bühne. Unter ihnen lassen sich schemenhaft die Umrisse zweier Frauen ausmachen. Und was eben noch ruhte, gerät plötzlich in Bewegung. Begleitet von dissonanten Bratschenklängen beginnen die Frauen und mit ihnen ihre künstlichen Umhüllungen hin und her zu rollen. Sie gleiten über die Bühne, kämpfen verzweifelt mit den ihre Körper einschließenden Hüllen aus Plastik, und können diesen schließlich entfliehen. Was nun folgt, ist ein Rausch des Tanzes. Die beiden Tänzerinnen Jana Lück-Pusch und Antje Reinhold hetzen, zucken, rennen, kriechen, springen – kurz: tanzen – zur Musik von Reinhard Lippert über die Bühne. Einzig eine Improvisationseinlage Lipperts bremst den Strom der Bewegung, der daraufhin aber umso kraftvoller Bahn bricht, um nach einer halben Stunde schließlich in immer spärlicher werdenden , langsamen Gesten zu verebben.

Tanz ist etwas so urtümliches, dass kaum jemand in der Lage ist, sich ihm zu entziehen. Die Geschmeidigkeit der Glieder, die Ausdrucksstärke, die in einer einfachen Armbewegung liegen kann, lassen niemanden unberührt. Auch “Quartett urban”, das Tanz- und Musikstück der oben erwähnten Künstler, profitiert von diesem Fakt. Begeistert wurde es gestern Abend im Wurm von den Zuschauern, die so zahlreich erschienen waren, dass zusätzliche Stühle herangeschafft werden mussten, aufgenommen. “Quartett urban” – das steht nach Aussage der Urheber zum einen für die vier am Projekt Mitwirkenden, als auch für die Hauptthematik des Stückes: den städtischen Raum. Wer bei der eben erfolgten Zahlenangabe stutze, der hat mit seiner Verwunderung nicht ganz Unrecht, denn schließlich war bisher immer nur von drei Künstlern die Rede. Daher muss hinzugefügt werden, dass die Macher nach eigener Angabe den Raum als solchen zum vierten Beteiligten an der Performance erhoben haben. Diese im ersten Augenblick absurd scheinende Aussage findet ihre Erklärung in dem Grundkonzept des Projektes.

Der Raum als Motivation zum Tanz

So soll zum einen der Tanz Räume kreieren und zum anderen der Raum als Motivation und Anregung für die Bewegung dienen. Auch die Musik Lipperts möchte diesen Vorgaben entsprechen, ergeht sich aber leider viel zu oft in atonalen, schwer verfolgbaren Tonreihen, die der Musiker seiner Bratsche nahezu in die Saite zu sägen scheint. Doch welche Idee nun zur Konzeption des Stückes anregte oder welche Theorie seine Grundlage bildete, ist letztlich irrelevant. Wichtig ist, was transportiert wird und das ist weniger die besagte Auseinandersetzung mit dem Raum, als vielmehr eine Laudatio auf den menschlichen Körper, dessen Dynamik und vor allem dessen Schönheit während der Bewegung.

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Rumpelstilzchen, wohl kaum einer kennt es nicht – das Märchen von der schönen Müllerstochter, die Stroh zu Gold spinnen muss und dies einzig durch die Hilfe des hutzligen Waldmännchens bewerkstelligen kann. Eine Hilfeleistung, die einen hohen Preis fordert, denn der Waldgeist verlangt für seinen Beistand nicht weniger als das, was Marie das liebste auf der Welt ist…

Wenn ich vor Jahren, als ich das Märchen des Rumpelstilzchens das erste Mal hörte, einen Film vor Augen hatte, so war dieser der gleichnamigen Filmadaption Andi Niessners sicher nicht unähnlich. Die stolze Burg, das ärmliche Heim des Müllers oder die düstere, bedrohliche Wolfsschlucht, in der das Rumpelstilzchen um seinen Kessel springt; all diese Schauplätze entsprechen in schon fast zu hohem Maße den Vorstellungen, die wir klassischerweise von Märchenfilmen haben.

An dem Mangel an überraschenden, ohne Slapstick auskommenden, witzigen Momenten können auch die Märchenzitate der fliegenden Händler Strohkopf und Schlaumeier nichts ändern, die in-Traumprinzen-verwandelbare Frösche mit zehn-Tagen-Umtauschgarantie verkaufen. Doch jedes Manko des Filmes wird durch die hervorragende Katharina Thalbach als Rumpelstilzchen kompensiert. Wohl kaum jemand, der Niessners Film gesehen hat, wird fortan umhinkommen, Rumpelstilzchen mit dem Gesicht von Katharina Thalbach zu verbinden. Kein Rumpelstilzchen vollführte je einen so rockigen Triumphstanz ums Feuer oder ließ sich gar zu einer kurzen Luftgitarreneinlage hinreißen. Und so wird der für eine ZDF-tivi-Reihe, die sich die Verfilmung Grimmscher Märchen zum Thema gemacht hat, produzierte Film trotzdem zu einem Sehenswerten.

Beim Verlassen des Saales streiten sich zwei Mädchen, wer die Königin sein darf und wer deren Baby und ich denke derweil, dass es auch egal ist, dass der Film an einigen Stellen zu bemüht und aufgesetzt wirkte: die Kinder hatten ihre Freude dran. Und ich auch.

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Ein Ring, zwei Männer, vier Fäuste

Sowohl von den Anstrengungen als auch von den glorreichen Momenten des Triumphes können der amtierende Boxweltmeister der IBF Arthur Abraham und sein langjähriger Trainer, der zur Legende erhobene Ulli Wegner, wohl mehr als genug erzählen. Im Film ‘Es geht um alles’ von Nina Pourlak und Sebastian Lempe werden diese beiden, ohne das Boxen undenkbaren Sportikonen portraitiert und schnell wird dem Zuschauer klar, dass es sich hierbei um wesentlich mehr handelt als um ein bloßes Nachbilden der beeindruckenden Laufbahn Abrahams an der Seite seines Trainers. Vielmehr gelingt es dem Film, ein persönliches, facettenreiches Bild der beiden – jenseits der uns aus dem Fernsehen nur allzu bekannten Mediengesichter Abrahams und Wegners – zu zeichnen. So sehen wir Wegner in seiner Heimatstadt Penkun, deren einziger Ehrenbürger er sich mit stolzgeschwellter Brust nennen darf – sein nach eigner Aussage größter Titel seiner bisherigen Laufbahn. Oder beobachten Arthur, während dieser voller Elan mit jedem auffindbaren Telefon sein Votum für den armenischen Beitrag beim Grand Prix abgibt: “Der Junge soll doch gewinnen.”

Eine außerordentliche Freundschaft

Liebevoll bildet der Film die ebenso beeindruckende wie spannende Beziehung zwischen Boxer und Trainer, zwischen Armenien und Deutschland und auch zwischen dem mecklenburgischen Penkun und dem armenischen Jerewan ab. Denn selbst wenn Wegner seinem erfolgreichen King Arthur erklärt, dass der Boxer im Ring “der einsamste Mensch auf der Welt ist”, so sind sie doch immer ein Team, ein Duo. Und beiden ist die Außerordentlichkeit ihrer Freundschaft, die seit dem Sieg Abrahams über Khoren Gevor als solche auch benannt werden darf, durchaus bewusst; dem disziplinierten Wegner, der seine Zuneigung so gut als möglich zu verstecken sucht – “Der Arthur ist schon was besonderes für mich, das darf er bloß nicht merken” – und dem stolzen Arthur, der droht, seine eigene Karriere zu beenden, sollte sein derzeitiger Coach sich von Boxring und Punchingball verabschieden.

Ein Film übers Boxen und Wichtigeres

Doch selbst wenn man den zweien noch viele gemeinsame Kämpfe wünscht, um eines wird man zittern müssen: das gewinnende Lächeln des Arthur Abrahmas, mit dem sich dieser einem jeden mühelos ins Herz zu boxen scheint und das sich mit jedem Gang in den Ring einer erneuten Bedrohung aussetzt.

Fernweh

Dem Verlangen ein solches, neues Leben kennenzulernen, folgt Anica, die Protagonistin von Stefan Asenijevics ‘Liebe und andere Verbrechen’. Sie wagt den Aufbruch. Doch einem jeden Neuanfang geht ein Abschied voraus und manchmal entfaltet dieser magische Wirkung. Das Wissen um die baldige Abwesenheit eines geliebten Menschen befähigt uns zu nie gekannter Ehrlichkeit – ja, gibt uns den Mut, Dinge zu offenbaren, über die sonst Stillschweigen bewahrt worden wäre. Und so gesteht Stanislav, der mittlerweile erwachsene Ziehsohn von Anicas Freund Milutin, ihr seine langjährige Liebe. Er führt sie an Orte gemeinsamer Erinnerungen; erzählt von Prügeleien, die einzig ein Vorwand dafür waren, sie sehen zu können oder erinnert sich an den Augenblick, an dem er begann, sie zu lieben. Allmählich, unter dem Vorzeichen der baldigen, einschneidenden Veränderung und forciert durch das Bewusstsein, dass morgen schon alles anders sein wird, nähern sie sich an. War es jedoch zuerst noch Stanislavs Plan gewesen, Anica in die Fremde zu begleiten, so erkennt er bald, dass er die Kraft für einen solchen radikalen Schritt nicht aufbringen kann; zu fest ist seine Verankerung in dem Viertel. Was gerade erst begonnen hat – die zart aufkeimende Liebe zwischen den beiden – droht an der Grenze der Hochhäuser, die zu überschreiten nur einer von ihnen bereit ist, zu zerbrechen. Doch allen Widrigkeiten zum Trotz wird der sich im Laufe des Filmes immer wieder über die Plattenbauten erhebende Vogel im ebenso bedrückenden wie beglückenden Ende des Filmes eine Entsprechung finden.

Nimm Abschied Herze und gesunde

Das besondere der zarten, voller Leichtigkeit erzählten Geschichte Asenijevics ist es, dass sie es schafft, einen Abschied ohne jegliche Verbitterung zu zeigen. Keinerlei Missgunst herrscht zwischen den liebevoll gefilmten Figuren; viel mehr legt Milutin Anica, von deren Plänen sein Solarium auszurauben er weiß, nur noch mehr Geld in den Safe. Und so erweckt ein Film – angesiedelte in einer mehr als tristen Umgebung – plötzlich ein wenig Hoffnung. Trotz der immer wieder harten Einschläge der Realität, glaubt man auf einmal erkennen zu können, wie viele Möglichkeiten uns noch offen stehen, wenn wir uns nur trauen; glaubt man, verstehen zu können, dass nichts so desillusionierend sein kann, dass es Resignation rechtfertigen würde.