25 Jahre ist es her, dass Eddi (Paul Newman) das letzte Mal einen Queue angefasst hat, doch dann entdeckt er in einer Bar das junge Billardtalent Vince (Tom Cruise). Beeindruckt von seinen Leistungen schlägt Eddi ihm eine Zusammenarbeit vor und überredet ihn, mit nach Atlanta zu einem Billardturnier zu reisen. Eddi bietet sich als Manager an und versucht Vince alle nötigen psychologischen Tricks beizubringen: am Anfang wenig setzen und verlieren um am Ende, wenn der Gegner mutig wird, richtig abzuräumen.

Für denn ehrgeizigen und naiven Vince erweist es sich aber immer wieder als schwer, absichtlich zu verlieren und sich zu verstellen. Die unterschiedlichen Ansichten des alten Zynikers und die des jungen Heißsporns führen unweigerlich zum Konflikt. Es kommt zum Bruch zwischen Eddi und Vince. Vom jungen Billard-Ass beeindruckt, beginnt Eddi dann wieder selbst zu trainieren. Schließlich stehen sich Schüler und Lehrer im entscheidenden Turnier gegenüber.

In „Die Farbe des Geldes“ geht es weniger um Action als um Mimik, Psychologie und das Spiel an sich. Auch wenn der Plot langatmig erscheint, wird es doch kaum langweilig. Die Spannung bleibt vor allem durch den Konflikt und die Psychologie der Protagonisten erhalten, deren ausgearbeitete Charaktere den Zuschauer förmlich in ihre Welt reißen. Interessante Kameraaufnahmen setzten vor allem das Billardspiel mit allerhand gelungenen Kunststößen in Szene. Besonders der Showdown ist mit schnellem Schnitt und brutalen Aufnahmen ein mitreißendes Meisterwerk.

Als Thorsten Jahn den Handyfilmwettbewerb ausrief, wollte er jungen Menschen die Möglichkeiten bieten, den Film „neu zu erfahren“ und – durch die leichte Umsetzung – zu „demokratisieren“. Zur Zerschlagung der faschistoiden Strukturen der Filmkunst ist eine gewaltige Armada aus zehn eingesendeten Handyfilmen angetreten.

Veranstalter Thorsten Jahn schloss sein Grußwort zur Ausrufung des Handyfilmwettbewerbs mit den Worten „Entdecke deine Umwelt, entdecke dich selbst, bringe dich aktiv ein!“. Ein chinesischer Glückskeks hätte es nicht besser formulieren können.

„Du Miro, was arbeitet Herr Janssen eigentlich?“

John Humber [J]: Es ist definitiv ein Fluch.

Chad J. Shonk [C]: Ich würde das auch nicht gerne können. Menschen sind nicht gerade nett zueinander und verstellen sich nur.

Da hat man den positiven Effekt zu wissen, wer ehrlich ist, wem man vertrauen kann. Andererseits bleiben nur wenige übrig und man droht sich zu isolieren. Welcher Aspekt beeinflusst Dakota mehr?

J: Sie distanziert sich von allen Leuten, für sie ist jeder ein Lügner. Sogar sie selbst!

C: Allerdings weiß sie durch die Menge an Lügen, harmlose zu vernachlässigen. Und sie ist selbst nicht besser. Trotzdem hat sie eine schlechte Sicht auf die Menschheit.

Aber verliert man nicht auch ein Stück weit seine Sensibilität, was Emotionen angeht, wenn man anfängt, Lügen zu akzeptieren und abzuwerten?

J: Sicherlich. Am Anfang des Films ist sie auch total apathisch, hat sich und alle anderen aufgegeben. Für sie ist etwas entweder wahr oder gelogen – nicht mehr, nicht weniger.

Aber als sie einen neuen Jungen kennen lernt, verändert sich etwas. Er ist Schauspieler und sie kann bei ihm keine Lügen erkennen – entweder lügt er wirklich nicht oder überspielt das nur gut. Wie ist diese neue Erfahrung für Dakota?

J: Jemand anderem vertrauen können ist natürlich ein ganz neuer Fakt für sie. Es ist aber auch ein bisschen erschreckend. Das ist ihr ja auf einmal ganz neu. Außerdem wird sie dadurch, dass sie ihm vertraut, auch verletzlich.

Ok. Dann ganz kurz: Was ist die Botschaft des Films in einem Satz?

J: Oh…Übernimm Verantwortung für dein Leben, sei aktiv und mach was damit.
C: Für mich ist es eher: Stiehl deinem besten Freund nicht die Freundin!

Mit einem herzhaften Lachen leert Chad sein Glas und ich gönne unseren amerikanischen Freunden den Rest ihres hart verdienten Abends.

Martin Scorseses Epos Gangs of New York wirft einen vereinzelten, dünnen Lichtstrahl auf die von Dunkel umhüllten Zustände New Yorks im 19. Jahrhundert. Auf einer rissigen Haut aus Kopfsteinpflaster mischt sich im Elendsviertel Five Points Schlamm mit Blut. Die verfeindeten Banden der ‘Natives’ und der ‘Dead Rabbits’ rüsten zur mittelalterlich anmutenden, alles entscheidenden Schlacht. Am Ende gehen die ‘Natives’ um William Cutting alias ‘Bill the Butcher’ (Daniel Day-Lewis) als Sieger hervor und ‘Priest’ Vallon (Liam Neeson), Anführer der ‘Dead Rabbits’ bleibt leblos im Staub zurück. Priests Sohn Amsterdam (Leonardo DiCaprio) wird vom ‘Butcher’ in ein Waisenhaus gesteckt, in der Hoffnung, ihn für immer loszuwerden. Doch nach 16 Jahren findet der herangewachsene Amsterdam seinen Weg zurück in die Points. In der Hoffnung, den Tod seines Vaters rächen zu können, begibt er sich unter die Fittiche des ‘Butchers’ um den richtigen Zeitpunkt abzupassen. Doch mehr und mehr muss Amsterdam sich eingestehen, dass es nicht leicht ist, sich zwischen Tat und Ruhm zu entscheiden. Schließlich kommt es allerdings doch zum letzten großen Kampf zwischen den Banden. Mitten in bürgerkriegsähnlichen Unruhen kommt es zum Duell zwischen ‘Butcher’ und Amsterdam. Der letzte Akt des Bandenkrieges wird im Pulverrauch eines fremden, anderen Krieges entschieden.

Am Ende eines Jahres Drehzeit und immer wieder überzogenem Budget steht ein gewaltiges Epos. Martin Scorsese ließ sich weder von der Gewalt der Ausstattung noch von der endgültigen Länge des Werkes in die Knie zwingen. Vor allem Daniel Day-Lewis glänzt in seiner Rolle, die wie keine andere Widersprüche in sich vereint. Doch erst Michael Ballhaus verdankt der Film seinen letzten Schliff, da erst die gewaltigen Aufnahmen und Kameraeinstellungen verstehen, die Komplexität und Kraft detailgenau zu vermitteln.

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Wo Freiheit zu Unterdrückung wird, wird Widerstand zur Pflicht. Ein Jahr NPD im Landtag Mecklenburg-Vorpommerns heißt die Bilanz des Dokumentarfilmes „Die neuen Nazis“ von Anke Jahns und Felix Pankok. Wie schlägt sich die nationale Solidarität im Schweriner Schloss? Der Film beleuchtet die führenden „Köpfe“ der NPD-Fraktion und zeigt Einblicke in das Verhalten Udo Pastörs’ und Co.

Schlagkräftige Argumente

Nicht nur die Pressefreiheit wird mit Füßen getreten. Stefan Köster schmeißt auch mit Steinen auf linke Demonstranten. Schlagfertige Argumente werden bei den Rechten einfach anders interpretiert. Dafür macht die NPD ihre Holocaustverleugnung im Landtag aber mit Kinderfesten wieder wett. Kleine Mädchen spielen „deutsche Spiele“ und essen Bratwurst unter der NPD-Flagge. Und die Eltern schauen zu. Auf öffentlichen Reden wird das demokratische System angegriffen und vor dem Schweriner Schloss verteilt Udo Pastörs rechte Zeitungen an Kinder. Was soll man machen, wenn es anders nicht geht? Als ein Schüler Herrn Birker Lüssow an einem NPD-Infostand fragt, was denn die langfristigen Ziele der NPD sein, weiß der nicht was er sagen soll. Wäre ein „wir wollen das demokratische System der BRD zerstören und die Rassenpolitik wieder einführen“ zu hart? Oder ist die Kommunikationsfähigkeit Herrn Lüssows wirklich so eingeschränkt wie viele Schüler vermuten? Die Nazis agieren schon lange nicht mehr heimlich: sie versammeln sich auf öffentlichen Plätzen und marschieren durch die Städte. Doch der gemeine Bürger steht nur daneben und schaut benommen zu. Muss man denn nicht handeln? Die Nazis tun es doch auch!

Die antifaschistische Ohnmacht

Mit dieser antifaschistischen Ohnmacht beschäftigt sich „Da ist man lieber still“, der direkt nach „Die neuen Nazis“ im Capitol läuft. Hier wird nicht die Stadt beleuchtet, sondern die Jugend des Dorfes. Die älteren Leute fürchten sich vor den rechten Jugendlichen und lassen sie gewähren. Jugendclubs werden von Nazis übernommen und zum Treffpunkt der Szene aufgebaut. Die ganze Jugend mancher Dörfer scheint lückenlos rechts geprägt zu sein. An manchen Orten liegen die Wählerstimmen für die NPD bei 30 Prozent. Nur wenige engagierte Bürger wehren sich und stellen Projekte auf die Beine. Es gibt Lesungen, Theatervorstellungen und Jugendvereine. Doch die Dorfjugend zu überzeugen ist oft schwer. Theaterdirektor Wolfgang Bordel versucht die Jugend mit Theatervorstellungen abzulenken. Er meint: „Wir machen hier eigentlich nichts gegen Rechts. Wir machen was für das Leben. Und wenn man was für das Leben macht, macht man was gegen Rechts“. Wer am Samstag um 16.00 Uhr Zeit hat, sollte unbedingt ins Capitol gehen, um sich darüber bewusst zu werden, wie die Politik in unserem Land so läuft. Und wer da keine Zeit hat, geht Sonntagmorgen um 11.00 Uhr hin. Wenn die Nazis mit den Haaren auch den Verstand abrasieren, müssen wir halt für sie mitdenken.

Das Filmkunstfest neigt sich allmählich dem Ende. Die meisten Filme sind gezeigt, doch das große Finale fehlt noch. Klaus Maria Brandauer wird heute Abend auf der Abschlussveranstaltung den Goldenen Ochsen im Capitol entgegennehmen. Das filmkunstfest Schwerin ehrt so den international erfolgreichen Schauspieler und Regisseur für sein Lebenswerk. Und wer hätte auch besser gepasst, gibt es doch dieses Jahr auch die Österreichische Länderreihe. Anlässlich Klaus Maria Brandauers Besuch wurden verschiedene Filme von und mit ihm Capitol gezeigt. „Mephisto“, „Mario und der Zauberer“, „Das Spinnennetz“ und „Jenseits von Afrika“ sind bereits gelaufen, am Sonntag folgt dann noch ein Werkstattgespräch um 19.00 Uhr im Capitol, bei dem man Klaus Maria Brandauer live erleben und ihm Fragen stellen kann, die einem schon immer unter den Nägeln brannten. Danach wird sein Film „Georg Elser – Einer aus Deutschland“ gezeigt. Es geht um den fast vergessenen Hitlerattentäter, der den Führer im November 1939 in München töten wollte. Der Anschlag schlug fehl.

Einer aus Österreich

Karl Maria Brandauer wurde 1943 in Bad Aussee in Österreich geboren und studierte ab 1962 an der Stuttgarter Hochschule für Musik und Darstellende Kunst. Nach zwei Semestern brach er die klassische Theaterausbildung jedoch ab, es folgten viele Auftritte auf verschiedenen Bühnen. Seit 1972 gehört Klaus Maria Brandauer zum Ensemble des Wiener Burgtheaters. Mit der Rolle des Baron Bror Blixen in „Jensits von Afrika“ wurde er dann international erfolgreich.

Ein besonderes und bekanntes Projekt Brandauers war die Inszenierung der „Dreigroschenoper“ im Admiralspalat in Berlin, in der unter anderem auch Campino von den Toten Hosen mitspielte. Mit über 70 000 Zuschauern gehörte diese Inszenierungen zu einer der erfolgreichsten der Theatergeschichte, auch wenn sie viele Kritiker nicht überzeugte.

Leider wird Klaus Maria Brandauer nicht lange in Schwerin verweilen und so wird das Gespräch im Capitol neben der Preisverleihung wohl die einzige Veranstaltung sein, bei der man ihn live erleben kann.

Wer kennt sie nicht, die nervigen Anrufe aus Callcentern, bei denen versucht wird einem wieder irgendetwas aufzuschwatzen? Aber wer sind die Menschen auf der anderen Seite der Leitung? Meistens sind es Leute, die nur einen Übergangsjob suchen, manche bleiben aber auch hängen. André Erkaus Film “Selbstgespräche” beschäftigt sich nicht damit, wie ein Callcenter funktioniert, sondern damit, wie die Menschen darin ticken.

Vier “gescheiterte Existenzen”

Da ist der Chef und Berufszuhörer Herr Harms, der seinen Marketing-Slang nicht einmal mehr zuhause abstellen kann. Er scheint für seine Frau eher ein Coach als ein Ehemann zu sein. Und diese scheint sich bald eher für den Tanzlehrer zu interessieren als für die chinesischen Lebensweisheiten ihres Mannes.

Harms „bestes Pferd im Stall“ ist Adrian. Der läuft am Telefon zur Höchstform auf und knackt alle Verkaufsrekorde. Sobald er sich aber nicht hinter der Anonymität eines DSL-Sonderangebot-Anrufs verstecken kann, kommt seine schüchterne und unkommunikative Seite zu Tage. Er kann den meisten Menschen nicht einmal in die Augen schauen. Als er sich während eines Telefonats in eine Kundin verliebt, weiß er nicht, was er tun soll.

Hier tritt sein Freund Sascha auf den Plan. Der Neuzugang des Centers wollte ja eigentlich Moderator im Fernsehen werden, hat es aber nur bis zur Tür des Callcenters geschafft. Als seine Freundin dann auch noch schwanger wird, sieht sich der Lebemann mit der Realität und beängstigenden Verantwortung konfrontiert.

Und schließlich ist da noch Marie, die Architektin, die ihr Berufsleben neu planen musste als ihr Freund sie mit dem gemeinsamen Kind sitzen ließ. Sie entwickelt sich zur Einzelkämpferin und versucht, der Callcenterhölle zu entkommen.

Die einzelnen problembehafteten Charaktere werden dem Zuschauer zugänglich gemacht und so unterschiedlich alle auch sein mögen, sie alle haben zumindest ein Problem gemeinsam: Die Verkaufsquote des Callcenters muss drastisch erhöht werden, damit die Abteilung nicht dichtgemacht wird. Alle müssen neben ihren persönlichen Schwierigkeiten auch noch um ihren Arbeitsplatz kämpfen.

Lärmende Sprachlosigkeit

Der Film beschäftigt sich mit dem Problem der Sprachlosigkeit in einer Gesellschaft, die ständig redet. Das Callcenter wirkt dabei als Minitaurausgabe unserer Gesellschaft. Zwischen all diesen problembelasteten Existenzen keimt das Gefühl auf, das Ganze selbst schon einmal durchlebt zu haben. Auf irgendeiner Ebene können wir uns mit den Menschen am Hörer identifizieren, mit ihren Ängsten und Hoffnungen und mit ihren Träumen. Ein sehr interessanter und sehenswerter Film, auch wenn ihm manchmal noch ein kleiner Ruck fehlt, der das Ganze etwas spannender macht.

Harter Hund und Welpe

Häftling Mosk ist das, was man gemeinhin als einen harten Hund bezeichnet. Seine Hauptbeschäftigung stellt das Gewichtestemmen für die knastinterne Meisterschaft dar. Er will den Titel. Was soll man auch anderes machen im Gefängnis? Was erreichen?

Dass die neue Direktorin ein Programm etablieren möchte, in dem sechs Häftlinge Hundewelpen zu Blindenhunden trainieren sollen, interessiert Mosk herzlich wenig. Er scheint seine Aufgabe ja schon gefunden zu haben. Er sträubt sich sogar gegen das Programm, um sich voll und ganz seinem Training widmen zu können. Als er sich dann plötzlich doch mit einem Hundewelpen in der Zelle wieder findet, sieht er sich mit für ihn untypischen Aufgaben konfrontiert. Und genau das lässt er den Hund auch spüren. Seine lieblosen Erziehungsmethoden gefährden das Ziel des Projektes und rufen Ungunst bei seinen Mithäftlingen hervor. Aber Mosk muss es schaffen, sonst darf er nicht an der Meisterschaft teilnehmen. So muss er sich abnötigen, dem kleinen Hund das Nötigste beizubringen. Langsam findet sich Mosk nicht nur mit der Rolle ab, sondern lernt den kleinen Hund auch lieben. Schließlich steht die schwierigste Prüfung vor beiden: Der Augenblick des Weggebens ist gekommen. Mosk muss entscheiden, was er tun soll.

Harte Schale, weicher Kern

Underdogs ist ein gelungener Film über das Harte-Schale-weicher-Kern-Syndrom, vielleicht einer der besten Filme auf dem diesjährigen Filmkunsfest. Das rührende und unerwartete Ende macht selbst den härtesten Kerl weich und den Film erst recht sehenswert. Niemand ist verloren, keiner muss gerettet werden!

Drei Minuten stupides Raufstarren

“Die innere Stadt” soll die Atmosphäre Rostocks und Warnemündes einfangen und die Veränderung dieser Orte zeigen. Leider schlägt dieser Versuch komplett fehl. 58 Minuten sind eigentlich eine gute Länge für so ein Projekt und auch die Idee der langen Kameraeinstellungen, um Atmosphäre aufzubauen, ist nicht schlecht. Allerdings ist das Ganze sowohl zu übertrieben als auch zu banal. Der Film beinhaltet nur 19 Szenen und somit dauert jede Kameraeinstellung ganze drei Minuten. Hinzu kommt dann auch noch, dass die Einstellungen weder sonderlich originell noch spannend sind. Auch kann man anhand ihrer keinen Veränderungsprozess erkennen. Eine minimale musikalische Untermalung bestehend aus wenigen Gitarren- oder Klavieranschlägen hätte sicher auch nicht geschadet, um eine intensivere Stimmung aufzubauen. Mit jeder weiteren Szene sinkt die Anzahl der Bilder pro Sekunde und die Optik wirkt körniger. Am Ende ist kaum noch zu erkennen, welches Motiv eigentlich gefilmt wird. Sicherlich ebenfalls eine interessante Idee, aber wenn ich nach einer Minute nicht weiß, was das soll, dann weiß ich es auch nach drei Minuten stupiden Raufstarrens noch nicht. Selbst die schönsten Motive, an denen es dem Film leider mangelt, sind nach drei Minuten verarbeitet und analysiert.

Achtung Kunst die Zweite

Die Deutsche MED in Rostock in der elften Szene gehört sicherlich nicht zu den schönsten Motiven des Films. Man wartet auf die Blende, die den Zuschauer von diesem Anblick erlöst. Endlich kommt der Bildwechsel. Szene zwölf zeigt – wie kreativ – die Deutsche MED in Rostock. Und zwar von der anderen Seite. Entweder fehlt mir wirklich der höhere intellektuelle Zugang zu diesem Projekt oder es ist tatsächlich so, dass in letzter Zeit einfach zu viel zu schnell als Kunst gilt. Zumindest schien der einzige andere Zuschauer, der außer mir da war, das Ganze wohl o.k. gefunden zu haben.

Vergeuden Sie nicht Ihre Zeit und schauen Sie sich lieber eine Diashow vom letzten Urlaub an. Die ist spannender und hat eindeutig mehr Bewegung als “Die innere Stadt”.

[Show as slideshow]

Knapp daneben ist auch vorbei. Nachdem mir Anna Maria Mühe für die Eröffnungspressekonferenz vor der Nase weggezerrt wurde, musste ich noch bis zum Ende der Veranstaltung warten. Ich wollte es noch einmal versuchen, auch auf die Gefahr hin, das Klischee vom aufdringlichen Reporter vollends zu bedienen. Aber zum Glück sah Anna Maria Mühe das anders. Nach einer zweiten netten Nachfrage kommt das Interview dann doch zustande.

Im Film ‘Novemberkind’ spielen Sie eine Doppelrolle. Zum einen die Mutter, die aus der DDR flieht und ihr Kind zurücklassen muss, zum anderen die Tochter, die als junge Frau nach der Wende ihre Mutter sucht. Wie war es für Sie, zwei verschiedene Rollen zu verkörpern?

“Als erstes habe ich mich richtig gefreut, denn so eine Rolle bzw. solche Rollen bekommt man als Schauspielerin wahrscheinlich nur einmal im Leben angeboten. Dann kam aber der enorme Druck dazu und den muss man irgendwie abbauen. Das konnte ich aber mit dem Regisseur sehr gut tun, weil er mir sehr geholfen hat und wir eine intensive Vorbereitungszeit hatten. Wir hatten einfach viel Zeit vorher und haben viel geprobt. Ich habe das am Anfang wie zwei verschiedene Drehbücher behandelt, wie zwei unabhängige Rollen.”

Was hat Ihnen an “Novemberkind” besonders gefallen? Was macht den Film sehenswert?

“Ich denke, dass die Gefühle beider Figuren sehr gut transportiert wurden. Man kann auch sehr schön sehen, dass die eine sich wie eine Gefangene fühlt und die andere einfach freier ist. Außerdem finde ich die Kamera im Film unheimlich toll. Und schließlich hatte ich noch tolle Kollegen: Ulrich Matthes, Juliane Köhler, Thorsten Merten – das sind alles Schauspieler, die man sich gern auf der Leinwand anschaut.”

Sie sind dieses Jahr nicht nur mit dem Film “Novemberkind” auf dem filmkunstfest vertreten, sondern sitzen auch noch in der Jury für den Kurzfilmwettbewerb. Wie sind Sie zu dieser Aufgabe gekommen?

“Ich wurde letztes Jahr schonmal gefragt, konnte aber leider nicht. Und dieses Jahr hat es dann geklappt und das ließ sich alles gut verbinden.”

Ihre Eltern waren beide Schauspieler. Wollten Sie schon immer Schauspielerin werden?

“Ach, ich finde es immer albern, wenn man sagt: „Ich wollte als kleines Mädchen schon Schauspielerin werden.“ Jedes Mädchen will irgendwann Schauspielerin oder Sängerin werden. Mit zwölf oder dreizehn Jahren fing es bei mir so an, dass ich Lust dazu hatte. Ich bekam davon schließlich viel mit und wir waren auch oft im Theater. So habe ich natürlich auch das Leben als Schauspielerin gesehen und das hat mich dann schon interessiert.”

Und was war ihr erster Berufswunsch?

“Kellnerin. Ich wollte Kellnerin werden und dann wollte ich ganz lange Gerichtsmedizinerin werden.”

Was würden Sie gerne noch erreichen in Ihrem Leben? Gibt es eine Rolle, die Sie gerne einmal spielen würden?

“Das ist immer eine schwierige Frage. Ich habe keine bestimmte Rolle, die ich unbedingt noch spielen möchte. Es gibt ganz viel, was ich noch erreichen möchte. Ich möchte noch viele tolle Filme drehen. Ich würde auch gerne mal einen Tanzfilm drehen. Oder einen Film, der in der Barockzeit spielt und so weiter. Filme zu drehen, die in anderen Zeiten spielen, ist für jeden Schauspieler sehr interessant.”

Vor kurzem haben Sie mit den Jungs von Schiller Musik gemacht. Können Sie sich vorstellen, in Zukunft weiter in diese Richtung zu gehen?

“Gar nicht. Singen kommt für mich überhaupt nicht in Frage. Ich will nicht eine dieser singenden Schauspielerinnen werden.”

Was würde der Welt fehlen, wenn es morgen keine Filme mehr gäbe?

“Ich glaube ganz viel. Ich denke, ganz viel Energie und auch Fantasie würden verloren gehen. Märchen würden fehlen und die Möglichkeit, Geschichten noch mal aufzuarbeiten.”

Mit diesen Überlegungen über die endgültige Filmapokalypse endet mein Interview. Vielen Dank für dieses nette Gespräch.

Zum ersten Mal gibt es dieses Jahr in Schwerin auch einen Preis für den besten Nachwuchsschauspieler. Talent muss ja schließlich unterstützt werden. Zwar steht Mecklenburg-Vorpommern, was das angeht, oft hinten an, aber zumindest in Schwerin scheint die Botschaft klar zu sein: Der Nachwuchs und somit die Zukunft des Filmes muss gefördert werden! Das kann und muss vielleicht auch schon ganz früh beginnen. Deswegen leitet Regina Voss auch dieses Jahr wieder mit Hilfe von Ute Wagner die Trickfilmwerkstatt. Sie tut das nicht nur, um den Kindern Spaß zu bereiten, sondern auch damit “die Kinder spielend lernen und verstehen, wie ein Film funktioniert”.

Die totale Tortenschlacht

Die Kinder sollen in einem Projekt von Mittwoch bis Freitag selber einen Trickfilm produzieren, welcher dann am Sonntagmorgen um 10.00 Uhr in der Wurmpassage aufgeführt wird. Da die Aufmerksamkeit der Schweriner Filmwelt dieses Jahr auf Österreich liegt, wird natürlich auch dieser Film ein wenig in die Thematik des Alpenländchens eintauchen. Genauer gesagt spielt das Ganze in einem Wiener Caféhaus, in dem sich zwei Kaffeetassen nicht einigen können, welcher Kaffee besser ist. Es geht hin und her und endet, wie sollte es anders sein bei so jungen Drehbuchautoren, in der totalen Tortenschlacht.

Acht Bilder pro Sekunde

Am Mittwoch wurde zunächst geklärt, was überhaupt einen Trickfilm ausmacht und wie er funktioniert. Aber eigentlich wird innerhalb der nächsten drei Tage auch kein richtiger Trickfilm entstehen, sondern ein sogenannter Legetrickfilm. Das heißt, dass die Bilder nicht in arbeitsaufwendigen Einzelschritten gezeichnet werden müssen, sondern dass die einzelnen Bilder mit ausgeschnittenen Formen gelegt und fotografiert werden, sodass man nur die Formen umlegen muss, um Fotografie für Fotografie zu einer bewegten Szene aneinanderzureihen. Acht Bilder pro Sekunde sollen den Trickfilm zu einem zwei Minutenen lange Meisterwerk werden lassen – es gibt also noch viel zu tun für das zehnköpfige Kinderteam; Figuren müssen gebastelt und Hintergründe aus alten Zeitschriften herausgeschnitten werden. Aber das Ergebnis muss ja auch gut werden. Am Sonntagmorgen wird es dann soweit sein und man kann den Trickfilm bestaunen. Ein weiterer Grund, einen Abstecher in die Wurmpassage zu machen: Es werden auch die Trickfilme der letzten Jahre gezeigt. Nach der Boxnacht heißt es im Wurm also wieder “Ring frei!” für den Nachschlag unserer jungen Künstler.

Veterane – das sind heute nicht mehr Uropas, die von Stalingrad erzählen. Veterane – das sind heute draufgängerische Dorfjungen, die aus Afghanistan zurückkommen. Einer dieser Kerle ist der 23-jährige David, der vom ‘Frieden verteidigen’ nach Hause kommt. Sein Zuhause ist ein kleines Dorf im Schwarzwald, in dem sich alles um Fußball und Männlichkeit dreht. Das bekommt auch sein junger Halbbruder Benni zu spüren, der von seinen Freunden immer wieder gehänselt wird. Doch auch David hat kaum Lust, mit ihm Fußball zu spielen oder ihn vor den anderen zu beschützen, sondern hat immer mehr mit sich selbst zu kämpfen.

Souvenir aus Afghanistan

Irgendwann wird klar, dass der Wiedereinstieg in den dörflichen Alltag nicht so ganz glücken will. Es steigen immer mehr Bilder aus der afghanischen Wüste in David auf. Um ihn abzulenken geben seine Freunde eine Willkommensparty, auf der David Fotos aus dem Kasernenleben umherzeigt. Als die Freunde die schönen Fotos bewundern, ist die frühere Angst um David vergessen. Doch David kann die Situation nicht weiter ertragen und konfrontiert alle mit Bildern von Verstümmelten und Leichen. Davids Psyche wird immer instabiler und er sucht Zuflucht bei seinem Halbbruder Benni.

Kain und Abel?

David bringt Benni bei, sich wie ein Mann zu benehmen und projiziert seine Probleme auf ihn. Immer weiter stachelt David Benni an, Mutproben zu bestehen und es seinen Freunden zu zeigen. Er beginnt, ihn wieder im Fußball zu trainieren und Benni nähert sich immer weiter an David an. Schließlich kommt es im Wald zur Nervenprobe und als David noch am Spielfeld steht und Benni anfeuert, nachdem das Spiel schon vorbei und das Fußballfeld leer ist, wird jedem klar, dass David wirklich Hilfe braucht. David kommt in Therapie.

Interessantes Mittelmaß

Der Film ‘Nacht vor Augen’ war schon auf der diesjährigen Berlinale vertreten und kommt heute um 19:30Uhr im Capitol zur Aufführung. Der Film macht die Thematik des Kriegstraumas für jeden interessant, da er sowohl dem gegenwärtigen Kriegsgebiet Afghanistan als auch in Deutschland spielt. Umso mehr ist es da störend, dass die Dialoge oft etwas platt wirken und der Film nicht mit kreativen Kameraeinstellungen glänzen kann. Oft weiß man schon vorher, was passieren wird, spannende Momente sind selten. Es bleibt leider zu sagen, dass die Umsetzung dem wirklich interessanten Thema nicht gerecht wird.

Zielstrebig schlage ich mich durch den Presselunch. Vorbei an Schnittchen, Sekt und Stars. Ich suche Thomas Roth, den Regisseur des Eröffnungsfilms ‘Falco – Verdammt wir leben noch’. Aber man hat ihn schnell gefunden, schließlich ist bei Herrn Roth die Herkunft aus den Alpen schon etwas zu sehen. Zwar sieht er nicht aus wie ein uriger Almöhi, aber Vollbart und längeres ebenso wuscheliges Haar lassen Assoziationen aufkommen.

“Österreich ist eine kleine Filmwüste”

Herr Roth, Sie sind dieses Jahr mit dem in Österreich schon sehr Erfolgreichen Film ‘Falco – verdammt wir leben noch’ angereist. Wie erklären Sie sich den großen Erfolg in Österreich?

“Naja, Österreich ist ja schon eine kleine Filmwüste und da erregt eine nationale Berühmtheit wie Falco natürlich besondere Aufmerksamkeit. Allerdings hatten wir bei der Produktion und auch schon im Vorfeld Probleme mit Freunden und Angehörigen. Auf einmal hatte Falco 200 000 enge Freunde, die alle nicht wollten, dass Falco eventuell negativ dargestellt wird.Was den Film aber wahrscheinlich wirklich erfolgreich macht, sind einfach die Emotionen darin. Das ist eine Seite von Falco, die die meisten noch nicht kennen.”

Meinen Sie denn, dass der Film in Deutschland auch so erfolgreich wird?

“Na das hoffe ich natürlich! Der Film wird hier in Deutschland länger zum Anlaufen brauchen und wir starten in Deutschland nur mit 100 Kopien. Das sind zwar 20 mehr als in Österreich, allerdings ist das für Deutschland ein doch eher kleiner Start. Wir hoffen, dass der Film den Leuten so gut gefällt, dass die Mundpropaganda Leute ins Kino treibt. Hier kommt es hauptsächlich auf die Promotion an.”

Sie sind Regisseur und Autor. Haben Sie das gesamte Buch selbst geschrieben oder hatten Sie Hilfe und Beratung?

“Nein, ich habe das Drehbuch schon allein geschrieben. Ich habe mir allerdings aus alten Interviews und Gesprächen mit Familienmitgliedern und Freunden das Wesentlichste rausgepickt, um dem Falco in meinem Film seinen Charakter zu geben. Man darf ja nicht vergessen, dass es keine Doku ist die fragt: war Falko wirklich so? Es ist ja schon ein fiktiver Film.”

Ist es das, was Ihren Film von den vielen Dokumentationen über das Leben und Schaffen Falcos unterscheidet?

“Ja, in diesem Film wird eher die Psyche von Falco beleuchtet. Da ist zum einen der Popstar, der mit 24 Jahren schon Dollarmillionär ist und alles geschafft hat, und zum anderen der sensible Mensch, der aus bürgerlichem Haus kommt.”

Und das wiederum ist das faszinierende an Hans Hölzel alias Falco?

“Genau, dieses Jekyll-und-Hyde-Syndrom. Zu sehen, wo die Grenzen seiner Psyche waren. Es ist mir zum Beispiel auch immer noch unbegreiflich, wie ein junger Mensch, der so viel erreicht hat, dann in Drogen abdriften kann.”

“Mich hat eher der Mensch Falco interessiert”

Wenn Sie sich so intensiv mit Falco beschäftigt haben, sind Sie doch bestimmt Fan?

“Ich weiß nicht. Ich glaube, ich bin aus dem Alter raus, Fan zu sein oder die Musik zu hören. Ich war nie der größte Anhänger Falcos, habe ihn allerdings zweimal getroffen und er hat mich fasziniert. Mich hat eher der Mensch Falco interessiert als der Musiker.”

Warum sollte man mal wieder ins Kino gehen?

“Das Kinoerlebnis ist einzigartig, das kann man mit keinem Plasmafernseher nachstellen. Die älteren Leute gehen heutzutage viel zu selten ins Kino, das sind die, die ich gerne ‘Generation im Sessel’ nenne. Ich glaube die jungen Leute entdecken das Kino immer mehr für sich. Ob man mit der Freundin ins Kino geht oder sich mit Kumpels einfach mal einen harten Film anschaut, ist da egal. Als Regisseur ist es natürlich auch eine Aufgabe, diesen Missstand aufzuheben.”

“Schließlich muss am Ende ja auch was dabei rauskommen”

Ich stelle mal eine These auf: Ein Regisseur dreht seine Filme immer für sich selbst. Wie sehen Sie das?

“Nein, auf gar keinen Fall. Das sehe ich nicht so. Der Film hat schließlich 3,9 Millionen Euro gekostet und ich glaube nicht, dass ich so smart bin, dass mir meine Sponsoren das Geld einfach so zu meinem Vergnügen geben. Schließlich muss am Ende ja auch was dabei rauskommen. Ich muss den Film schon so machen, dass er mir und den Leuten gefällt. Alles andere wäre wohl auch ein schlechter Film.”

Nachdem ich all meine Fragen auf Thomas Roth abgeschossen hatte, stürmten wir uns wieder in das Getümmel, um noch ein paar Schnittchen abzukriegen, bevor die Pressekonferenz losging.

Nachdem sie letztes Jahr der NDR-Landesfunkhausdirektor Gerd Schneider erhalten hat, darf sich dieses Jahr Regisseur Detlev Buck über die Trophäe freuen. Der Macher des Filmes ‘Hände weg von Mississippi’ überzeugte die Jury nicht nur “mit einer guten Buchvorlage, einer erstklassigen Schauspielregie und einer überzeugenden Arbeit als Regisseur”, sondern vor allem mit einem “erstklassigen Drehort”.

‘Hände weg von Missisippi’ wurde in der Schaalseeregion gedreht und sei so nicht nur “ein mehr als sehenswerter Streifen, sondern zugleich die beste Werbung für die Region Westmecklenburg”, so der ehemalige Oberbürgermeister Norbert Claussen. Nach seiner MV-Premiere letztes Jahr rückte der erfolgreiche Familienfilm die Landschaft Mecklenburgs positiv in die Medien und überzeugte die Jury, der neben Claussen auch Vertreter der Filmland Mecklenburg-Vorpommern gGmbH angehören. Der Geehrte erhält auch dieses Mal ein Miniaturbild der Schweriner Künstlerin Helga Villanyi, welches das Thema “Begegnung – Berührung – Kuss” darstellt. Wer diese heute überreicht, ist nach der Abwahl Claussens allerdings noch unklar, berichtete Torsten Jahn, Geschäftsführer der Filmland gGmbH, auf Anfrage der Redaktion.

Jan Zabeils prämierter Kurzdokumetarfilm ‘Was weiß der Tropfen davon’ entzaubert das politische Machtzentrum Deutschlands – bewaffnet mit schwarz-rot-goldenen Staubwedeln.

Multikulturelle Putzkolonnen

Es dauert eine Weile bis sich eine Stimme aus dem Off zu den ruhigen Bildern des Bundestages gesellt und Joao Baroso von seiner Arbeit erzählt.

Joao ist eine von vielen Reinigungskräften, die täglich aufs Neue die endlosen Korridore des Bundestages säubern. Die multikulturellen Puztkolonnen, die das deutsche Ideal der Sauberkeit verwirklichen, sind anscheinend die einzigen, die den Bundestag bevölkern, denn Politiker sind erst gar nicht erst zu sehen. So drängt sich auch die Frage auf, warum eigentlich jeden Tag wieder sauber gemacht wird, wenn doch neben den Reinigungskräften sonst kaum jemand durch die Gebäude streunt. Doch Joao, Nihat und Co hinterfragen ihre Arbeit nicht, sondern erledigen sie voller Pflichtbewusstsein und sind froh über ihre Chance. Joao ist zufrieden mit seinem Leben – auch wenn es in Deutschland zuweilen sehr kompliziert sein kann. “So ist das Leben hier in Deutschland, is’ alles nur Uhr gucken!”

Edelstahl

Die Reinigungskräfte erklären, auf welcher Etage sich welche Partei befindet und wie man die in den Boden eingelassenen Edelstahllettern am besten reinigt. Der Schriftzug im Boden des Paul-Löbe-Hauses gab dem Film seinen Titel und hat auch sonst viele Parallelen mit ihm. Dass Nihat, der den Text säubert, ihn nicht versteht, stört ihn nicht. Er interessiert sich auch sonst wenig für Politik.

Viel Luft und wenig Musik

Dass die Texte der Sprecher spontan und ohne Vorbereitung eingesprochen sind verleiht dem Film eine große Authentizität. ‘Was weiß der Tropfen davon‘ begeistert durch grandiose Kamerafahrten und -einstellungen. Denn auch wenn der Film in seinen zwölf Minuten viel vermitteln muss, nimmt Jan Zeibel sich doch Zeit für Bilder und verweilt lange in einer Kameraeinstellung. Mit der passenden, minimalistischen Musik unterlegt, erscheinen diese aber auch nie zu lang oder zu schwer. Mit dieser Symbiose aus viel Luft und wenig Musik gelingt es ihm, eine Atmosphäre aufzubauen und über den Film zu halten. ‘Was weiß der Tropfen davon’ wirkt wie ein graziles Ballet, das kurz vor dem Stillstand ist.

Martin, wie alt bist du und das wievielte Mal bist du jetzt beim filmab! mit dabei?

“Ich bin 20 Jahre alt, das musste ich letztens erst wieder ausrechnen, weil ich es nicht so im Kopf habe. Tatsächlich ist es erst mein zweites Mal, dass ich hier dabei bin. Ich war das erste Mal vor zwei Jahren hier, hab dann letztes Jahr ausgesetzt, weil ich mein Abi geschrieben habe.”

Du hast doch auch schon früher mal in einer Schülerzeitung namens Stichling mitgearbeitet. Was war das? Wer war noch dabei vom Team?

“Den Stichling gibt es seit 1992 in Bad Doberan am Friderico-Francisceum Gymnasium und ich habe da vor etwa drei Jahren die Chefredaktion von Katrin übernommen und das ganze dann geleitet.”

Wie war diese Zeit für dich?

“Die Zeit war sehr schön, doch am Anfang war es schwierig, neue Leute dafür zu begeistern und die Truppe zusammenzuhalten. Das war aber auch schon die größte Schwierigkeit, denn die Arbeit hat super Spaß gemacht.”

War das vielleicht auch eine gute Vorbereitung für das spätere Leben und die filmab!-Arbeit?

“Natürlich war es eine tolle Sache, aber eine Vorbereitung war es eher weniger. Ich studiere jetzt Luft- und Raumfahrttechnik, das geht ja in eine ganz andere Ecke. Den Journalismus mache ich eher hobbymäßig.”

Seit wann interessierst du dich für Journalismus und Film? Kam das mit der Zeitung, dadurch oder vorher?

“Das kam so ein bisschen parallel. Ich war vorher schon ein wenig interessiert und habe selber was geschrieben. Ich hatte aber mehr mit dem Internet zu tun, habe da eigene Homepages gebaut, auf denen ich was über mich geschrieben habe und bin eher so zum Journalismus gekommen. Später kam dann der Aufruf des Stichling, dass neue Layouter gesucht werden und da ich ja nun dadurch Erfahrung mit Layout hatte, kam ich mit dazu.”

Du sagtest, du studierst Luft- und Raumfahrttechnik. Wo tust du das und wie bist du dazu gekommen?

“Das ist an der Fachhochschule in Aachen und – ja wie bin ich dazu gekommen? Ich hatte das irgendwo mal gelesen und mich schon immer dafür interessiert. Dafür, was zu bewegen, was zu erreichen, die Entwicklung voran zu bringen – das war mein Antrieb.”

Bist du denn eher so ein Mathe- und Physikmensch?

“Wie stellt man sich denn so einen typischen Mathe- und Physikmenschen vor? Ich bin ja nicht so jemand, der den ganzen Tag zu Hause vorm Rechner sitzt und Matheaufgaben rechnet oder lernt. Das wäre ein falscher Eindruck. Aber ich habe schon Interesse daran, physikalische Probleme zu lösen oder den Sachverhalt zu verstehen. Das ist so mein Ding.”

Was fasziniert dich so an filmab!?

“filmab! ist halt das Event vom Jugendmedienverband und eine Woche lang mit verschiedensten Menschen zusammenzusitzen und zu arbeiten und später das Ergebnis in der Hand zu halten, das ist ein ganz tolles Gefühl.”

Nächstes Jahr wieder?

“Das ist durchaus möglich, ja.”