Es passiert im deutschen Kino leider selten, dass ein Film derart überraschen kann. So gewöhnlich der Start, so ergreifend und beklemmend entwickelt er sich im weiteren Verlauf. Besonders die schauspielerische Leistung des vor kurzem verstorbenen Thierry van Werveke sorgt dafür, dass sich dem Zuschauer alles zusammenzieht.

So verschieden die Werke auch sind, so einheitlich ist ihre Mission. Jedes der 13 Kurzfilmbonbons vergegenwärtigt deutsche Politik, Denkart und Lebensart auf eine sehr unterhaltsame Art. Teilweise sieht man da ein sozialkritisches Werk, dann wieder ein Märchen mit einer gewitzten und intelligenten Bildsprache, aber auch Dokumentationen. „Deutschland 09“ beweist dem Publikum, wie interessant und lebendig man die aktuelle Politik darstellen kann. 100% ist das Lob dann aber auch nicht, denn „Erster Tag“, „Der Weg den wir nicht zusammengehen“ und „Seance“ haben ihre Längen, da hier die Spannung der eines Stilllebens aus zwei Äpfeln und einer Banane gleicht.

Herausragend ist Isabelle Stevers Beitrag über Demokratie-Unterricht an einer Grundschulklasse.  Dabei ist es unglaublich faszinierend zu beobachten wie partizipative Entscheidungsfindung selbst unter Kindern funktionieren kann. Man erkennt aber auch dessen Notwendigkeit. Nennenswert ist auch Dany Levys einem Märchen gleichende Kampfansage an die Schwarzmalerei.

Beim Kauf einer Kinokarte sollte dem Zuuschauer bewusst sein, dass er einen Superdeal gemacht hat. Denn mit nur einer Karte bekommt man 13 Filme zu sehen, wobei jeder garantiert seinen Liebling finden wird.

Alles Regeln, die außer Kraft gesetzt werden, wenn eine togolesische Band Klänge ihrer Heimat leidenschaftlich auf Trommeln zum Leben bringt. Überhaupt schien an dem gestrigen Abend die Stadtbibliothek togolesisches Staatsgebiet geworden zu sein, denn neben der angesprochenen Band erschien auch der togolesische Botschafter. Es war eine sehr angenehme Atmosphäre an diesen eher nüchternen Ort. Es wurden Geschenke als Ausdruck von Interesse an zukünftiger Zusammenarbeit überreicht und ein Kooperationsvertrag geschlossen, der zum Ziel hat, beide Kulturen näher zu bringen. Neben den ganzen weniger unterhaltenden Formalitäten wurde eine Dokumentation über ein, das in dem 5054,27 km entfernte Sokodé stattfindende Musikfestival gezeigt.

Abseits der geografischen Entfernung existiert aber auch eine kulturelle. In dem gezeigten Film sah man tanzende Pferde und einfach eine ganz andere Welt. Schade ist aber, dass auf der Website des filmkunstfestes von einer „kulturellen Entwicklungshilfe“ gesprochen wird, was eine enorme Arroganz ausdrückt. Solch ein Ausdruck impliziert, die scheinbar “hilfsbedürftige” Kultur sei unserer unterlegen. Glücklicherweise kam diese Einstellung nicht auf dem Kulturabend zum Vorschein, hervorschienen nur viele symbolische Gesten und viel Grinsen seitens der Politiker.

Alles rast.

Die Zeit ist knapp.

Geh schneller.

Folge den Pfeilen.

Sei nicht anders. Pass dich an.

In Jan Riesenbecks „Kopfgeburtenkontrolle” rast der Erzähler durch seinen Monolog. Es treibt ihn der Drang, sich nicht dem System der Hektik zu unterwerfen. Er hinterfragt alles, fordert zum Zweifeln und Verlassen von Gewohnheiten auf. Er sucht nach dem Sinn im Alltag und scheint ihn nicht zu finden. Er will fliehen, einfach verschwinden – und bemerkt nebenbei, dass sein Fernseher dringend Abwechslung brauchte und ihm deshalb davonlief.
In seinen Worten liegt eine Poesie, die sich nicht der feinen Sprache widmet, sondern ganz allein dem Ausdruck seiner Gedanken. Ein Schnitt, der dem Rhythmus eines Maschinengewehrs ähnelt, der den Zuschauer unruhig werden lässt, harmoniert mit dem weltanzweifelnden Monolog der Hauptperson. Dies in Kombination mit Slapstick und einem trockenen, cleveren Humor der auch öfters parodierend ist, gibt dem Film seine freche Leichtigkeit.

„Charlie Chaplin ist in den modernen Zeiten in die Zahnräder eine Maschine geraten. Jetzt sind die postmodernen Zeiten angebrochen – die Maschine ist mein eigener Körper.“

Mittlerweile sollte dir klar sein, dass dieser Film ein echtes Muss ist. Neun Minuten mit so viel Biss und Leidenschaftlichkeit sieht man nicht oft.

So entsetzlich ein Selbstmordattentat ist, so faszinierend ist es, einen Mörder auf seinem letzten Weg zu folgen. Noch faszinierender ist es, wenn er uns nicht als unmenschliches Monster präsentiert wird, sondern gezeigt wird, wie Missverständnis, Vorurteil und Manipulation ihn so etwas Grausames tun lassen.
In Dror Zahavis Alles für meinen Vater ist es der junge Tarek, der sich und vielen Unschuldigen den Tod bringen will. Entgegen dem Plan zündet sein Sprengsatz nicht als er den perfekten Ort für sein Massaker gefunden hat. Während er versucht, die fehlerhafte Elektrik reparieren zu lassen, macht er Bekanntschaften, die seine schwarz-weiße Welt mit Grautönen verschleiern. Es entwickelt sich eine Beziehung, die nicht absurder sein könnte: Den Tod um die Hüften geschnallt, entdeckt der junge Araber Gefühle für die unkonventionelle Jüdin Keren.
An Stellen wie diesen läuft der Film jedoch Gefahr, ins Lächerliche abzudriften, weil die Absurdität dann enorm ist. Es wird über verlorene Söhne und gebrochene Väter geredet, während Tarek unter seiner Kleidung den Sprengstoffgürtel versteckt.
Empfehlenswert ist der Film trotzdem, denn der ergreifende Plot und das psychologische Profil eines solchen Attentäters machen den Film absolut sehenswert.

Doch die Qualität einer Ausstellung wird nicht ausschließlich durch die Bilder geprägt. Die Präsentation der Werke ist das, welches das Gesamtwerk erst herausragend macht. Und genau hier scheitert die Ausstellung völlig: Alle Bilder sind auf engsten Raum zusammengepfercht, hängen teilweise schief und sind auf simplen schwarzen Karton geklebt. Der Kino-Besucher, der sich in der Filmpause ein wenig die Beine vertreten will, wird herausgefordert sich nicht von diesem ersten Eindruck abschrecken zu lassen oder einfach vorbeizulaufen. Eigens der Ausstellung wegen ins Capitol zu gehen grenzt fast an Zeitverschwendung. Schade.

Ein Film entsteht nicht nur aus der Zusammenarbeit von Regisseur und Schauspieler oder aus Licht und Tontechniker allein. Es sind weitaus mehr Personen, die einen wichtigen Beitrag zum Gesamtwerk leisten. Eine ganz entscheidende Rolle spielt da der Kameramann. Wenn dieser dann auch noch innovativ und ehrgeizig ist, die Fähigkeit besitzt, sich den Anforderungen der verschiedenen Regisseure anzupassen und auf bahnbrechende Weise seinen einzigartigen Stil der Kameraführung entwickelt, dann spricht man von Michael Ballhaus.

Er wirkte an über 80 Filmen mit und arbeitete besonders intensiv mit dem Regisseur Rainer Werner Fassbinder zusammen. In nur acht Jahren schufen sie 15 Filme, die Zusammenarbeit endete aber schließlich 1978 im Streit. In einem Interview mit dem jungen Nachwuchsregisseur Talia Lavie beschrieb er die Arbeit mit ihm als „anstrengend, sowohl psychisch wie auch physisch“. So wenig er ihn als Mensch verstehen konnte, so sehr profitierte er von der Zusammenarbeit mit diesem fordernden Regisseur. „Ich lernte, agil und bereit für alles zu sein“, merkte Ballhaus an.
Prägend war diese Phase vor allem für seinen Ruf in Übersee, denn nun interessierte man sich auch in Hollywood für ihn. Es entstanden Filme mit Francis F. Coppola, Robert Redford, Paul Newman und Wolfgang Petersen. Dabei ist besonders Ballhaus’ Zusammenarbeit mit Martin Scorsese zu erwähnen. Die visuelle Denkweise verband beide am Set und machte sie zu einem erfolgreichen Team. Es entstanden “Die Farbe des Geldes”, “Die fabelhaften Bakerboys” und “The Departed”.
Nach dem Tod seiner Frau im Jahr 2007 kündigte Ballhaus seinen Rückzug aus dem großen Filmgeschäft an. Zurückgekehrt nach Deutschland lebt er in Berlin und engagiert sich für ein besseres Umweltbewusstsein. Zudem widmet er sich aktiv dem Nachwuchs und unterrichtet an Filmhochschulen in Berlin, Ludwigsburg und München.
Seinem Schaffen ist eigens eine Filmreihe gewidmet, die sich mit Werken wie „Die Farbe des Geldes“, „Bram Stoker’s Dracula“ und „Gangs of New York“ nahtlos in das filmkunstfest mit dem Gastland USA eingliedert.

Sitzt man nun in einem dieser Filme, kann man die Werke eines Mannes bestaunen, der trotz seines Ruhmes bodenständig und aufgeschlossen geblieben ist.

Der Film verurteilt nicht mit ausgestrecktem Zeigefinger den Alkoholiker sondern zeigt auf menschliche Weise, wie verzweifelt er versucht, in seinem desolaten Zustand Dinge nicht entgleisen zu lassen.

Zu dem Familiendrama gesellt sich die Atmosphäre einer nächtlichen Großstadt, welche geprägt ist von Einsamkeit und Kälte. Krój konzentriert sich dabei auf wenige stilistische Details, verzichtet auf jegliche musikalische Untermalung und erzeugt so eine starke Authentizität. Der Zuschauer bekommt nach und nach Fetzen der Handlung zugeworfen. Der Autor verlangt dem Publikum ein hohes Maß an Aufmerksamkeit ab, um die Geschichte als Ganzes verstehen zu können. Man fühlt sich teilweise verloren und verwirrt in dem Puzzle, das Krój einem präsentiert. Ich sehe dieses Manko aber als hintergründig, weil so der Kurzfilm einen wachen Verstand fordert. Empfehlenswert ist dieser Film für all diejenigen, die es mögen, wenn darauf Wert gelegt wird Gefühle möglichst authentisch zu übermitteln. Andrzej Krój beweist somit einmal mehr seine Fähigkeit, sensibel und einfühlsam mit Kamera und Regie umzugehen.

Hallo Tino. Könntest du bitte ein Akronym aus deinem Namen machen.

Das ist schwierig… (nach einer längeren Denkpause) Treu, Ina, nachdenklich und Ostsee.

Konntest du vor filmab! gut schlafen?

Leider nicht, weil wir früh losfahren mussten. Zudem hatte Ina Migräne, was mir den Morgen nicht gerade versüßt hat.

Ole fällt ins Gespräch ein: Mir hat sie auch schon davon erzählt.

Tino: Sie kann ja nichts dafür, dass sie Migräne hat. An und Für sich habe ich aber gut geschlafen.

Kannst du was zum Handout sagen?

Ursprünglich wollten wir ein extra filmab!-Handout machen. Wir haben uns dann für eine Mischung entschieden und Teile aus dem Schülerzeitungs-Handout genommen und teilweise aufgearbeitet.

Wie sieht die für dich schlimmstvorstellbare Filmrezension aus?

Eine Rezension voll mit Rechtschreibfehlern und mit fehlender Aussage, sondern nur ein Mischmasch aus unwichtigen Themen, wie z.B. Produktionskosten. Der Leser will schließlich wissen, ob es sich lohnt, den Film anzusehen.

Tino was hältst du von der Idee, einen Film in einem dreieckigen Format anstelle des üblichen rechteckigen Formats zu machen?

Es wäre schon revolutionär. Dadurch würden sich zahlreiche neue künstlerische Möglichkeiten auftun. Zudem würde das Wort 3D-Kino eine ganz neue Bedeutung bekommen. Der Film wäre somit in einer neuen Dimension.

Ole stimmt zu: Das wäre eine echt coole Idee, das würde die Filmwelt revolutionieren.

Ja, das ist wirklich eine ausgesprochen gute Idee. Vielleicht dreh ich demnächst den ersten dreieckigen Film.

Glaubst du, dieses filmkunstfest wird revolutionär?

Natürlich – ich als Chefredakteur! Nein, Quatsch. Ich bin gespannt, denn es sieht sehr interessant aus. Das filmkunstfest ist etwas, was sich schon seit vielen Jahren etabliert hat. Revolutionär wird es wohl nicht, auch wenn mit den USA dieses Jahr das erste Mal ein nichteuropäisches Gastland vertreten ist. Das macht es natürlich spannender.

Was erhoffst du dir von den nächsten fünf Minuten?

Dass das Interview vorbei ist und meine anfangenden Kopfschmerzen nachlassen.

Vielen Dank fürs tolle Interview.