Die Schweriner Tonstudioassistentin Wiebke ist vom Starrummel angetan. „Das Festival ist sehr publikumsnah. Doch mehr Marketing außerhalb von MV, über die Grenzen hinaus hätte dem sehr gut getan“, so die 26-Jährige.
Dem Theaterschauspieler Klaus sagten besonders die Retroperspektive und einzelne Wettbewerbsbeiträge besonders zu. „Aber Verbessern kann man immer! Das Zeppelin ist meiner Meinung nach für den Filmtalk viel zu klein.“ Einen Wunsch würde sich der 54-Jährige gerne einmal auf dem filmkunstfest erfüllen: „Spielberg in Schwerin wär doch mal ein Fortschritt“, witzelt er.

Die ehemalige Capitol-Angestellte Sophie (17) wünscht sich mehr Zusammenarbeit mit Schulklassen. „Es wird sehr gut angenommen, man kann unverfänglich mit den Filmteams ins Gespräch kommen. Lustig auch, was es alles für komische Leute beim Film gibt. Hätte ich nie gedacht.“ Dennoch wünscht sich die Abiturientin, um alle Filme schauen zu können, ein paar Tage filmkunstfest mehr. Ob das vielleicht in den kommenden Jahren machbar sein wird? Eine schöne Zukunftsvision. Auch Ayla-Darstellerin Pegah Ferydoni wäre ein bisschen mehr Zeit und ein bisschen weniger Stress ganz lieb: „Es war sehr rührend, live zu sehen, wie die Zuschauer auf unseren Film reagiert haben. Die positive Resonanz ist uns allen sehr wichtig. Die Mischung aus deutschem jungen Kino und Weltkino ist sehr ansprechend. Es passt alles super!“

Doch was sagt die filmab!-Redaktion zur Publikumsnähe? „Die bunte Mischung aus “High Society” und Zuschauern und die lockere, gesellige Atmosphäre haben mir sehr imponiert.”, so Patrick Schmitz. Trotz der unterschiedlichen Auffassungen freut sich die Redaktion auf weitere filmkunstfeste, die ihren ganz eigenen Charme hoffentlich nie verlieren werden. Denn wir wollen auch in den kommenden Jahren genau das tun, was wir am besten können: beobachten, zerreißen, preisen und den filmkunstfest-Besucher auf das Schlimmste und Beste gefasst machen.

Nach 20 Kurzfilmen beginnt der eigentlich spannende Teil des Abends. Mit nur noch zehn Prozent des Publikums stellt sich Moderator Moe erneut mit Denglisch-Slang auf die Bühne und macht Ansagen, die die Welt nicht braucht. Ehe ich mich versehe, ist aus Moe auf einmal drei geworden. Ich reibe mir die müden Augen und muss zu meinem Entsetzen feststellen: Das ist die “Band”. Yo, tight. Okay. Also los. Oder auch nicht. Gefühlte 30 Minuten später drehen die drei Groupies neben mir frei, erzählen lautstark “Ey, voll das falsche Publikum!” und ich weiß: Jetzt geht’s los. Mh, tja. Koma Klick. Fünf Fans, zwanzig völlig fehl am Platz sitzende Menschen. Das Wort “Anstandssitzenbleiben” kreist in meinem völlig zugerappten Kopf. Um zu wissen, warum genau auf gehaltvolle, weitaus bessere Kurzfilme als im KF-Wettbewerb solche Musik folgt, sollten wir jetzt den MV-Spion-Bandcontest zur Rechenschaft ziehen. Bei allem Respekt werde ich immer ungeduldiger, richte meinen Blick auf die drei Typen, die definitiv Bühnenperformance mit Epilepsieanfällen verwechseln. Ich spiele mit dem Gedanken, den Stöpsel zu ziehen.

Also weiter. Stellen wir uns laut Moderator Moe mal fix die imaginäre Verena und den imaginären Alex vor und schon haben wir eine runde Preisverleihung. Fehlen nur noch die Zuschauer. Denn von dem einst überfüllten Speicher sind bei der Siegerehrung noch rund 20 Leute da. Verena Fels’ Mobile-Film hat nämlich den ersten Platz gemacht. Der zumindest physisch anwesende Berni Kübel den zweiten mit BACIO. Und Alexander Lehmann, ebenfalls im sexy Tarnumhang, den dritten mit Du bist Terrorist. Und alle drei haben es verdient. Genau wie viele andere der zwanzig Einsendungen, deren Aufzählung jetzt jeglichen Zeichenplatz sprengen würde.
Bei aller Liebe: Das hab ich an meinem Freitagabend nicht gebraucht.

Auf dem Weg zu Ben kollidiert Zivi-Christian mit der chaotischen Annika (Anna Brüggemann). Ben „kennt“ die Cello-Spielerin – sprich: Er beobachtet sie seit zwei Jahren jeden Tag vom Balkon aus. Liebe kommt für Behinderte wie Ben eigentlich nicht in Frage, das erklärt er zumindest am Anfang, in der Zeit bevor Annika vor seiner Haustür wortwörtlich “landete”. Die drei völlig unterschiedlichen, absurden Charaktere Annika, Ben und Christian werden mit der Zeit nicht nur dicke Freunde…
Die Figuren entblättern sich im Laufe des tragikomischen Liebesdramas nicht nur äußerlich. Ein lieblicher Seelenstriptease ist besonders aus Bens Ecke vorprogrammiert. Was für alle drei wie ein Spiel beginnt, wird für Ben eine Reise zu seinen größten Ängsten. In Abgründe, aus denen er allein nicht mehr herausfinden wird.

Bitterbös pornös
Nicht nur die „etwas andere“ Story verleiht Renn, wenn du kannst einen besonderen Charme. Es sind die wahnwitzigen Konversationen, die dem Zuschauer den anfänglichen Kotzbrocken Ben sympathisch werden lassen. Bens Sprüche sind bitterbös und schwarzhumorig, so dass keineswegs Mitleid für den Protagonisten aufkommt. Doch die besten Zitate sollen dem Leser nicht vorenthalten werden. In diesem Sinne, original und unkommentiert:
“Hups, da ist eine Scherbe in meinem Bein. Wie interessant.”
“Ich guck dir nicht dabei zu wie du dich umbringst.” – “Na dann guck doch weg!”
“Du glaubst gar nicht, wie viele Fische ich in einer Saftpackung halten kann.”

Der anfangs einsame Ben lernt nicht nur zwei neue Freunde kennen, sondern zugleich ein paar Wortschöpfungen dazu. Beispielsweise den neuen Slang für das Wort ‘geil’, nämlich ‘porno’. Ein durchaus pornöser Film.

Wertewandel innerhalb zweier Welten
Die ethische Dilemma-Situation klingt stereotyp, wird aber durch Kamera, Musik und Schauspieler in ein prickelndes Drama verwandelt. “In Ayla sind die Gefühle gewissermaßen die Spezialeffekte”, so Regisseur Su Turhan. Der gebürtige Türke will auf den Wertewandel innerhalb zweier Welten aufmerksam machen, “dieses Dazwischen, was die Generation ausmacht, die außerhalb ihrer eigentlichen Heimat lebt und eine neue Heimat gefunden hat.” Su Turhan indiziert dem Zuschauer eine Ayla, die einer klassischen Heldin ähnelt: beispiellos stolz, kompromisslos stark.

Ein fesselndes, aufrührendes Kunstwerk, das nicht nur mit erhobenem Zeigefinger auf die Kontraste zweier Kulturen weist, sondern ans Herz geht und die Thematik verdienterweise noch lange in den Köpfen kreisen lässt.
Die enorme emotionale Wirkung macht es unheimlich schwierig, durch kurze Interpretation diesem Streifen gerecht zu werden. Aber: Wenn ein tiefgründiger, authentischer Film auf dem filmkunstfest gesehen werden sollte, dann AYLA.

Dörte Grauer vom Norddeutschen Rundfunk begrüßte das Publikum und entzückte sich mit einem “das Gute liegt so nah” über das hochkarätige Who is Who zum Jubiläum.
Studenten der HMT Rostock aus dem Kurs World Pop Music umrahmten das Programm mit Populärmusik unter dem Thema Deutschland. Das besondere: die Gänsehaut-Klassiker wurden im Blitzlichtgewitter von ausländischen Studenten aus Frankreich, Taiwan, Panama und dem Libanon interpretiert. Mein Blick schweift in die Kinoreihen: tippelnde Füße, zum Takt nickende Köpfe. Besondere Musikantenstadl-Atmosphäre erzeugten Knorkators “Deutschland ist schön” und “Deutschland” von den Prinzen.

Codewort 20/850/20, Baby!
Kultusminster Henry Tesch verlieh ein auf 1500 Euro dotiertes Stipendium für Ulrike Vahl und ihren Kurzfilm Gömböc.
Torsten Jahn, Geschäftsführer der FilmLand M-V gGmbH berichtete dem Publikum von der Erfolgsgeschichte des filmkunstfestes und lobte das große Engagement und Herzblut, mit dem das Team von den Anfängen bis zum 20. Jubiläum gearbeitet hat. “Es lädt zum Mitmischen ein und ist kein politischer Masterplan der deutschen Einheit”, so Thomas Krüger von der Bundeszentrale für politische Bildung.
Stefan Fichtner und Saskia Weigner stellten die Jury  vor – unter anderem die erste weibliche Kommissarin Hannelore Elsner, den Ehrenpreisträger 2009 Michael Ballhaus und das berühmteste Kind der Stadt: Andreas Dresen.

Das geplante Experiment, einen Publikumstalk über die Idee eines gemeinsamen Films der Jury anzuregen, wurde leider kurzerhand und kommentarlos unter den Tisch fallen gelassen.
Der Mitbegründungsvater Ulrich Kafka blickt stolz auf 20 Jahre mit Höhen und Tiefen zurück und erzählt detailverliebt “Anfangen ist leicht, beharren ist Kunst”. Hasso Hartmann wurde für seine Leistungen gelobt; subtil betont gute Genesung gewünscht. Es folgte der Aufruf, auch weiterhin in kollektiver Arbeit ein Team zu bleiben. Ein Rückblick auf die Trailer der vergangenen 19 Jahre – von verwirrenden Schwananimationen über den bekannten Goldenen Ochsen und einem singenden Axel Prahl – zeigt im Minutentakt die Entwicklung des filmkunstfests.

Das Codewort der Oberbürgermeisterin Angelika Gramkow lautete 20/850/20 – 20 Jahre deutsche Einheit, 850 Jahre Schwerin und 20 Jahre filmkunstfest. “Manche Schweriner sehe ich nur einmal im Jahr und dann im Kino”. Schwerin wurde laut Gramkow zur Heimat des gesellschaftlich engagierten Films und wichtigstes Schaufenster der Filmförderung in MV.

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Und was kommt nach dem Happy End?
Es folgt ein leises, aber intensives Drama über Lieben und Auseinanderl(i)eben. Die 36-jährige Regisseurin hat ihren Finger am Puls der Zeit. Dort, wo östliche und westliche Kultur aufeinandertreffen, trennen sich die Lebensansichten des Paares.
Die Beziehung bekommt durch Amars Alkoholkonsum und den unerfüllten Kinderwunsch erste Kratzer. Als eine Therapie nicht hilft, sucht Amar Halt bei Bahrija (Ermin Bravo), einem streng gläubigen Wahhabiten in einer Moschee. Amar hört mit dem Trinken auf und verändert sich und seine Lebensweise unter dessen Einfluss. Er symbolisiert im Laufe des Films den Inbegriff der traditionellen, konservativen Denkweise. Im Gegensatz zu Luna, die ihre einst gemeinsame und nun “sündhafte”, liberale, tolerante Lebensart – ohnmächtig Amar zu akzeptieren und zu verstehen – verteidigt.
Zuvor mokierten sich beide über Burka tragenden Frauen und enthaltsame Männer. Nun weckt Unverständnis für den Anderen Streit und Zurückweisung. Die Frage nach der Entscheidung, sich oder seinen Lebensstil für einen geliebten Menschen aufzugeben, rückt ins Zentrum des Films, während genaue religiöse Fakten in den Schatten fallen.

“Komm zu mir zurück.” – “Komm du zu mir zurück!”
Durch die Veränderung Amars und den Widerstand Lunas wird es für den ohnmächtigen Zuschauer immer trauriger, der zerbröselnden Liebe beizuwohnen. Akzeptanz von Veränderungen und die individuelle Verantwortung sind nicht nur ein Fazit aus der Beziehung der jungen Bosnier, sondern auch ein subtiler Appell an junge Muslima, schlussendlich sich nicht einfach hörig den Regeln der Religion zu beugen.

Folkloristische, sich ausrollende Stickerei-Ornamente erinnern an Gameboy-Nostalgie, welche Dimitrij Malikov wunderbar mit ruhigen Klavierklängen untermalt. Während zu Beginn ein Hahn kräht, tickt am Ende im Abspann eine alte Standuhr in der selben Monotonie wie Petrovas Erzählrhythmus. Ein Gefühl von Vergänglichkeit wird durch dieses traurige, immer währende Ticken vermittelt, denn auch nach 78 Jahren läuft das Leben weiter: in der aufstrebenden Urenkelin Olga.

“Lebt wohl meine lieben. Es ist Zeit, einen Strich zu ziehen.”

Unsere Seminar-Redaktion: ein Haufen kreativer, kinoliebender und koffeinierter Köpfe, die sich seit dem ersten Mai 2010 das filmkunstfest und die Produktion von filmab! als Zentrum ihrer Existenz vorgeknöpft haben.

Und wie das aussehen soll? Vom filmab!-Neuling bis zum alten Hasen arbeiten die 14 Jugendlichen aus MV zwischen 14 und 24 Jahren 24/7 an den fünf Ausgaben der filmab!. Im Komplex haben sie sich wie die Lemminge auf Koffein eingenistet und der Redaktionsraum sieht nach dem dritten Seminartag so chaotisch aus, dass er jedes Sofa der Hempels bedingungslos in den Schatten stellt: umherflatternde Notizblätter, Tastaturen werden gequält, Laptops an ihre technischen Grenzen gereizt, der Kaffeemaschine wurde der Urlaub gekündigt, DVDs stapeln sich neben Festivalkatalogen und Jounalismushandbüchern.

Unübersehbar mahnt der NonplusultraGrusel aller gestressten Karla Kolumnas: TickTack – die Deadlines: Texte 22:00 Uhr, Layout 3:00 Uhr nachts. TickTack.

Die Chefredaktion redigiert fleißig die ersten Rezensionen, das Layouterteam trat bereits am Montag den Kampf an der F(r)ont an, und die wortjonglierenden Redakteure versuchen mit Kuli und Notizblock bewaffnet das filmkunstfest in all seinen Facetten einzufangen.

Und was kann DER Filmkunstfestbesucher von der filmab! erwarten?

Haufenweise Interviews, Kommentare, Rezensionen, Konzert- und Ausstellungsberichte und Hintergrundinfos, lassen den “Filmabbern” die Köpfe rauchen.

Wer den Weg vom Film zur Rezension, über Korrektur, ans Layout und in die Hände und Köpfe der filmkunstfest-Besucher verfolgen will, kann auf dem Blog www.filmab.jmmv.de alle Beträge, Tweets, Podcasts, Bilder und Videos verfolgen. Auch dieses Jahr ist eine Online-Webcam im Redaktionsraum alle 15 Sekunden am Werk – DAS Tor zum chaotischen Redaktionsalltag und DIE Daily Soap live aus der Pfaffenstraße.

Wir hoffen auf einen gelungenen Auftakt, begeisterte Leser, auf Kommentare, Feedback, Anregungen und Kritik.

Angelockt von einem TM-Seminar David Lynchs im tiefsten Iowa, gelangt der Regisseur, Autor und Darsteller Sieveking immer weiter in die verborgenen Geheimnisse der sektenähnlichen Organisation. Versprochene Unbesiegbarkeit, Weltfrieden, Gesundheit, Brüderlichkeit, Erleuchtung, der Himmel auf Erden. Die transzendenten Grenzen zwischen eiskalter Realität, Wahrheit und spiritueller Besessenheit, Sucht und Hörigkeit, die nur all zu oft TM-Anhänger in den finanziellen und psychischen Ruin trieben, verschwimmen auf Davids Reise auf der Suche nach Antworten immer mehr.

Der Himmel auf Erden?

Nach einem Jahr extremer Nonstop-Meditation muss Sieveking schließlich resigniert feststellen: „Ich stehe vor einem Trümmerhaufen. Ich verlor meine Freundin, den Respekt meines Idols und die TM-Oberhäupter und Anwälte David Lynchs drohen mir wegen meinem „ketzerischen“, „verleumdenden“ Film mit einer Klage. Beim Meditieren fühle ich mich unglaublich vereint – aber danach sitz ich trotzdem allein in meiner Bude.“

Er trifft Abtrünnige, unterhält sich mit Gurus und Mönchen, die ihn über die Weltherrschaftsmasche der TM aufklären, denn: „Guru sein heißt teilen, nicht verkaufen.“ Ein kompletter Gegensatz zu dem kapitalistischen System, mit welchem die Transzendente Meditation versucht, die “Gläubigen” auszubeuten. Und langsam fragt sich David: Ist das der Himmel auf Erden? „Yogische Flieger“, die Deutschland unbesiegbar machen sollen? Woher kommen diese Ideen? Wer steckt dahinter? Was hab ich mir nur eingebrockt?

Tiefe, dunkle Abgründe

Die musikalische Untermalung von Karl Stirner lässt „David wants to fly“ einen wunderbar stimmigen Klangrahmen gewinnen. Durch die Kameraführung und eindrucksvollen Bilder von Adrian Stähli badet der Zuschauer auf der Beerdigung von Marashi in dessen Asche, drängelt sich durch die Marktgassen Indiens, erklimmt den Himalaya, läuft durch das riesige New York und sitzt mit David beim Kaffee in der Küche seines ranzigen Appartements in Berlin.

Der ideologisch anmaßende Ton der Transzendenten Meditation – erfüllt von Ausbeutung, Gehirnwäsche, Geschäft, Machtkampf und Lug und Trug – lässt ein deutlich größer als vermutetes Netzwerk hinter den Rajas, Maharajas, Predigern und Gurus erahnen. Die unfassbaren, schockierenden Geheimnisse hinter TM werden von Sieveking mit Pragmatismus und einer durchdringenden Skepsis aufgedeckt. Die zuvor unschuldig und unwissend dreinblickenden Kulleraugen verwandeln sich während Davids Plot- und Persönlichkeitsentwicklung in tiefe, dunkle Abgründe.

Spätestens dann wird nicht nur David klar: Jede 99-Cent-Lampe von Ikea scheint sinnvoller als jegliche spirituelle Erleuchtung durch eine bedeutungsschwangere Sektenspaßgesellschaft mit dem kreativen Namen “Transzendente Meditation”.

Anfangs mit einigen Schwierigkeiten, das mager besiedelte Publikum zu begeistern, rissen Regatta 69 in der zweiten Hälfte ihres Sets jeden einzelnen Zuschauer mit. Der Club füllte sich mit der Zeit, die Musik wurde schneller, härter, lauter – und überzeugte selbst Nicht-Ska-Fans mit ihrem einladenen Offbeat, das Tanzbein zu schwingen. Mit einer Mischung aus Coverversionen von Bob Marley und Blondie sowie groovig-funkigen neuen und alten Stücken aus ihrem Songrepertoire bildeten Regatta 69 genau das, was sich ein jeder am Freitagabend in einem Club vorstellen mag: tanzbare, mitreißende Songs.

„Eigentlich bin ich vier. Da wären Hans Tomato, Hans Narva, Torsten Müller-Fornah und Lothar – wer das so wirklich ist, weiß ich auch nicht so genau.“ So fängt Hans an, sich und seine Identität irgendwie zu erklären. Selbst, wenn er sich auf einiges selbst keinen Reim machen kann. Bassist bei The Hidden Sea, Herbst In Peking, Hands Up Exitement, Jens Friebe, The Crank-up Collective und The Inchtaboktables; Nostalgiker, Lebenskünstler, Kapitalismus-Verweigerer und Berliner Urgestein Hans erklärt in „Hans im Glück“ sein Leben, seine Musik und den Drang aus Regeln und Vorschriften auszubrechen. „Widerstand gegen jede Art von Autorität“ bezeichnet er sein Verhalten, andere dagegen als „infantile Verweigerung“. Und das alles auf einem Streifzug durch seine Heimatstadt Berlin an all die wichtigen Orte seiner Vergangenheit. Der Film zeigt Therapiesitzungen, Besuche bei Familie und Freunden, Bandproben, Konzerte und Gerichtsverhandlungen.

Das Dokuportrait von Claudia Lehmann (Regie und Drehbuch) beschreibt Hans auf dem sicheren Wege in den Knast. Ein Troublemaker wie er im Buche steht: Erste Kontakte mit dem DDR-Kittchen konnte der mit Musikweisheiten um sich schmeißende Hans schon im zarten Alter von 15 Jahren erfahren. Sein Leben, vom ständigen Scheitern – sei es persönlich oder beruflich – geprägt, erzählt Hans gelassen und leicht, als wären alle seine Erinnerungen in Watte gehüllt. Der Individualist auf der Suche nach Idealen und Werten, schwimmt zwischen Verzweiflung und überraschender Leichtigkeit. Im Film wird deutlich, wie er jetzt, mit 40 Jahren, beginnt, sich über die Mechanismen und Hintergründe seines ständigen Aneckens Gedanken zu machen. „Du musst dein Leben verändern.“ rät sein Freund und Bandkollege Rex Joswig.

Einblicke in das Musikergemüt des 40-Jährigen freiheitsliebenden Hans werden in der 60-Minuten Dokumentation so preisgegeben, als stünde man direkt daneben. Die goldenen Lebensweisheiten von dem Typ, der sich als „vier“ sieht und gleichzeitig meint „ich bin immer noch wie 16 und habe mich wohl um keine Gehirnwindung weiterentwickelt.“ Interessant, genau wie seine Beschreibung der Musik in der DDR und seinem Leben. Eben ein echter Rock ’n’ Roll Guy.

Wie soll ich denn sein, damit du mich liebst? Was muss ich tun, um dir zu gefallen? Wer solche Fragen in einer Beziehung stellt, muss entweder hirntot sein, total verzweifelt, oder aber das Selbstbewusstsein eines überfahrenen Eichhörnchens besitzen.

Die Beziehung von Gitti (Birgit Minichmayr) und Chris (Lars Eidinger) erscheint schon von Anfang an aussichtslos. Während das Paar den Sommer auf Sardinien verbringt, dominieren Differenzen und lautstarke Argumentationen ihren Alltag. In der Villa von Chris’ Eltern verbringen sie Tag und Nacht damit, zu viel zu reden und sich schrecklich auf die Nerven zu gehen. Beide vom anderen müde und genervt, fragen sich, wieso sie nicht wie alle anderen Pärchen sein können. Nur jeder fragt sich eben auf seine eigene Weise.

Gitti versucht krampfhaft ihrem Freund Chris zu gefallen. Sie kopiert das Verhalten befreundeter Pärchen, wirft ihre Garderobe über den Haufen, versucht sogar so krampfhaft ihren Charakter zu ändern, dass sie selbst daran zerbricht. Für den anscheinend deutlich reiferen Chris sind Gittis Bemühungen einfach nur lächerlich und peinlich. Denn sie würde wirklich ALLES für Chris tun. Nur ihren Sprung aus dem Fenster, mit der Dramaturgie und Tiefgründigkeit einer Bordsteinkantenpfütze, hat er leider nicht mitbekommen.

Vielleicht hätte es ihnen irgendjemand, völlig egal wer, vorher sagen sollen: Die passen einfach nicht zusammen. Für diejenigen, die die perverse Eigenschaft besitzen, es zu genießen, hysterischen Mittdreißigern beim Geschlechterkampf beizuwohnen, ist „Alle Anderen“ genau richtig. Andererseits ist der Film eine wundervolle Abschreckung für die harmonieüberstrapazierenden Pärchen, die Tag und Nacht mit ihrem Sweetheart zusammenhocken. So gesehen kann man aus dem auf den ersten Blick recht sinnfreien Film noch eine Lehre ziehen, denn so eine kindische Hass-Liebe zwischen Gitti und Chris will niemand führen. Denn das ist nicht mehr Harry und Sally oder Nick und Norah, sondern einfach nur eine Horrorbeziehung à la Kurt und Courtney oder Sid und Nancy.

Von Weitem beobachtet Henning, wie sein Opa eine alte Sorbin, die das Dorf nicht verlassen will, vom Selbstmord abhalten kann. Henning hinterläßt seinem Opa die Nachricht „Ich komme wieder“ und pflanzt mit der schwerverliebten Dixie, die ihm aus seinem Heimatdorf nachgefahren ist, am Rand der Abrisszone Apfelbäume.

“Abschiedsdisco” hat durch den indirekten Hinweis auf das DDR-Tabuthema Umweltschutz eine langwierige Entstehungsgeschichte hinter sich. Nach zahlreichen Drehbuchzurückweisungen schaffte es der Film 1990 erstmals in die Kinos. Der nun schon sehr veraltete DEFA-Film entspricht möglicherweise nicht dem Geschmack eines heutigen jungen Publikums, gibt aber ohne Frage den Zeitgeist früherer Generationen wieder.

Seine Identität verlor der in Wien geborene Brother Theodore erstmals während des Zweiten Weltkrieges. Sohn einer wohlhabenden jüdischen Verlegerfamilie, verkehrte der Playboy Theodore in den angesagtesten Kreisen Berlins. Doch Spaß und Vergnügen sind nach kurzer Zeit für ihn passé: Er ist einer der ersten deportierten Juden im Konzentrationslager Dachau. Als einziger Überlebender seiner gesamten Familie wandert der einst wohlbetuchte Lebemann mit nichts als seinem Namen nach New York aus. Beginnend als Hausmeister in Stanford, endend als Stammgast bei David Letterman. Trotz ewiger Schuldgefühle ist das Gemüt von Theodore Gottlieb über die Jahre noch exzentrischer geworden. „Eigentlich gehöre ich in eine Zwangsjacke.“, scherzte er selbst in einem Interview. Erfahrungen und Ängste verarbeitete der Entertainer jahrzehntelang in Theaterauftritten, die er selbst als „One-Man-Stand-up Tragedy“ bezeichnete.

Das widersprüchliche Wesen Theodores lässt sich einfach erkennen: beispielsweise seine Liebe zum Schachspiel. Sozusagen ein JA zu Kontrolle, Macht und Krieg im Wohnzimmer. Regisseur Jeff Sumerel erklärt es so: „Das Spiel war gleichzeitig ein Art Erlösung und Befreiung für Brother Theodore. ER hatte im Spiel die Kontrolle über die Zukunft seiner Figuren, kein Staatsorgan.“

To my great Chagrin beschreibt die außergewöhnliche Geschichte eines KZ-Überlebenden von einer ganz anderen Seite: Die des exzentrischen Künstlers, der er geschafft hat, 6 Millionen Larry-King-Zuschauer gleichzeitig zum Lachen und Nachdenken zu bringen. Die gekonnte Reflektion der Tiefen seines äußerst verrückten Ichs. Woody Allen hatte Recht.

Es war der Bruch eines jahrzehntelangen Schweigens: Erstmals beschrieb der Journalist und Radiomoderator Knut Elstermann 2005 das Schicksal seiner Tante Gerda Schrage in dem Buch „Gerdas Schweigen“. Der auf der Biografie beruhende, gleichnamige Film von Britta Wauer gibt nun

durch eingebundene Gespräche mit Zeitzeugen, Freunden, Verwandten, Elstermann und Gerda selbst – umrahmt von historischem Material, Fotos und Videos – dem Zuschauer ein umfassendes Zeitverständnis über das Schicksal der Holocaustüberlebenden.
Nachdem die junge Jüdin Gerda 1944 in das Konzentrationslager nach Ausschwitz deportiert wurde, bemerkt sie, dass ihre Affäre mit einem ungarischen Pelzhändler mehr Konsequenzen als erwartet davon trug: Sie ist schwanger. Die Geburt des Mädchens wurde von den KZ-Ärzten akzeptiert, das Ernähren des Kindes aber nicht. So war Gerda also gezwungen, das kleine Mädchen, das sie schon auf den Namen Sylvia getauft hatte, hilflos verhungern zu lassen. Ein Erlebnis, das sie für immer traumatisierte.
Nach der Auflösung des KZ gelang ihr die Flucht nach Berlin. Von dort konnte die junge Frau nach New York zu ihrer Schwester emigrieren, wo sie ihren zukünftigen Ehemann Sam Schrage kennenlernte. Ihm und dem gemeinsamen Sohn Steven verschwieg sie ihre einschneidenden Erlebnisse aus Ausschwitz. Ein dunkler Schleier des Vergessens und des Schweigens breitete sich über Gerdas Leben aus.
Neben den biografischen Aspekten reflektiert die filmische Adaption auch die Konsequenzen der Veröffentlichung von Elstermanns Buch. Beispielsweise den sich dadurch entwickelnden Konflikt zwischen Gerda und Steven. Denn auch die Scham um die Tatsache, dass sie ein Kind von einem verheirateten Mann bekam, ließ Gerda ihre eigene Vergangenheit verdrängen. „Gerdas Schweigen“ berichtet nicht nur vom dramatischen Schicksal eines Holocaustopfers, sondern stellt indirekt auch die Frage nach der Notwendigkeit des Erinnerns und Vergessens.

Mitten in Ankara prallen drei Schicksale iranisch-kurdischer Flüchtlinge ungewollt aufeinander, die unterschiedlicher nicht sein könnten: Da ist der verzweifelte Familienvater Hassan, der seinem kleinen Sohn Kian und seiner Frau Lale die Flucht in ein besseres Leben verspricht; die Freunde Ali und Merdad, die versuchen Merdads Nichte Azy und deren Bruder Arman nach Österreich zu ihren Eltern zu schmuggeln; und schließlich das ungleich komische Freundespaar Manu und Abbas, die ihre Träume eines gesicherten Lebens verwirklichen wollen. So verschieden sie auch sein mögen, sie alle haben dasselbe Ziel vor Augen: Freiheit – und die Flucht aus einem Leben in ständiger Angst und Repression. Das Streben nach dem sorgenlosen Leben ist jedoch bei allen verbunden mit Aufopferung, Ungewissheit, Enttäuschung und Treue. Treue, den politischen Idealen zu folgen, Familien zu beschützen und der eigenen Identität gegenüber. Alle möglichen Menschentypen deckte Regisseur Arash A. Riahi mit seiner Figurenkonstellation ab. „Ich wollte, dass jede Situation abgedeckt wird: erfolgreiche Flüchtlinge, die den Sprung in ein neues Leben schaffen und scheiternde.“, so Riahi in einem Interview. Sein Spielfilmdebüt beruht auf sechs Jahren profundierter Drehbucharbeiten, inklusive Recherchebesuchen im Iran, zahlreicher Flüchtlingsinterviews und autobiografischen Elementen. Das bewegende Gesellschaftsdrama zeigt nicht mit dem erhobenen Zeigefinger auf die politische Lage im Nahen Osten, sondern ermöglicht eine Sichtweise aus der persönliche Situation eines Flüchtlings – ob Kind oder Greis. Die Willkür der türkischen Behörden und die Brutalität durch den iranischen Geheimdienst bringen die Flüchtlingsgruppen auch in Ankara nicht dazu, ihre Hoffnung und ihre persönlichen Werte aufzugeben. Denn wie Manus politisch aktiver Freund Abbas nach der willkürlichen Prügelattacke nationalistischer Türken betont: „Lieber das Leben verlieren als die eigene Würde und Identität.“

Eindringlich, berührend und vor allem authentisch erzählt Riahi die Geschichte von heimatlosen Überlebenskünstlern, gefangen zwischen Hoffnung und Angst, Willkür und Unverständnis, Heimat und Zukunft. „Ein Augenblick Freiheit“ dürfte als Reaktion und Kommentar auf die politische Situation im heutigen Europa alle Vorurteile gegenüber Flüchtlingen liquidieren. Ein erzählerische Glanzleistung, die ein universelles Ideal der menschenlichen Natur verdeutlicht: Den Wunsch nach der Freiheit und dem Mut, seinen Träumen eine Chance zu geben.

Der Anti-Kriegsfilm von Joachim Goldhopf und Evi Goldbrunner demonstriert die Auswirkungen des Krieges auf direkte Weise, fügt sich aber leider nur allzu leicht in das Schema von dutzend weiteren dieser Kategorie.

Andrew (Zach Braff): ein sensibler, ruhiger Einzelgänger. Auf den ersten Blick gefühlsdepriviert. Jahrelang ruhig gestellt mit Psychopharmaka. Verlorene Blicke, apathe Gedanken. Monoton wie seine Tapete.

Nach neun Jahren muss Andrew zurück an den Ort, an dem für ihn das Wort ‘Heimat’ seine Bedeutung verlor: New Jersey. Doch genau dort findet Andrew, Kellner in einem asiatischen Restaurant in L.A., das Ying zu seinem Yang: die skurrile und liebenswerte Sam (Natalie Portman) – und eine notorische Lügnerin. Ihre Familie, die so gut in das Vorstadtidyll von New Jersey passt wie die Addams Family nach O.C. California, hat wie Andrews Familie ein totes Familienmitglied zu beklagen. Doch während sie den geliebten Hamster Joey zu Grabe tragen müssen, ist der Grund für Andrews plötzliche Rückkehr an den Ort seiner scheinbar gefühlslosen Vergangenheit das Ableben seiner Mutter.

Die Liebesgeschichte, die sich zwischen dem permanent gefühlsarmen Andrew und der impulsiven Sam entwickelt, überzeugt, weil sie nicht das typische Hollywood-Liebesschnulzen-Schema durchläuft, sondern durch gewitzte Konversationen ihre eigenen detailverliebten Macken zum Vorschein kommen lässt. Während Andrew in New Jersey erstmals aus seiner Lethargie erwacht, verändert sich sein Leben in vier Tagen komplett durch sein neues Antidepressiva: die Glückspille Sam.

Zach Braff, bekannt aus der Fernsehserie ‘Scrubs – Die Anfänger’, verwirklicht sich in Garden State erstmals als Regisseur, Drehbuchautor und Hauptdarsteller. Der Soundtrack, der den Grammy Award erhielt, ist eine Compilation von Zach Braffs persönlichen Lieblings-Indiehits mit The Shins, Nick Drake und Frou Frou und untermalt die spezielle Atmosphäre, besonders auf Andrews Reise mit Sam zu einem Ort namens Heimat, den er längst vergessen zu haben schien.

Die 17-jährige Dakota ist zu müde, ihrer einschläfernden, alltäglichen Situation ein Ende zu setzen. Diese besteht nur noch aus dem ständig lügenden Freund Kevin, der permanent verreisten Mutter und ihren zukunftsängstlichen Highschoolfreunden. Erstmals ins Grübeln über ihr junges Leben kommt sie nach

der Begegnung mit Noah, dem besten Freund ihres Noch-Boyfriends Kevin. Das Spannende an Noah ist die Tatsache, dass seit ihrer ersten Begegnung nicht eine einzige flüchtige Lüge über seine Lippen kam – in Dakotas Welt ein Phänomen.

Sie besitzt außergewöhnliche Fähigkeiten. Ihre Superkraft beruht auf einer Art von Fluch – der Wahrheit. Sie kann weder fliegen, noch sich unsichtbar machen oder durch Wände schauen. Na ja, fast: Die Mauern des menschlichen Verstandes weiß Dakota zu umgehen: durch ihre Fähigkeit, Lügen sofort zu erkennen. Warum, kann sie sich nicht erklären. Eins weiß sie aber gewiss: Von einer radioaktiven Spinne wurde sie nicht gebissen.

Das pubertierende Mädchen ist genervt von den Lügen ihres Alltags, denn die Wahrheit will sie meist gar nicht so genau wissen. Den einzigen Ausweg stellt der vertrauenswürdige Noah dar, welcher sich Hals über Kopf in die schöne Dakota verliebt. Diese verzwickte Situation stellt jedoch nicht die typische a-boy-loves-a-girl Story dar sondern gewährt Einblicke in solch reife, komplexe Gedanken einer 17-Jährigen, die man beinahe nicht einmal einer erwachsenen Frau zugetraut hätte.

Zusammen mit Noah lernt Dakota erstmals, der Welt der Lügen zu entfliehn und eine Ehrlichkeit zu spüren, von der sie vorher nur träumen konnte. Sie bemerkt, wie befreiend es sein kann, sich kopfüber ins Leben zu stürzen, nach vorne zu schauen und Entscheidungen zu wagen.

Aus ihrem gemeinsamen Traum müssen Noah und Dakota jedoch bald erwachen. Die Realität klopft an die Tür. Ob die beiden die Tür öffnen, ist eine andere Frage.

Die bittersüße Geschichte von Liebe, Selbstfindung und der Suche nach Wahrheit erzählt märchenhaft vom Leben eines jungen Mädchens, das erstmals seine Träume von wahrem Vertrauen in Realität erleben darf.

Marco, du kommst aus Greifswald und bist Aktiver beim JMMV, der auch das filmab! Seminar organisiert. Was treibst du sonst und was machst du in Schwerin?

Ich habe gerade meinen Zivildienst im Uniklinikum Greifswald abgeschlossen und bin gerade in Schwerin um mit der Begleitzeitschrift filmab! um das filmkunstfest kreativ mitzugestalten.

Und was steht danach auf deiner Tagesordnung?

Also, erstmal muss ich die filmab! lebendig überstehen. Beim JMMV gehöre ich wie schon erwähnt zu den Aktiven. Ich bin im Vorstand und kümmere mich um Projektmanagement um mit anderen ehrenamtlichen Jugendlichen Seminare zu organisieren und sozusagen eine Interessenvertretung junger Medienmacher in MV darzustellen. Kameramann zu studieren wäre das Nonplusultra was meine Zukunftspläne betrifft. Dafür versuche ich so viele Praktikumsstunden wie möglich zu absolvieren. Meine Erfahrungen konnte ich dafür schon beim GTV und Moritz TV in Greifswald sammeln.

Nebenbei hast du aber auch schon bei Workshops referiert?

Ja, bei Moritz TV habe ich schon Workshops zu Layout, Foto und Videokamera veranstaltet und als Redakteur unter anderem beim Webmoritz mitgearbeitet.

Fotografie gehört also neben Videokameraführung auch zu deinen Interessen?

Klar, für Fotografie interessiere ich mich ebenso. Für Bands aus meiner Heimatstadt Greifswald mache ich zum Beispiel Bandphotos oder konzentriere mich auf Konzertfotografie. Fotocommunity oder Jugendfotos sind zwei Beispiele für Internetfotoplattformen, bei denen ich aktiv bin.

Hast du hier in Schwerin beim Filmkunstfest schon besondere Highlights entdeckt, die du dir gerne genauer ansehen würdest?

Ich möchte mir auf jeden Fall Garden State von Zach Braff anschaun. Spannend ist auch, dass Michael Ballhaus dieser Tage hier ist.

Du selbst als angehender Kameramann hast sicher auch schon eigene Ideen oder Projekte für einen Kurzfilm!?

Ja, zusammen mit einem Freund habe ich einige Ideen, die wir gern als Team umsetzen würden.

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