Und Außerdem noch ein kleiner Zusammenschnitt von ein paar Aufnahmen die nebenbei entstanden sind.

An dieser Stelle nochmal unsere besonderen Glückwünsche an das Filmteam von Renn wenn du kannst und natürlich an Jacob Matschenz.

Eine anstrengende, nervenzerrende aber auch spannende und fabelhafte Woche liegt hinter uns. Wie immer wurde wenig geschlafen und viel Kaffee getrunken. Wieder konnte man nach einigen Tagen die ganzen Leute nicht mehr sehen und will einfach nur noch weg. Raus. Aber am Schluss blicken wir auf eine tolle filmab! mit fünf grandiosen Ausgaben zurück. Wir können stolz auf uns sein. Es waren großartige Texte dabei. Sophies Rezension über Das weiße Band wurde von Franz Müller (Regisseur von Die Liebe der Kinder) , Torsten Jahn (Geschäftsführer der FilmLand M-V gGmbH) und ganz ganz vielen anderen gelobt. So jung, so viel Mut und noch mehr Wortgewandtheit.

Aber auch das allgemeine Miteinander war trotz stressiger Situationen immer toll. Es wurde geholfen, wo es nötig war und niemand stand mit einem Problem allein da. Unsere Gruppe hat sich gut organisiert und aufgeteilt, sodass die filmab! vielleicht nicht immer pünktlich fertig war, jedoch nie zu spät an den Festivalstätten auslag.

Wir konnten uns in diesem Jahr über ein sehr vielfältiges Feedback freuen. Ob nun von den Organisatoren des filmkunstfestes, den Schauspielern und Filmemachern oder von Zuschauern, die uns nach einigen Tagen sogar auf der Straße erkannten und ansprachen. Die Ausgaben waren (vor allem im Capitol) schnell vergriffen und wurden aufmerksam an jeder Ecke gelesen. Wir haben uns nach außen hin sehr gut präsentiert, sind bekannter geworden und werden dies hoffentlich im nächsten Jahr weiterführen können, indem wir auch mal vorn auf der Bühne des Capitol 1 stehen, um uns vorzustellen. Wir müssen uns nicht kleiner machen als wir sind. Die Leute mögen, respektieren und fürchten unsere Kritiken – immerhin sind wir die mit den Luftballons.

Ich würde mich freuen, die Redaktionsgesichter wiedersehen zu können, damit es auch 2011 wieder heißt: filmab!
In diesem Sinne: Gute Nacht!

Gil Gatch und Sidney Helou lieben einander und Jesus. Beide offensichtlich konservativ eingestellt, haben sie entschieden: Kein Sex vor der Ehe, und auch sonst nichts in der Art. In der Dokumentation Divorcing God betreten sie das Podest zum Hochzeitsschwur in ihrer baptistischen Gemeinde. Kommentar von Anna zum Hochzeitskuss: “Ist ja niedlich, wie die sich auffressen.”
Die konservative Einstellung zu Liebe und Ehe macht Sidney schnell klar: “Die Ehe hält zusammen, weil wir sie begangen und entschieden haben, wirklich uns selbst für den anderen aufzuopfern.” Gut, dass die Ehe trotzdem so lange gehalten hat. Drei Monate später bekommt Gil eine E-Mail von seiner Geliebten, in der sie ihm die Trennung verkündet. Ohne Grund. Fortan sucht er Schulter und Rat bei seinem Pastor, der in seinen Jugendmessen in psychedelischer, Doors-ähnlicher Konzertstimmung zum Beten zu Gott mitreißt. Gil zerfließt vor Sehnsucht und zeigt vor der Kamera seine wunden Punkte. Der Zuschauer fühlt mit und beginnt Antipathien für diese komische Sidney zu entwickeln und freut sich, als Gil nach sechs Monaten endlich wieder Freiheit verspürt.

Divorcing God gibt Hoffnung für hoffnungslose Fälle und einen Einblick in streng konservative christliche Meinungen, die gut zum Schmunzeln bringen. Nur die Tiefgründigkeit und der ernste Anstrich des Streifens werden von der Propaganda am Ende des Abspanns so ins Lächerliche gezogen, dass wir doch noch lachen konnten: “Did this film speak to you? Become our Facebook-Fan!”

Die Schweriner Tonstudioassistentin Wiebke ist vom Starrummel angetan. „Das Festival ist sehr publikumsnah. Doch mehr Marketing außerhalb von MV, über die Grenzen hinaus hätte dem sehr gut getan“, so die 26-Jährige.
Dem Theaterschauspieler Klaus sagten besonders die Retroperspektive und einzelne Wettbewerbsbeiträge besonders zu. „Aber Verbessern kann man immer! Das Zeppelin ist meiner Meinung nach für den Filmtalk viel zu klein.“ Einen Wunsch würde sich der 54-Jährige gerne einmal auf dem filmkunstfest erfüllen: „Spielberg in Schwerin wär doch mal ein Fortschritt“, witzelt er.

Die ehemalige Capitol-Angestellte Sophie (17) wünscht sich mehr Zusammenarbeit mit Schulklassen. „Es wird sehr gut angenommen, man kann unverfänglich mit den Filmteams ins Gespräch kommen. Lustig auch, was es alles für komische Leute beim Film gibt. Hätte ich nie gedacht.“ Dennoch wünscht sich die Abiturientin, um alle Filme schauen zu können, ein paar Tage filmkunstfest mehr. Ob das vielleicht in den kommenden Jahren machbar sein wird? Eine schöne Zukunftsvision. Auch Ayla-Darstellerin Pegah Ferydoni wäre ein bisschen mehr Zeit und ein bisschen weniger Stress ganz lieb: „Es war sehr rührend, live zu sehen, wie die Zuschauer auf unseren Film reagiert haben. Die positive Resonanz ist uns allen sehr wichtig. Die Mischung aus deutschem jungen Kino und Weltkino ist sehr ansprechend. Es passt alles super!“

Doch was sagt die filmab!-Redaktion zur Publikumsnähe? „Die bunte Mischung aus “High Society” und Zuschauern und die lockere, gesellige Atmosphäre haben mir sehr imponiert.”, so Patrick Schmitz. Trotz der unterschiedlichen Auffassungen freut sich die Redaktion auf weitere filmkunstfeste, die ihren ganz eigenen Charme hoffentlich nie verlieren werden. Denn wir wollen auch in den kommenden Jahren genau das tun, was wir am besten können: beobachten, zerreißen, preisen und den filmkunstfest-Besucher auf das Schlimmste und Beste gefasst machen.

Scheidungskind Sebastian führt seine Freundin Nora durch die Wohnung seines Vaters, dem arbeitslosen, ungelernten „Sicherheitsexperten“, während dieser, statt wie erwartet zur Begrüßung den Kaffeetisch gedeckt zu haben, betrunken die Toilette besetzt. Im Vermeiden von Konfliktsituationen ist der selbsternannte Securitymann geübt. Seine Arbeitslosigkeit zum Beispiel hielt er seiner Exfrau gegenüber zunächst geheim. In Bezug auf seine Misserfolge bei der Arbeitssuche, die er seinem Sohn vorenthält, sieht es nicht anders aus. Er baut sich selbst Illusionen auf und zerbricht daran.

Im Grunde bleibt alles wie zuvor
In Netto von Robert Thalheim treffen interessante, da vielschichtige Charaktere auf eine „ganz nette“ Geschichte, der leider der „aha“-Effekt fehlt. Einerseits ist es wirklich spannend, die Entwicklung von Marcel, Sebastians Vater, mitzuerleben, andererseits wünscht man sich die Dialoge irgendwie packender. Diese sind zwar recht lebensnah und lassen den Film zeitweise sogar wie eine Dokumentation wirken, könnten dennoch etwas mehr Würze vertragen. Schade ist auch, dass das Ende einen Lösungsvorschlag für die Probleme Marcels darstellen möchte, es aber nicht wirklich tut. Es fehlt ihm der gewisse Reiz eines offenen Endes.

Gömböc reiht sich in die Serie der Filme ein, die in Mecklenburg-Vorpommern gedreht wurden. Die Wahl des Drehortes begründet die Regisseurin damit, dass sie dort aufgewachsen sei. „Die Geschichte mit dem Kuhkopf kenne ich von meiner Oma. Das gibt es auch heute noch, auch wenn darüber nicht geredet wird.“

Das Leben geht weiter!

Im Zentrum des Dorfkosmos, den der Film aufzeichnet, stehen vier Personen. Ihr soziales Umfeld ist alles andere als rosig. „Dennoch stehen sie nach jedem Schicksalsschlag wieder auf. Dafür bewundere sie diese Menschen.“, sagt Vahl. Das klingt heroischer als es sich im Film darstellt. So wirkt der schmächtige Paul, der von seiner Mutter lieber Darth Vader genannt werden möchte, eher so, als ob er sich lieber aus seinem tristen Leben fortwünschen würde. Wirklich glücklich erscheint niemand in diesem Film. „Das Landleben ist insgesamt rauer. Tod und Leben liegen dichter beieinander.“, kommentiert Vahl diesen Umstand. Obwohl sie die Alltäglichkeit der Handlung betont, hinterlässt der Film einen befremdlichen Eindruck. Ein Kurzfilm, der einem das Herz erwärmt, ist Gömböc nicht. Was bleibt ist Trostlosigkeit. Nichtsdestotrotz sei das Ende des Films nicht tragisch zu sehen, so Vahl. „Alle sind zusammen. Das Leben geht weiter und das ist doch positiv.“

Dieser Erfolg kommt jedoch nicht von ungefähr. Verantwortlich dafür ist Dietmar Hopp, ehemaliger Jugendspieler im TSG und Mitbegründer von SAP, dem größten europäischen Softwarehersteller, und damit einer der reichsten Männer Deutschlands. Seit 1990 steckte er sein Geld in den Verein. Nach dem Aufstieg in die Zweite Bundesliga war der Verein aus dem 3000-Seelen-Dorf Hoffenheim in der Lage, 20 Millionen Euro in neue Spieler zu stecken. Ganz nebenbei: Das ist mehr Geld als alle anderen Zweitliga-Vereine zusammen in einer Saison investierten.

Aber solch eine Erfolgsgeschichte hat auch ihre Kehrseite. Im Kontrast zum Aufstieg des Vereins zeigt die Doku auch den Abstieg von „Torro“, dem Vorsitzenden des einstmals ersten Fanclubs. Mittlerweile hat der Verein über hundert Fanclubs. Zusammen mit der Vereinstradition verschwindet auch der Platz für „Torro“ in der neuen Welt des TSG.
Viele Aussagen der einheimischen Hoffenheim-Fans und die Ausschnitte von Heimspielen lassen den Zuschauer Teil der drastischen Aufstiegsstory werden. Sehr gelungen ist auch die Darstellung der Kritik an der Figur Dietmar Hopps durch Stimmungen in gegnerischen Fanblocks. „Hasta La Vista Hopp“ und „Dietmar hat’s bezahlt“ sind dabei noch die freundlichsten Aussagen.

Eine gelungen Dokumentation, die inhaltlich zum Teil auch an „Manchester: Wir sind United“ erinnert, wobei Hoffenheim zumindest momentan noch nicht so ein Prestigeobjekt des Geldgebers ist wie der Club aus der Premiere League.

Barockes Gehabe
Den thematischen Rahmen der Aufführung bildete die frühbarocke Musik und Lyrik. Der Geist von damals sollte laut Choreografin Antje Reinhold tänzerisch umgesetzt werden. Nicht zuletzt wegen des Ensembles „Musica Instrumentalis“, das die schwerblütigen Kompositionen hingebungsvoll intonierte, und der leidenschaftlich vorgetragenen französischen Sonette Luise Labés war die Darbietung von einer durchgehend theatralischen Atmosphäre getragen. Neben der Tragik wurde das affektierte Gehabe der höfischen Welt widergespiegelt. Und so konnte man die Darstellerinnen wiederholt in schnippischen Posen beobachten. An der Grenze zur Parodie traten sie wie auf einem Debütantinnenball auf und fächelten sich mit der Hand majestätisch Luft zu.

Der Körper als Medium
Von sanften Geigenklängen begleitet durchschritten die grazilen Tänzerinnen leichtfüßig den Raum. Mit ihren Schritten schienen sie ihn Stück für Stück ausmessen zu wollen. Dann ein abruptes Ende der Musik und die Frauen präsentierten ihre Körper in völliger Stille, um dann mit dem erneuten Einsatz der Musik davonzustürmen. Von diesen plötzlichen Wechseln war das Stück durchzogen: ruhige und bewegte Szenen, Musik und Stille, mal kraftvoll, mal sanft. Ein anderes Mal froren die Darstellerinnen in Posen ein, um so ausdruckstarke Bilder zu komponieren. Sie schienen eine Geschichte zu erzählen. So vielfältig wie die Bewegungen der Tänzerinnen waren, so waren sie doch immer vollendet fließend.

Nach 20 Kurzfilmen beginnt der eigentlich spannende Teil des Abends. Mit nur noch zehn Prozent des Publikums stellt sich Moderator Moe erneut mit Denglisch-Slang auf die Bühne und macht Ansagen, die die Welt nicht braucht. Ehe ich mich versehe, ist aus Moe auf einmal drei geworden. Ich reibe mir die müden Augen und muss zu meinem Entsetzen feststellen: Das ist die “Band”. Yo, tight. Okay. Also los. Oder auch nicht. Gefühlte 30 Minuten später drehen die drei Groupies neben mir frei, erzählen lautstark “Ey, voll das falsche Publikum!” und ich weiß: Jetzt geht’s los. Mh, tja. Koma Klick. Fünf Fans, zwanzig völlig fehl am Platz sitzende Menschen. Das Wort “Anstandssitzenbleiben” kreist in meinem völlig zugerappten Kopf. Um zu wissen, warum genau auf gehaltvolle, weitaus bessere Kurzfilme als im KF-Wettbewerb solche Musik folgt, sollten wir jetzt den MV-Spion-Bandcontest zur Rechenschaft ziehen. Bei allem Respekt werde ich immer ungeduldiger, richte meinen Blick auf die drei Typen, die definitiv Bühnenperformance mit Epilepsieanfällen verwechseln. Ich spiele mit dem Gedanken, den Stöpsel zu ziehen.

Also weiter. Stellen wir uns laut Moderator Moe mal fix die imaginäre Verena und den imaginären Alex vor und schon haben wir eine runde Preisverleihung. Fehlen nur noch die Zuschauer. Denn von dem einst überfüllten Speicher sind bei der Siegerehrung noch rund 20 Leute da. Verena Fels’ Mobile-Film hat nämlich den ersten Platz gemacht. Der zumindest physisch anwesende Berni Kübel den zweiten mit BACIO. Und Alexander Lehmann, ebenfalls im sexy Tarnumhang, den dritten mit Du bist Terrorist. Und alle drei haben es verdient. Genau wie viele andere der zwanzig Einsendungen, deren Aufzählung jetzt jeglichen Zeichenplatz sprengen würde.
Bei aller Liebe: Das hab ich an meinem Freitagabend nicht gebraucht.

„Wir müssen fliehen! Die Ossis kommen!“
Szenenwechsel: Dramatische Hintergrundmusik, weiße Schrift auf schwarzem Hintergrund: „Es geschah am 3. Oktober 1990. Tausende DDR-Bürger verließen ihre Heimat, um nach Westdeutschland zu ziehen. 4 % kamen niemals an.“
Der Einstieg wirkt noch vergleichsweise unscheinbar: Clara will von Leipzig in den Westen fahren, nachdem sie ihren notgeilen Mann abgestochen hat. Sie trifft Artur, quasi ihren „Westliebhaber“. Nun sind sie vereint, er „habe alles so schön vorbereitet“ und „liebe sie doch wirklich“.
Und wie ein Donnerhall beginnt dann die deutsch-deutsche Zerfleischungsorgie: Schädelspalter-Hank stürzt sich auf Küchenmesser-Clara, Gröhlhals-Brigitte zerkloppt Fleischzungen-Margit, Schlachtmesser-Alfred jagt Halbtot-Artur, Kettensägen-Dietrich zerfetzt Trabi-Sachsen und irgendwie kämpfen alle gegen alle und jeder gegen jeden. Auge um Auge, Darm um Darm. Animalische Bestialität in ihrer grotesktesten Form. Hauptsache, das Blut spritzt literweise in alle Richtungen.

An dieser Stelle näher auf die Handlung einzugehen oder auch nur von Plot zu sprechen, wäre übertrieben unnötig. Sie ist so absurd zerstückelt wie die Fleischklumpen im Motel „Deutsches Haus“ der ossijagenden Metzgerfamilie.
Was Christoph Schlingensief hier vor 20 Jahren vorlegte, war geradezu ein cinematischer Stinkefinger gegen die utopischen „Blühende Landschaften“-Versprechen. Hemmungslos bedient er sich bei allen Klischees billiger Splatter- und Horrorfilme, um mit seiner bestialisch-bösen Metaphernkeule gegen die neuentdeckte Schwarz-Rot-Gold-Euphorie auszuholen. Ein Wahnwitz für all diejenigen, die diesen blutrünstigen Humor zu verstehen wissen – für zarte Gemüter aber doch eher schwer verdaulich.

Johann Rettenberger (Andreas Lust) hat zwei besondere Talente: Marathonlaufen und Banken ausrauben. Wegen letzterem saß er schon sechs Jahre im Knast. Sechs Jahre, in denen sich seine Energie im Kreis ‘entlud’: Täglich muss er sein Lauftraining auf dem Gefängnishof verrichten. Als er entlassen wird, trifft er im Arbeitsamt seine alte Liebe Erika (Franziska Weisz) wieder. Johann zieht wieder bei ihr ein, verfällt jedoch sofort in seine alten Verhaltensmuster: Banken ausrauben. Dabei trägt er eine Art Markenzeichen – die Maske. Es ist wie eine andere Haut, in die er schlüpft, eine andere Person, ein anderes Leben. Seinem misstrauischen Bewährungshelfer erzählt er, dass er sein Leben durch die Preisgelder der Marathonläufe finanziert. Doch bald wächst ihm alles über den Kopf und die Blase, in der er lebt, droht zu zerplatzen.

Benjamin Heisenberg gelang ein Film, der ohne große Dialoge nicht langweilig wird. Im Gegenteil: Die Kameraeinstellungen sind abwechslungsreich und interessant. Die Musik, die bei den Autodiebstählen im Radio läuft, ist so herrlich unpassend, dass der Zuschauer unwillkürlich lachen muss. Mit der Spannungskurve des Films verhält es sich wie mit dem Adrenalin-Spiegel Johanns: Immer wieder schießt die Kurve in die Höhe und man hat das Gefühl, selbst in der Situation des Stresshormon-Junkies zu stecken. Einziger Wermutstropfen ist, dass die Story, die auf einer wahren Gegebenheit beruht, nicht zu 100 Prozent der Realität entspricht. Der Film ist wie Johann: kühl, beobachtend und zwingend in seiner Treffsicherheit.

Dem ganzen Spektakel wird die Krone aufgesetzt, als Olivia von ihrer Mutter unterstellt wird, mit Rudi zu flirten. Durch das konfliktgeladene Beziehungschaos wird der von ihm heiß geliebte, herzschwache Hund Diego außer Acht gelassen. Er flüchtet durchs offene Gartentor, stirbt und bewegt Rudi zu einem Selbstmordversuch.
Ein Drama durchzogen mit Situationskomik. Wenn das ein Drama sein soll, was ist dann eine Komödie? Vielleicht hatte Regisseurin Hermine Huntgeburth einfach keine Lust mehr, diesen triefenden Schmalz noch weiter zu vertiefen. Das Glück ist eine ernste Sache, stimmt. Aber den filmischen 0815-Namensabklatsch kann man nicht ernst nehmen.

Wie geht’s dir?
Jut, und selber?

Wir schlafen nicht. Wir trinken Kaffee und wir schlafen nicht. Und wir trinken Kaffee.
Das ist jut! Das macht man ja so auf Festivals.

Jacob, hier beim filmkunstfest bist du mit insgesamt vier Beiträgen dabei: In der Spielfilm-Kategorie mit Bis aufs Blut und Renn wenn du kannst, außerdem mit dem Märchen Der gestiefelte Kater und mit der Störtebeker-Komödie 12 Meter ohne Kopf. Wie hast du dich auf diese verschiedenen Rollen vorbereitet?
Man setzt sich mit den Regisseuren zusammen, liest vorher das Drehbuch und bringt sich mit Vorschlägen ein.

Irgendwas Besonderes? Bei Bis aufs Blut bist du schließlich ein Drogendealer.
Naja, soll ich in den Knast gehen, meine Freundin vertrimmen oder Drogen verticken, damit ich das besser fühle? (alle lachen) Nee, tut mir leid. Da bin ich nicht der Typ für.

Bei Renn wenn du kannst spielst du einen Zivildienstleistenden, der einen sarkastischen Rollstuhlfahrer betreut. Warst du selbst Zivi?
Ick hab weder Bundeswehr noch Zivi gemacht. Das hat sich so ergeben. Jetzt bin ick sechsundzwanzig und durch. Ich hab aber schon einmal einen Film mit einem Behinderten gedreht. Für die Vorbereitung war ich dann auch in einer Behindertenwerkstatt.

Was ist das Beste an deinem Job als Schauspieler?
Das man zum Beispiel an wahnsinnig ausgefallene Orte kommt, die man ansonsten nicht besucht. Wann kommst du mal auf eine Hansekogge? Wenn du nicht irgendwas verbrochen hast, wie kommst du dazu, einen Knast zu besuchen? Es gibt viele tolle Seiten am Schauspielberuf. Unheimlich durchgeknallte Individualisten, die das alle machen. Lustige Leute, die sich da zusammen finden.

Was steht bei dir als nächstes an?
Im Sommer mach ich erst mal Urlaub. Auf der MeckPomm-Platte, ein bisschen paddeln. Das hab ich schon ewig nicht mehr gemacht, früher bin ich mit meinen Eltern immer mitgepaddelt, als ich noch kleen war. Die letzten Jahre hatte ich im Sommer so viel zu tun, jetzt gönn ich mir das mal. Einfach nur Wasser und Laub.

Wie bleibt man als Schauspieler auf dem Boden? Du bist ja sehr bodenständig.
Echt, wirkt das so? Ick tu bloß so. (lacht) Mein Tipp ist: Such dir nicht allzu viele Schauspieler-Freunde und treib dich nicht die ganze Zeit mit Filmleuten herum. Wenn du nur im eigenen Saft kochst, ist das ja langweilig.

Du verdienst doch bestimmt gut Geld.
(lacht) Du, dit sind Studentenprojekte. Ich kann nicht so viel Geld um mich schmeißen. Kommt immer drauf an, wie groß das Projekt ist. Bis aufs Blut und Renn wenn du kannst sind ja, vom Budget her, eher kleinere Produktionen gewesen. Damit wirste nicht reich. Wenn du Glück hast, läuft der Film auf ‘nem Festival. Dann bekommste vielleicht ‘ne Empfehlung für ‘ne neue Rolle, mit der man mal mehr Geld verdient.

Bist du lieber gut oder böse?
Och, gute Frage. Kommt drauf an, wat spannend ist. Gibt spannende gute Rollen, gibt auch spannende böse Rollen. Da will ich mich nicht festlegen. Es macht aber schon mehr Spaß, den Bösewicht zu spielen.

Vielen Dank für das Interview!

Zerredet und langatmig
Leider zeigt sich der Film von Dieter Schumann jedoch nicht so explosiv wie das Lebensgefühl, das darin zum Ausdruck kommen soll. Er vermittelt Stimmungen sehr theoretisch. Der Zuschauer kann sie sich vorstellen, weil sie fast zerredet wird, aber nicht tatsächlich mitfühlen. Es fehlen spannungsvolle Aufnahmen und abwechslungsreiche Kameraeinstellungen. Stattdessen Szenen, die schlichtweg überflüssig erscheinen, da sie weder Inhalt noch Atmosphäre vermitteln. Der „Rockreport“ entpuppt sich als informativ und daher sehenswert – aber leider zu langatmig.

Deutschland steht kurz vor dem Ersten Weltkrieg. Nach der Meinung Hanekes solle man es sich so vorstellen: Eine Scheune brennt. Der beliebte Dorfarzt vergreift sich sexuell an seiner 14-jährigen Tochter. Ein Junge wird auf brutalste Weise zusammengeschlagen, weil er eine Flöte von seinem Freund geklaut hat. Der Sohn des feudalistischen Baron wird gepeinigt im Sägewerk aufgefunden. Der behinderte Sohn der Hebamme wird stark misshandelt und an einem Baum gefesselt. Das alles mit ‘nem bisschen Blut und ‘ner Menge Schläge und man befindet sich in Eichwald. Doch wenn man in die „Tiefen“ des Filmes geht, erkennt man: Der Zuschauer soll sich diese 144 Minuten ansehen, um genauestens informiert zu sein, wie die Kinder psychisch und körperlich misshandelt wurden und daraufhin selbst anfangen andere Kinder zu quälen – phänomenal.

Schlechter Horrorfilm mit einem bisschen Sex
Ich will die Situation in Deutschland vor dem Ersten Weltkrieg keinesfalls beschönigen. Aber in diesem Film wird ALLES über einen Kamm geschoren. Unterschwellig wird vermittelt: Protestantismus ist der Grund für Faschismus. Es zeigt weder das Leben in einem Dorf 1913/14, noch die Atmosphäre. Ist der „geschichtliche Hintergrund“ nur ein Vorwand, um einen schlechten Horrorfilm mit einem bisschen Sex zu produzieren? Trotzdem hat Michael Haneke meinen Respekt: Bis jetzt hat es noch niemand geschafft, dass ich in 144 Minuten durchgängig „kranke Scheiße“ gedacht habe.

Special-Rätsel: Wer herausfindet, wie viel Gelder geflossen sind, damit Das weiße Band diese Fülle an Preisen bekam, gewinnt meine Leberwurst-Stulle von gestern.

Als Tommy wieder rauskommt, versucht er, sein Leben auf die Reihe zu kriegen während Sule noch immer in seiner eigenen Welt lebt und sie mit Tommy teilen will.
Nachdem Tommy feststellt, dass nahezu jeder in seiner Umgebung momentan auf Bewährung ist oder von der Polizei kontrolliert wurde, kommen bei ihm erste Zweifel: Warum wanderte nur er in den Bau? Hat ihn einer seiner Freunde verraten? Nach zu viel Hin und Her mit Sina und Sule kommt das, was seit Tommys ersten Zweifeln an seiner Inhaftierung abzusehen war…

Nichts Halbes und nichts Ganzes
Was Oliver Kienle mit Bis aufs Blut – Brüder auf Bewährung, dem Jugendrama über Freundschaft im „Ghetto“, genau ausdrücken wollte, ist nicht ganz klar. Teilweise reiht sich der Film mit seinen platten Witzen und Sprüchen und dem lockeren Umgang mit Drogen zwischen „Lammbock“ und „So High” ein – eine weitere Drogenkomödie. Erst zum Ende hin gewinnt der Film an Ernsthaftigkeit und wirkt reifer. Dieses Niveau über den ganzen Film erstreckt, hätte ihm sicher gut getan. Oder er wäre einfach platt geblieben und als Komödie durchgegangen. Aber so ist es irgendwie nichts Halbes und nichts Ganzes.

It’s Handy – It’s Party! So lautet das Thema des zweiten handyfilmwettbewerbs M-V. Party ist es wirklich, sich die Filme anzusehen. Von grottig bis ganz nett ist alles dabei.

Sei innovativ aber bitte kurz, denn mit großen Datenmengen und langer Laufzeit ist nix. Und niemand will einen Film über 4 Minuten sehen. Achja, wie du so einen Film drehst, musst du natürlich selbst rauskriegen, Hauptsache du verstößt nicht gegen irgendwelche Gesetze.

“Das Handy hat sich in wenigen Jahren zum Massenmedium entwickelt und ist laut JIM-Studie (Jugend, Information und Multimedia) das am weitesten verbreitete Multimedia-Gerät unter Kindern und Jugendlichen,” so Henry Tesch, Kultusminister und auch dieses Jahr Schirmherr des handywettbewerbs. Dies übrigens vor dem Hintergrund, dass ganze 22 Einsendungen zur Auswahl standen. Teilnehmern vom letzten handywettbewerb wird dieser Satz übrigens sehr bekannt vorkommen. Warum bloß? Naja, immerhin hat unser Kultusminister sich mehr Mühe gegeben als Torsten Jahn, Geschäftsführer der Filmland M-V gGmbH, – der genau das gleiche Grußwort verwendet, wie schon letztes Jahr.

Hast du Interesse daran bekommen?
Wenn ja, hast du für dieses Jahr leider Pech gehabt.
Versuchs nächstes Jahr!

Lebensechte Portraits
Dokumentarfilmer Jan Tenhaven hat fünf der Teilnehmer bei ihrer Vorbereitung auf die internationalen Leichtathletik-Wettkämpfe in Finnland begleitet. Eigentlich dachte Regisseur Tenhaven, dass er niemals einen Sportfilm machen würde. In der Schule sei er eher der Typ gewesen, der „aus Versehen“ seinen Turnbeutel vergaß. Über die rüstigen Sportsenioren, die er in „Herbstgold“ so lebensecht portraitiert, kann es daher umso mehr staunen.
„Herbstgold“ greift auf vielfältige Kameraeinstellungen zurück, um den Wettstreit um die Goldmedaillen darzustellen. Detailaufnahmen im Slow-Motion-Modus fokussieren die Spannung auf den Moment, der über Triumph oder Niederlage entscheidet. Stimmungsvolle Kompositionen verleihen jeder Szene dabei die passende Atmosphäre. Unvergessen die Szene, in der ein 100-jähriger Österreicher die Diskusscheibe 12 Meter weit schleudert und anschließend im Rollator am Siegertreppchen steht.
Eine gelungene und in sich stimmige Dokumentation darüber, dass Sport keine Frage des Alters ist – sondern einer optimistischen Lebenseinstellung.

Die Sehnsucht in der Einsamkeit zu stillen und selbige damit aus dem von Schmerz getretenen Magen herauszukratzen, verbindet das Paar unverkennbar. Die Szenen sind wie aneinander geklebt, wechseln ohne Bezug zueinander. Musik bleibt dabei ganz aus. Atmen, Keuchen, Stöhnen, Brummen, Papierrascheln und Geschirrklirren sind die einzigen Elemente der Geräuschkulisse. Wirksam und reell ergänzt die stumme Kameraführung die gebrochene Erzählweise der Handelnden. Im Blickpunkt dabei ist die Abgeschiedenheit zweier Menschen, die ihre aufregendsten Lebensabschnitte bereits fotografiert haben. Beide erzählen davon, wie sie auf ihrem Weg , ihrer „Fahrt im Heißluftballon“ wichtigen Ballast abwerfen und tiefe, schneidende Verluste einstecken mussten; immer noch mit der Hoffnung im Rücken, den Himmel zu erreichen und sich dem Schmerz zu entledigen. Im anderen scheinen sie den Spiegel dafür zu sehen.

Die Wortkargheit der Darsteller gräbt den See der Einsamkeit und bildet damit die Stimmungsbasis des ganzen Films. Jedes weitere Wort hätte einen Riesen kreiert, der mithilfe seines Strohhalms die Einsamkeit bedingungslos ausgeschlürft hätte.

Tobias joggt. Es ist ein Weglaufen vor den Bildern der fassungslosen Gesichter. Doch er kehrt wieder zurück nach Hause, zurück an einen stummen Abendbrotstisch, zurück zur zerstörten Familie. Jedes Familienmitglied trägt eine schwere Last mit sich. Doch ihnen wird die Teilnahme an der Trauer verwehrt.
Die Suche nach dem Warum stellt Tobias vor die schwierigen Herausforderung, sich mit dem Leben seines Bruders Christian zu beschäftigten. Auf diesen Weg lernt er Anna, die Internetbekanntschaft seines Bruders, kennen. Sie zeigt ihm einen anderen Christian. Tobias verliert jeden Sinn für seine bisherige Welt. Seine bisherige Welt existiert nicht mehr.

Der Regisseur Lennart Ruff bietet einen nachdenklichen Einblick in das zerrissene Leben einer Familie, deren Sohn als Amokläufer gestorben ist. Dabei regt der ironische Filmtitel Life is easy zur einer aktiven Auseinandersetzung mit den Schulmassaker an. Ruff verzichtet auf lange Dialoge und lässt die aussagekräftigen Bilder für sich sprechen. So stellt sich die Frage nach dem Sinn des Lebens oder mit den Worten von Albert Einstein: „Wer keinen Sinn im Leben sieht, ist nicht nur unglücklich, sondern kaum lebensfähig.“

Sarah (Klara Manzel) ist eine von neun Schauspielern, die sich eine Rolle bei Hans Meinholds (Matthias Habich) Interpretation von Shakespeares Hamlet ergattern will und so im steten Konkurrenzkampf mit ihren Mitbewerbern steht. Neid im Knochenmark und sexuelle Triebhaftigkeit geben das Salz in die Suppe der Protagonisten. Nach der ersten halben Stunde legt sich die Verwirrung, basierend auf der allgemeinen Hektik der Szenen und Akteure, allmählich nieder – doch vergehen tut sie nicht. Wie ein Flickenteppich ohne Farbe sind die aufeinander folgenden Szenen – scheint ihnen doch keine Handlung zugrunde zu liegen. Von Spannung sind nur Ansätze gegeben, einzig der literarische Witz macht die Dialoge schlüssig und gibt dem Zuschauer Ansporn, nicht aufzugeben sondern lieber weiterzulachen.

Sanft wie Schnee, stechend wie Hagel
Obwohl Barriere dem Augenzeugen gänzlich in Schwarz-Weiß gezeigt wird, scheint es, als wäre der Film in Farbe gedreht und lediglich entsättigt worden. Die Kontraste wirken dadurch flau und die Drehart billig. Erst dem Ende entgegenwinkend erscheint der Streifen plötzlich farbig und ein Rahmen schließt „Hamlet“-Zitate und Konfliktsituationen sinnvoll zusammen. Die Musikkulisse fällt nun sanft wie Schnee, sticht wie Hagel, besinnt wie Sonnenstrahlen, ist trist wie Regen – und schwingt alles in allem wunderbar in stimmiger Woge zum Plot. Bewundernswert ist die Authentizität der Akteure als Schauspieler, so verfolgt das Publikum deren künstlerische Entwicklung im Film vom ersten bis zum letzten Wort mit. Die Texte sind großteilig improvisiert, was positiverweise nicht auffällt. Dieser Streifen wurde gedreht, um den Betrachter an die Grenzen der Kunst heranzubringen und ist Beweis genug, dass selbst hoffnungsloses Chaos ein Ende mit Sinn hat.

Spaßige Fassade
Die Parallele zum realen Leben ist hauchdünn gezogen. Da das offensichtlich Lustige im Vordergrund der Geschichte steht, entdeckt der Zuschauer den ernsten Hintergrund nicht auf Anhieb. Aber stellen wir uns doch mal die beiden Hauptcharaktere des Films als Menschen vor: Wir sehen eine verzweifelte, wütende und perspektivlose Frau, die es bereut für ihren (Ex-)Mann alles aufgegeben zu haben. Dieser erzählt währenddessen reuelos von seiner schönen, neuen Zukunft mit einer Jüngeren – und bedankt sich noch süffisant für ihre besten Jahre.
Klingt das lustig? Nein! Die drastische Wendung erscheint im ersten Moment amüsant, ist aber fernab aller moralischen und ethischen Grundsätze. Ein Plot kann noch so witzig sein, es versteckt sich immer ein tieferer Sinn hinter der spaßigen Fassade. 12 Jahre ist so ein Film.

Auf dem Weg zu Ben kollidiert Zivi-Christian mit der chaotischen Annika (Anna Brüggemann). Ben „kennt“ die Cello-Spielerin – sprich: Er beobachtet sie seit zwei Jahren jeden Tag vom Balkon aus. Liebe kommt für Behinderte wie Ben eigentlich nicht in Frage, das erklärt er zumindest am Anfang, in der Zeit bevor Annika vor seiner Haustür wortwörtlich “landete”. Die drei völlig unterschiedlichen, absurden Charaktere Annika, Ben und Christian werden mit der Zeit nicht nur dicke Freunde…
Die Figuren entblättern sich im Laufe des tragikomischen Liebesdramas nicht nur äußerlich. Ein lieblicher Seelenstriptease ist besonders aus Bens Ecke vorprogrammiert. Was für alle drei wie ein Spiel beginnt, wird für Ben eine Reise zu seinen größten Ängsten. In Abgründe, aus denen er allein nicht mehr herausfinden wird.

Bitterbös pornös
Nicht nur die „etwas andere“ Story verleiht Renn, wenn du kannst einen besonderen Charme. Es sind die wahnwitzigen Konversationen, die dem Zuschauer den anfänglichen Kotzbrocken Ben sympathisch werden lassen. Bens Sprüche sind bitterbös und schwarzhumorig, so dass keineswegs Mitleid für den Protagonisten aufkommt. Doch die besten Zitate sollen dem Leser nicht vorenthalten werden. In diesem Sinne, original und unkommentiert:
“Hups, da ist eine Scherbe in meinem Bein. Wie interessant.”
“Ich guck dir nicht dabei zu wie du dich umbringst.” – “Na dann guck doch weg!”
“Du glaubst gar nicht, wie viele Fische ich in einer Saftpackung halten kann.”

Der anfangs einsame Ben lernt nicht nur zwei neue Freunde kennen, sondern zugleich ein paar Wortschöpfungen dazu. Beispielsweise den neuen Slang für das Wort ‘geil’, nämlich ‘porno’. Ein durchaus pornöser Film.

Donnerstagabend, 23:15. Warten auf Knut Elstermann, Autor, Filmkritiker und langjähriger Moderator des Filmtalks beim filmkunstfest. Draußen vor dem Festivalzelt im Hof des Capitols gießt es aus Strömen. Vereinzelte Personen harren mit ihrem Bier an der Bar aus und trotzen der Kälte.
„Bin gleich da,“ schreibt Knut per SMS. Wenig später schütteln wir uns die Hände und nehmen auf einer der Bierzeltgarnituren Platz.

Seit 1998 moderierst du den Filmtalk. Gibt es ein besonderes Ereignis, an das du dich gerne zurück erinnerst?
Nein, das kann ich so nicht sagen. Es ist eigentlich immer interessant und ich freue mich auf jeden Abend, die Nähe zu den Filmemachern und Schauspielern. Ich würde jetzt keine Person besonders herausheben wollen, aber ich denke gerne zurück an Nachtgestalten mit Andreas Dresen. Das war 1998. Ich hatte das Making-Off gemacht und war sehr oft am Set. Da hat es mich natürlich gefreut, als der Film dann auch einen Preis gewonnen hat. Nachher gab es eine große Runde mit allen Schauspielern. Das war wirklich ein schöner, runder Abend.

Dieses Jahr wurde das Festival mit Boxhagener Platz von Matti Geschonnek eröffnet. Wie hat dir der Film persönlich gefallen?
Der Film passt mit seiner Ost-Thematik nach Schwerin. Man kann sich allerdings darüber streiten, ob man einen Film, der schon im Kino gelaufen ist, als Eröffnungsfilm nehmen muss. Mir hat er aber trotzdem sehr gut gefallen. Die ersten 30 Minuten sind wirklich stark. Danach fällt der Film leider ein wenig in sich zusammen, wird dann aber von den wirklich guten Schauspielern getragen. Samuel Schneider in der Rolle Holgers hat mir gut gefallen, obwohl der ja eigentlich nicht mehr zu tun hat als erstaunt zu gucken, was seine Oma so treibt.

Du bist fast der gleiche Jahrgang wie Torsten Schulz. Was ist deine prägnanteste Erinnerung an damals?
Ich bin ja nicht wie er in Friedrichshain aufgewachsen, sondern in Prenzlauer Berg. Meine Erinnerungen, an die Wohnungen zum Beispiel, sind trotzdem ganz ähnlich. Ich hatte auch so eine starke Großmutter, wie die, die im Film geschildert wird. Sie war vielleicht ein wenig liebevoller, aber sie hatte auch diese unglaubliche Kraft, die die Frauen nach dem Krieg hatten. Übrigens liegt sie auf dem selben Friedhof, der auch Schauplatz des Films ist. Das hat mich persönlich ein bisschen berührt.
Was der Film sicherlich auch sehr schön zeigt, ist, dass die DDR ein Land war, in dem die Zeit still stand. Im Prenzlauer Berg der 60er Jahre gab es kaum Autos. Man konnte ungestört Murmeln auf der Straße spielen. Es war wirklich Nachkriegszeit, was einem erst später erschreckend bewusst wird. Als ich geboren wurde, war der Krieg erst 15 Jahre vorbei.

Letztes Jahr ist dein Buch „Klosterkinder“ erschienen. Es behandelt die Geschichte des Berliner Gymnasiums Zum Grauen Kloster. In deinem ersten Buch „Gerdas Schweigen“ geht es um Holocaust-Erinnerungen. Weshalb interessierst du dich für historischen Stoff?
Ein Romanautor schreibt vielleicht in erster Linie für sich, als Journalist hat man ein anderes Mitteilungsbedürfnis. Meine Texte sind keine literarischen. Ich behandle Themen, von denen ich denke, dass sie die Leser interessieren. „Gerdas Schweigen“ wurde sogar verfilmt und hat letztes Jahr beim filmkunstfest den ersten Publikumspreis überhaupt gewonnen.
Mein Zugang sind in erster Linie persönliche Stoffe, also meine eigene Familiengeschichte. Bei „Gerdas Schweigen“ waren es vor allem meine Großmutter und das Verhältnis zu Gerda, meiner Nenn-Tante. „Klosterkinder“ erzählt die Geschichte und Entwicklung meiner eigenen Schule.

Du standest in deiner Laufbahn auch selbst schon vor der Kamera. Hat deine Arbeit als Filmkritiker davon profitiert?
Eigentlich nicht. Dazu war es viel zu kurz. Ich war allerdings nach dem Abitur eine Zeit lang Aufnahmeleiter bei einer Produktionsfirma des DDR-Fernsehens. Allerdings denke ich nicht, dass man deshalb einen Film besser oder schlechter beurteilt. Der Zuschauer im Kino sieht ja auch nur das Produkt, aber es ist schon interessant, die Hintergründe zu kennen.

Mit dem Gedanken Schauspieler zu werden hast du nie gespielt?
Nein, ich würde auch jedem davon abraten. Schauspieler ist wirklich so ein sauharter Beruf voller Abhängigkeiten. Wenn man sich die vielen jungen, sympathischen Schauspielern anguckt – und wie viele davon sieht man wieder? Wer nicht ganz oben an der Spitze steht, hat es wirklich
sausauschwer. Ich würde es meinen eigenen Kindern verbieten. (lacht)

Pfaffenstraße 4, zweite Etage, 02:22 MESZ. Rundohr kleckert Pudding auf seinen Pulli, Nicht-Charakterschwein Kevin rätselt darüber, ob das filmkunstfest-Team überhaupt schläft und Sophie stellt sich vor, wie sie Michael Ballhaus „hammerlang“ knuddeln würde. Kein Zweifel: Das filmab!-Team fühlt sich pudelwohl. Die mittlerweile dritte Ausgabe ist fertig, noch zwei liegen vor uns. Kaum noch Rechtschreibfehlerchen, wir können nur wesser berden besser werden.

Alles, was Sie bisher über garantierte Vollräusche und schnoddrige Sprechweisen, tiefgekühlte Huren und abgelaufenem Käse, orientierungslose Seelen und unprofessionelle Geschmacklosigkeit wissen wollten – Sie finden es in dieser dritten filmab!-Ausgabe. Viel Vergnügen.

Übrigens: An dieser Stelle ein paar Kommentare der letzten Tage zu unseren ersten Ausgaben: „Wirklich schön“- „Tolle erste Ausgabe” – „WOW, cooles, aufwändiges Layout, cool, dass man die ganze Ausgabe im Fullscreen im Netz durchblättern kann.“ Wir freuen uns natürlich über weiteres Feedback. :-)

Die Ausgabe als PDF

„Nord“ von Rune Denstad Langlo ist ein unterhaltsamer Off-Roadmovie – nur halt auf Norwegisch. Mit einem ganz eigenen Humor wird die lustige und spannende Fahrt des Liftwärters dargestellt. Die Musik betont die endlosen, verlorenen Weiten Norwegens, welche so sehr gut zur Geltung kommen. Der Zuschauer begleitet Jomar auf seiner einmaligen Reise zu sich selbst, auf der er mit vielen verschiedenen Charakteren konfrontiert wird und Freunde fürs Leben findet. Dieser Film hat es wirklich verdient, mit einem FIPRESCI-Preis ausgezeichnet zu werden. Man will sofort auf die Skier springen, um selbst einmal Norwegen zu erkunden.

Ungelöstes Rätsel
Umso grotesker war es, dass die Podiumsteilnehmer eher zurückhaltend diskutierten. Schlussendlich bekam die anspruchsvolle Diskussion einen kleinen Beigeschmack. Der zu hoch gesteckte, teilweise theatralische Sprachstil der Podiumsgäste verwischte die paradoxen Aussagen – mit Ausnahme von Christian Schwochow, Regisseur von Novemberkind.
Ab dem Beginn der Zuschauer-Interaktion kam Bewegung in die Sache. So stellte eine pfiffige Journalistin dem Kultusminister Tesch eine politische Frage zum Thema der öffentlichen Finanzierung der Digitalisierung im Kino. Was das mit der Rolle der Kunst zu tun habe, bleibt ein ungelöstes Rätsel. Heute ist die Kunst ein vielseitiger und fühlbarer Ausdruck unserer Gesellschaft. Auf die Frage, welchen Anspruch die Zeitzeugen dabei vom Film erwarten dürfen, protestierte Regisseur Schwochow: „Hört auf, von uns Filmemachern zu verlangen, eure schönen Erinnerungen wieder zu holen!“

[Show as slideshow]

Obwohl die einfache Magd aus Liebe heiraten will und der astronomiebegeisterte König nur auf die Klugheit einer Frau fixiert ist, entwickelt sich Liebe und Zuneigung zwischen den beiden, die sich auf den ersten Blick so ähnlich sind wie Winnie Pooh und Ferkel.

„Ein Märchen? Das ist doch was für Kinder!“ Die Erwachsenen, die das behaupten, haben wohl noch nicht verstanden, dass ein bisschen weniger ein bisschen mehr sein kann. Wieso muss es denn immer der große Hollywood-Blockbuster sein, wenn auch das niedliche Märchen aus Deutschland die Kriterien eines guten Filmes befriedigt: Humor, eine schöne Kulisse und gute Schauspieler. Und obwohl einige Figuren etwas überspitzt gezeichnet sind, ist es eine Freude für den Zuschauer, Anna-Maria Mühe beim Spielen zuzusehen und auch Falk Rockstroh spielt seine Rolle überzeugend. Die wirkliche Messlatte aber sind die Kinder. Dass es ihnen gefallen hat, war im Kino nicht zu überhören. “Ich fand am besten, dass der Vetter vom König aus dem Mund geblutet hat und wie ein Vampir aussah,” begeistert sich der 7-jährige Victor.

Die diesjährige Musikfilmnacht stand ganz im  Zeichen des Musikers. Den Auftakt im Speicher gab die Band „Die Rettung“ mit einem Ton Steine Scherben/Rio Reiser-Tribute. Unterstützt wurden die Rostocker von Akki Schulz von SCHERBENkontraBASS. Sie boten einen beeindruckenden Querschnitt durch die Werke Rio Reisers indem sie sich chronologisch durch seine und die Alben der Scherben arbeiteten. Im Publikum konnte jeder die Texte der Legende mitsingen, die Stimmung im gefüllten Saal stieg von Lied zu Lied.
Eine kurze Umbaupause und das Programm ging weiter. Der Film von Hanno Brühl und Peter Möbius Ich bieg dir’n Regenbogen dokumentierte das Leben und Schaffen des Sängers. Untermalt wurde der Film durch zahlreiche Konzertausschnitte aller Wirkungsstätten Reisers.
Am Ende des Abends bleibt nur eins zu sagen: grandiose Musik, packende Doku und alles über einen Helden der Musikgeschichte – Rio Reiser.

30 Minuten dauert das NDR-special. 30 Minuten Geschmacklosigkeit, Sarkasmus und Unprofessionalität. Anfangs habe ich das Gefühl, dass dieser Film nicht wahr sein kann, Spekulationen über gestellte Szenen und Schauspieler keimen auf. Doch nach und nach wird klar: Henk nimmt sich selbst und das Gesetz sehr ernst. Und der NDR macht sich darüber lustig. Interviews mit verärgerten Insulanern und immer wieder eine Einstellung: Henk allein. Allein am Hafen. Allein beim Grillen. Allein unterwegs mit dem Wohnmobil. Skandalgeil wird auch noch der etliche Jahre zurückliegende Tod von Henks Freundin zum Thema gemacht um dem verletzlichen Polizisten noch mehr Angriffsfläche zu verleihen. Sätze des Kommentators wie “erkennungsdienstliche Behandlung à la Henk” beim Fotografieren von Touristen oder “jetzt nicht weiter nachdenken, Augen auf die Straße” mit dem Hintergrund, dass Henk Fahrer des Unglücksfahrzeugs war, bei dem seine Freundin verstarb, lassen den Mann Mitte fünfzig von Minute zu Minute lächerlicher erscheinen. Unterstüzt wird dies von gelegentlicher Musik wie aus dem Wilden Westen. Jedoch steht Henk weder in der amerikanischen Wüste noch im Saloon.

Henk, der Inselsheriff von Hiddensee ist einer der traurigsten Filme, die ich bisher in der filmab!-Redaktion im Rahmen des filmkunstfestes M-V gesehen habe. Horst Henk mag sich selbst und seine Berufung zu ernst nehmen, man könnte vielleicht sogar sagen, er ist ein komischer Kautz. Doch das berechtigt den NDR noch lange nicht, so respektlos über einen einsamen Mann auf einer einsamen Insel zu berichten. Schade.

Weniger ist mehr

Der komplette Verzicht auf Hintergrundmusik ist ungewöhnlich: nur die türkischen Gespräche und der laufende Fernseher erzeugen eine Geräuschkulisse. Die Dialoge zeigen anschaulich die innere Zerrissenheit von Leyla, wie sehr sie verstehen und mitreden möchte und doch in ihren sprachlichen Schranken gefangen ist. Mirjam Orthen ist es gelungen, die Komplexität dieses Themas auf den Punkt von 13 Minuten zu bringen und dabei den Zuschauer fesselnd mitfühlen zu lassen.

„Kombat Sechzehn“ vermittelt einen einzigartigen Eindruck der Trostlosigkeit im tiefstem Osten. Die auf den ersten Blick zu klischeehaft wirkenden Neonazis des Films sind für die Region doch sehr passend. Bomberjacke, Springerstiefel und Glatze gehören hier zur Tagesordnung. Durch den Film ziehen sich Rückblicke auf Georgs Leben als Kampfsportler in Hessen, die sich mehr und mehr in Ausdrücke seines Gewissens wandeln.

Der Soundtrack der eigens für den Film erschaffenen Band „Einstufung“ – die Namensähnlichkeit zur Rechtsrockband „Endstufe“ ist nicht zu übersehen – untermalt die Atmosphäre des Films ausgezeichnet. Den Abschluss bilden dann aber doch die Böhsen Onkelz mit „Wenn du wirklich willst“ und bieten eine hoffnungsvolles Ende. Eine andere Band hätte kaum besser zum Film passen können. Lassen sich in der Geschichte der Rockgruppe und dem Handlungsverlauf von “Kombat Sechzehn” doch viele Parallelen ziehen.

„Den Eltern fehlen oft die passenden Argumente“
Am Mittwochmorgen war der Film Bestandteil des Kinoseminars. Ein Publikum aus Berufsschülern von 16 bis 26 Jahren sahen das Jugenddrama und stiegen im Anschluss in eine Diskussionsrunde mit ein, an der Regisseur Mirko Borscht leider nicht teilnehmen konnte.
Die Zuschauer diskutierten heftig. So kamen viele Meinung zum Ausdruck: Zu viele Klischees seien in dem Film erfüllt worden. Die Böhsen Onkelz im Soundtrack wären zu platt. Zweifel, ob man die Zielgruppe mit dem Medium Film noch erreichen würde. Aber der einhellige Tenor war trotzdem, dass Prävention gegen Rechts wichtig sei und weiter gefördert werden solle. Für alle, die nicht als Schüler am Kinoseminar teilgenommen haben, läuft der Streifen noch einmal am kommenden Freitag um 16 Uhr im Capitol 2.

Inspiriert von der eigenen Kindheit in Ost-Berlin wollte Schulz eine Milieustudie mit seinen Roman schaffen. Dieses Ziel hat er nicht verfehlt. So fühlten sich die Zuhörer augenblicklich in das Berlin von 1968, die Welt des 12-jährigen Holger, versetzt. Der begleitet, wie fast jeden Tag, seine Oma Otti zum Friedhof. Beim Besuch der vielen Gräber ihrer ehemaligen Ehemänner erfährt der Zuhörer alle möglichen witzigen Details aus dem Leben der originären Charaktere.

Skurrile Details
Die schnodderige Sprechweise und der trockene Humor sorgten für konstantes Kichern im Raum. Gekonnt intonierte Schulz den Berliner Dialekt. Über die bissigen Kommentare Oma Ottis zur „Aasbande“ von Kommunisten und ihren vielen Verehrern – allesamt Freunde und „Suffköppe“ Opa Rudis – lachten die Zuschauer ausgelassen. Den wichtigen Beitrag der Sprache zur Atmosphäre hob Schulz im anschließenden Autorengespräch mit Dr. Anja-Franziska Scharsich hervor: „Die Figuren sprechen so, wie sie sind.“

Viele Anregungen für die Charaktere stammten aus dem eigenen Familienkreis – „skurrile Details im Leben der proletarischen Leute,“ so Schulz. Die Erinnerung an die Kindheit am Boxhagener Platz sei zwar im Laufe der Zeit verschwommen, dennoch habe ihm die Wahl der eigenen Vergangenheit als Stoff Sicherheit gegeben. Die Geschichte sei aber trotzdem fiktiv, betont Schulz: „Meine Großmutter hatte nur vier Ehemänner.“

Eine orientierungslose Seele
Sehr erfrischend ist, dass dieser Film eine aktuell stark reflektierte Thematik behandelt, ohne sich der bekannten, ermüdenden Klischees zu bedienen. Eine packende Handlung trifft auf bewegende Bilder.
Wege in die Nacht wird von nur wenigen schlichten Dialogen durchzogen, die im ersten Eindruck an Loriot – ohne den humorvollen Anspruch – erinnern. Walter ist kein Mann, der über seine Gefühle spricht. Dennoch kommt durch diesen Stil beeindruckend subtil die Melancholie seiner Geschichte zum Ausdruck. Als Schwarzweißfilm gestaltet spricht das Drama vor allem eindrucksvoll durch das Bild.
Der Film behandelt eine tragische Geschichte, die den Zuschauer nicht unberührt lässt. Er wird sie mit sich nach Hause tragen und einige Zeit in Erinnerung behalten.

Ein trockenes Stück Holz oder doch ein saftiges Stück Fleisch?
Drei Freudenmädchen mit unterschiedlichen Leistungen. Und doch verbindet sie die Lustbefriedigung in ihrem persönlichen Reich, ihrem Frauenzimmer.
„Frauenzimmer“ von Saara Aila Waasner zeigt einen Einblick in die groteske Welt des ältesten Gewerbes. Keine Bilder, doch lustvolle Geräusche aus dem Frauenzimmer lassen ein reizvolles Kopfkino entstehen. Das vielschichtige Business erweckt den Anschein des hässlichen Entleins, doch sind es liebevolle Menschen hinter diesem harten Geschäft, aus dem der majestätische Schwan heraustritt.

Der wiederkehrende Prozess des vorbereitenden Ankleidens dient als stimmungsvoller Wechsel: von der faltigen Großmutter zum saftigen Stück Fleisch. Niemand wurde so geboren, wie er heute ist. Mehr noch: Er wuchs in seine gesellschaftliche Rolle hinein. Am Ende steht ein Tattoostudio, eine Heirat und ein zweites Bordell.

Wertewandel innerhalb zweier Welten
Die ethische Dilemma-Situation klingt stereotyp, wird aber durch Kamera, Musik und Schauspieler in ein prickelndes Drama verwandelt. “In Ayla sind die Gefühle gewissermaßen die Spezialeffekte”, so Regisseur Su Turhan. Der gebürtige Türke will auf den Wertewandel innerhalb zweier Welten aufmerksam machen, “dieses Dazwischen, was die Generation ausmacht, die außerhalb ihrer eigentlichen Heimat lebt und eine neue Heimat gefunden hat.” Su Turhan indiziert dem Zuschauer eine Ayla, die einer klassischen Heldin ähnelt: beispiellos stolz, kompromisslos stark.

Ein fesselndes, aufrührendes Kunstwerk, das nicht nur mit erhobenem Zeigefinger auf die Kontraste zweier Kulturen weist, sondern ans Herz geht und die Thematik verdienterweise noch lange in den Köpfen kreisen lässt.
Die enorme emotionale Wirkung macht es unheimlich schwierig, durch kurze Interpretation diesem Streifen gerecht zu werden. Aber: Wenn ein tiefgründiger, authentischer Film auf dem filmkunstfest gesehen werden sollte, dann AYLA.

Gestern waren einige von uns auf der offiziellen Pressekonferenz und man kann sagen, es hat sich gelohnt: Wir bekommen ein Interview mit Michael Ballhaus. Mit großer Unterstützung von Oliver Hübner werden Sophie, Marco und ich einen der ganz Großen befragen. Hui ich bin schon ganz aufgeregt. Wenn wir jetzt noch am Freitag Manfred Krug erwischen, bin ich glücklich.

Außerdem fand gestern die Eröffnungsveranstaltung des filmkunstfestes statt. Viele Reden (aber auch einige sehr gute), tolle Lichtstimmung, etwas verklemmtes Publikum. Das könnte aber auch an dem allgemein sehr hohen Altersdurchschnitt gelegen haben.

v.l. Michael Ballhaus, Saskia Walker und Henry Tesch Die Pressemappe der filmland gGmbH Viele Reden - kurzer Sinn Der jordanische Xavier Naidoo Stofbanner beim Capitol Unser Held der Woche - wir bekommen ein Interview

Heute geht es um 11Uhr zu einer Podiumsdiskussion zum Thema “Die Rolle der Kunst im Prozess der deutschen Einheit” im Intercity-Hotel. Ich bin gespannt.

Tja, was gibt es noch zu sagen? Essen reicht noch, die Sonne scheint und ein neuer Tag im filmcamp beginnt.

„Ich krieg‘ das schon hin!“

Lukas beginnt eine Ausbildung zum Verkäufer und zieht in seine erste eigene Wohnung – auf Druck seiner Eltern. Mit den Worten „So, jetzt ist’s fertig!“ zieht der Vater die Folie vom neuen Türschild ab und man fragt sich, ob er es auch im übertragenen Sinne meint. Lukas sträubt sich zunächst in einem Haus “voller Assis” zu wohnen und Gebrauchtmöbel anstatt “sowas wie Gucci oder Boss” zu verkaufen. Er ist zum ersten Mal auf sich gestellt und muss schmerzlich erfahren, was es bedeutet, erwachsen zu sein.

„Unkraut im Paradies“ besticht vor allem durch die glaubwürdige Charakterentwicklung Lukas. Dessen gelegentliche Unbeholfenheit sorgt für manchen Lacher. Unvergesslich die Szene, in der sich Lukas eine lindernde Salbe für ein Ekzem am Penis abholen muss. In der Apotheke sieht er sich einer nicht gerade empathischen Angestellten gegenüber, die ihm die Anwendungsweise der Salbe vor versammelter Kundschaft erklärt. Leider schlägt nicht jeder Witz so ein, was auch der Tragik des Films geschuldet ist, in die sich die komischen Elemente teilweise nicht recht einfügen wollen.

Kleine Schmunzler
Wie ein roter Faden schlängelt sich der trockene Humor der Darsteller über die detailliert eingefangene Situation im damaligen Ost-Berlin. Von kleinen Schmunzlern wie „Das ist ein waschechtes Flugblatt“) bis hin zu „großer“ Gesellschaftsanalyse à la „Wer ‘nen ganzen Tag Sex hat, hat keine Zeit zum Arbeiten, also ist er auch gegen das Kapital“ ist alles vertreten.
Die auf dem Buch von Torsten Schulz basierende Komödie stellte eine wunderbare und lockere Eröffnung des 20. filmkunstfestes dar. Der Autor selbst sowie Gudrun Ritter, Samuel Schneider und Meret Becker genossen den Film im Capitol und standen anschließend noch für eine paar kurze Worte auf der Bühne. Bei diesem Einstieg darf uns eine interessante und lustige Woche erwarten.

Verkehrte Welt
Maren (Marie-Lou Sellem) und Robert (Àlex Brendemühl) sind ein sehr ungleiches Paar:
Bücherwurm trifft Fernseheule. Beide müssen zu ihrem großen Entsetzten feststellen, dass ihre zwei turtelnden Teenager, die sie in die Beziehung mitgebracht haben, harmonischer miteinander umgehen als sie selbst. Während bei der Bibliothekarin und dem Landschaftsarchitekten nach kurzer Zeit der öde Alltag eintritt, genießen Mira (Katharina Derr) und Daniel (Tim Hoffmann) jede freie Minute gemeinsam. Die Familie lebt wie in einer verkehrten Welt. Die Darstellung des unruhigen, kindischen Paares mittleren Alters im Kontrast zu der ernsten, reifen Jugendliebe der beiden Schüler ist dabei keinesfalls klischeehaft.

Mit der fast ausschließlich klassischen Hintergrundmusik ist Tobias Ellenberg und Daniel Backes eine faszinierende Verschmelzung zwischen Bild und Ton gelungen. Die musikalischen Übergänge sind sehr fließend. Dem Zuschauer fällt der Szenenwechsel quasi gar nicht auf. Er wird im Handlungsverlauf nicht hin und her geworfen.

Die abrupte Wendung zum Ende sorgt für Verwirrung und offene Fragen. Aber es muss ja nicht immer alles bis ins letzte Detail geklärt sein. Wozu hat man schließlich seine Fantasie und sein Vorstellungsvermögen?

Dörte Grauer vom Norddeutschen Rundfunk begrüßte das Publikum und entzückte sich mit einem “das Gute liegt so nah” über das hochkarätige Who is Who zum Jubiläum.
Studenten der HMT Rostock aus dem Kurs World Pop Music umrahmten das Programm mit Populärmusik unter dem Thema Deutschland. Das besondere: die Gänsehaut-Klassiker wurden im Blitzlichtgewitter von ausländischen Studenten aus Frankreich, Taiwan, Panama und dem Libanon interpretiert. Mein Blick schweift in die Kinoreihen: tippelnde Füße, zum Takt nickende Köpfe. Besondere Musikantenstadl-Atmosphäre erzeugten Knorkators “Deutschland ist schön” und “Deutschland” von den Prinzen.

Codewort 20/850/20, Baby!
Kultusminster Henry Tesch verlieh ein auf 1500 Euro dotiertes Stipendium für Ulrike Vahl und ihren Kurzfilm Gömböc.
Torsten Jahn, Geschäftsführer der FilmLand M-V gGmbH berichtete dem Publikum von der Erfolgsgeschichte des filmkunstfestes und lobte das große Engagement und Herzblut, mit dem das Team von den Anfängen bis zum 20. Jubiläum gearbeitet hat. “Es lädt zum Mitmischen ein und ist kein politischer Masterplan der deutschen Einheit”, so Thomas Krüger von der Bundeszentrale für politische Bildung.
Stefan Fichtner und Saskia Weigner stellten die Jury  vor – unter anderem die erste weibliche Kommissarin Hannelore Elsner, den Ehrenpreisträger 2009 Michael Ballhaus und das berühmteste Kind der Stadt: Andreas Dresen.

Das geplante Experiment, einen Publikumstalk über die Idee eines gemeinsamen Films der Jury anzuregen, wurde leider kurzerhand und kommentarlos unter den Tisch fallen gelassen.
Der Mitbegründungsvater Ulrich Kafka blickt stolz auf 20 Jahre mit Höhen und Tiefen zurück und erzählt detailverliebt “Anfangen ist leicht, beharren ist Kunst”. Hasso Hartmann wurde für seine Leistungen gelobt; subtil betont gute Genesung gewünscht. Es folgte der Aufruf, auch weiterhin in kollektiver Arbeit ein Team zu bleiben. Ein Rückblick auf die Trailer der vergangenen 19 Jahre – von verwirrenden Schwananimationen über den bekannten Goldenen Ochsen und einem singenden Axel Prahl – zeigt im Minutentakt die Entwicklung des filmkunstfests.

Das Codewort der Oberbürgermeisterin Angelika Gramkow lautete 20/850/20 – 20 Jahre deutsche Einheit, 850 Jahre Schwerin und 20 Jahre filmkunstfest. “Manche Schweriner sehe ich nur einmal im Jahr und dann im Kino”. Schwerin wurde laut Gramkow zur Heimat des gesellschaftlich engagierten Films und wichtigstes Schaufenster der Filmförderung in MV.

[Show as slideshow]

Kein Glanz, kein Gloria
Es muss nicht immer DAS groteske Mallorca sein, sondern kann einfach etwas anderes sein. „Mein Mallorca“ von der Potsdamer Filmstudentin Bernadette Knoller verzichtet auf jeglichen Glanz und Gloria. Der hinreißende Kurzfilm wagt einen Einblick in einen anderen Teil unserer sonst lebhaften Gesellschaft. Er öffnet uns die Augen, dass ein Status nie unsere eigenen Träume bestimmen wird.
Die wirkungsvolle Illusion als Dokumentation des spartanischen Lebens von der selbstbewussten Marita und ihrer achtköpfigen Familie erzeugt eine authentische Stimmung. Marita Heiden zeigt sich als eine strebende, gebildete Hausfrau mit sanftmütigem und pflichtbewusstem Auftreten. Geprügelte Vergangenheit trifft auf zivilisierte Frau.

Und warum? „Nur so, einfach nur so!“

Walrossbaby in giftgelben Lumpen
Rauchend lernt sie an einem portugiesischen Strand Heinrich (Bilge Bingül) kennen, ein langhaariger Brian-Wilson-Liebhaber mit Surferkarriere-Traum, doch nach dem Verlust ihrer Reisepässe flüchtet die Familie abrupt zurück nach Deutschland. Jeanne muss Kleidung aus Altkleidercontainern tragen, in denen sie an ein Walrossbaby in giftgelben Lumpen erinnert. Sie klaut, weil sie sich den normalen Jugendlichen anpassen will – und trifft dabei ihren Heinrich wieder. Ohne Moos nix los – wegen Geldmangel und Magenknurren planen Clara und Hans einen Bankraub, während Heinrich einer surrealen Konfrontation mit Jeanne entgegengestellt wird. „Hau ab, du bist eklig! Ich liebe dich nicht!“ Im Zwiespalt von Liebe und Verantwortung sucht sie letztlich doch Heinrich auf, um ihm einiges zu erklären. Unter dem Vorwand, Cola zu holen, verständigt dieser vermutlich die Polizei.

Unspektakulär und realitätsnah ist die Darstellung der gezielten Attacke dreier Autos auf das der Familie am Folgetag: Fensterglas zerspringt, das Auto der Flüchtenden fliegt im Salto von der Straße und geht in Flammen auf. Jeanne scheint die einzige, die dem Todeskuss entkommt. Im wortlosen Ende strotzt ihr Gesicht bewundernswert charakterstark und zeigt: Trotz dem zitternden Erscheinungsbild der kleinen Jeanne ist ihr Herz tapfer. So lehrt sie dem Zuschauer: „Wenn du schwach bist und verwirrt, dann musst du schweigen und den anderen reden lassen. Das macht ihn wahnsinnig und dann löst er sich in seine Bestandteile auf. In Implosion.“ Und dann bist du der Starke.

Und was kommt nach dem Happy End?
Es folgt ein leises, aber intensives Drama über Lieben und Auseinanderl(i)eben. Die 36-jährige Regisseurin hat ihren Finger am Puls der Zeit. Dort, wo östliche und westliche Kultur aufeinandertreffen, trennen sich die Lebensansichten des Paares.
Die Beziehung bekommt durch Amars Alkoholkonsum und den unerfüllten Kinderwunsch erste Kratzer. Als eine Therapie nicht hilft, sucht Amar Halt bei Bahrija (Ermin Bravo), einem streng gläubigen Wahhabiten in einer Moschee. Amar hört mit dem Trinken auf und verändert sich und seine Lebensweise unter dessen Einfluss. Er symbolisiert im Laufe des Films den Inbegriff der traditionellen, konservativen Denkweise. Im Gegensatz zu Luna, die ihre einst gemeinsame und nun “sündhafte”, liberale, tolerante Lebensart – ohnmächtig Amar zu akzeptieren und zu verstehen – verteidigt.
Zuvor mokierten sich beide über Burka tragenden Frauen und enthaltsame Männer. Nun weckt Unverständnis für den Anderen Streit und Zurückweisung. Die Frage nach der Entscheidung, sich oder seinen Lebensstil für einen geliebten Menschen aufzugeben, rückt ins Zentrum des Films, während genaue religiöse Fakten in den Schatten fallen.

“Komm zu mir zurück.” – “Komm du zu mir zurück!”
Durch die Veränderung Amars und den Widerstand Lunas wird es für den ohnmächtigen Zuschauer immer trauriger, der zerbröselnden Liebe beizuwohnen. Akzeptanz von Veränderungen und die individuelle Verantwortung sind nicht nur ein Fazit aus der Beziehung der jungen Bosnier, sondern auch ein subtiler Appell an junge Muslima, schlussendlich sich nicht einfach hörig den Regeln der Religion zu beugen.

Keiner steht tatenlos herum, jeder wirkt mit: Die jüngeren Kinder verändern das Bild und machen das nächste Foto während die älteren in der Zwischenzeit beraten, welche spannende Handlung der Trickfilm haben soll. Die diesjährige Themenvorgabe ist das Leben Klaus Störtebeckers. Die meisten Kinder kennen seine Geschichte bereits aus dem Schulunterricht oder durch Erzählungen, so auch die elfjährige Theresa, die in fünfte Klasse geht und über die „Bücherwurm AG“ an ihrer Schule zu dem Projekt gefunden hat: „Mein Vater hat mir die Geschichte erzählt. Außerdem haben wir in der Schule einen Film gesehen.“

Das Publikum der Zukunft
„Der Trickfilmworkshop ist ein fester Programmpunkt des filmkunstfestes und über die Jahre immer populärer geworden,“ berichtet Workshopleiterin Regina Voss. Auf die Frage, welchen Beitrag der Workshop für das filmkunstfest darstellt, antwortet sie nach kurzem Überlegen: „Zuallererst möchte ich, dass ein guter Film entsteht. Ich wünsche mir aber auch, viele für den Film begeistern zu können. Einige der Teilnehmer sind in wenigen Jahren in dem Alter, selbständig die Filmvorstellungen zum Festival zu besuchen. Ich hoffe, dass ich durch meine Arbeit so das Publikum von Morgen mit aufbaue.“

Die Spannung bleibt
Am Ende soll „Störti“, wie die Kinder den Seeräuber getauft haben, aber möglichst nicht geköpft werden. Das Ende, dass sie sich ausgedacht haben, wird am Sonntag um 10 Uhr im Wurm zu sehen sein.

„Klopka – Die Falle“, ein Psychodrama von Srdan GoluboviÄ�, erzählt die Geschichte einer serbischen, kleinen Familie, die versuchen muss, das Geld für die lebensnotwendige Herz-OP des Sohnes zusammenzusammeln. Eine Zeitungsanzeige der Eltern, in der um Spenden gebeten wird, hat nicht den erhofften Erfolg. Dann ruft ein Unbekannter an und bietet dem Architekten Mladen (Nebojša GlogovaÄ�) die gewünschten 26.000 Euro, die für die Operation benötigt werden. Wenn er einen ihm unbekannten Geschäftsmann tötet…

Nur ein Schuss, nur eine Fingerbewegung
Einen Unbekannten töten.
Um seinen Sohn zu retten.
Der Kampf mit sich selbst beginnt. Die moralischen Grundwerte vergessen, um seinem eigen Fleisch und Blut vor einem grausamen Schicksal zu bewahren.
Ein Leben für das andere.
Nur ein Schuss, nur eine Fingerbewegung – der Mann wäre tot.
Und sein Sohn gerettet.

Die Kameraführung durch Aleksander IliÄ� ist einfach, aber doch sehr effektiv, indem er die wichtigsten Besonderheiten sehr simpel hervorhebt. Alleine durch eine einfache Szenenwiederholung wird es geschafft, dass sich der Zuschauer selbst in die Rolle des verlassenen, verletzten Vaters hinein versetzt fühlt. Die klangliche Begleitung des FIPRESCI-Preisträgers ist nicht überragend, wie ich erhofft hatte, aber Mario Schneider hat versucht, den Film durch komplexe Musik noch sehenswerter zu machen als er sowie schon ist.

Manfred Stelzer gelang mit „Frösche petzen nicht“ ein gewitzter Krimi, der spannend ist wie der Moment, bevor der Frosch nach der Fliege schnappt. Trotzdem verliert er nicht seinen Humor und die Abwechslung. Die Details passen stimmig zusammen und die Besetzung hätte nicht passender gewählt sein können. Durch die düsteren Farben und die dunkle Stimmung bekommt der Zuschauer das Gefühl, als wäre er selbst im Fall verwickelt und kriminell tätig.
Bleibt nur noch die Frage: Wieso hat der ominöse Mann, der im Hintergrund die Fäden zieht, ausgerechnet Qigongkugeln in der Hand? Genauso wirkungsvoll wären Kartoffeln gewesen.

Der passende Einsatz von Originalfotografien und Dokumenten führt äußerst nah an das Leben Pittmans heran. Durch starke Aufnahmen und entsprechend stimmungsvoll gewählter Musik wird eine belebte Atmosphäre geschaffen, die den Zuschauer einlädt, eine filmische Reise durch das Leben der Margrit Pittman zu unternehmen und ihm das Gefühl von hoher Authentizität vermittelt.

Als ebenso unterhaltsamer, wie inspirierender Dokumentarfilm ist Zwischen den Welten – Das Leben der Margrit Pittman die wirklich sehenswerte Hommage einer starken, weltoffenen Frau.

Über Geschmack lässt sich ja bekanntlich streiten. Und obwohl das gelbe, gekrümmte Obst nicht meins ist, muss ich eingestehen, dass diese Banane und sein Sellerie mein Herz erobert haben. Oliver Kling hat den Mittelwert zwischen Einfachheit und Liebe zum Detail gefunden und somit einen Animations-Kurzfilm geschaffen, den man ohne Reue vernaschen kann.

Folkloristische, sich ausrollende Stickerei-Ornamente erinnern an Gameboy-Nostalgie, welche Dimitrij Malikov wunderbar mit ruhigen Klavierklängen untermalt. Während zu Beginn ein Hahn kräht, tickt am Ende im Abspann eine alte Standuhr in der selben Monotonie wie Petrovas Erzählrhythmus. Ein Gefühl von Vergänglichkeit wird durch dieses traurige, immer währende Ticken vermittelt, denn auch nach 78 Jahren läuft das Leben weiter: in der aufstrebenden Urenkelin Olga.

“Lebt wohl meine lieben. Es ist Zeit, einen Strich zu ziehen.”

Wie es sich für einen Boxerfilm gehört, beginnt die Geschichte in bester Rocky-Manier mit joggendem Boxer in Großstadtkulisse. Das etwas platte filmische Zitat ist wohl auch nicht ganz ungewollt. Die Situation, in der sich die Protagonisten der beiden Filme befinden, ist sich dazu zu ähnlich: Beide führen einen Kampf gegen einen übermächtigen Gegner und stehen zur gleichen Zeit vor der Chance ihres Lebens.

Geistige und körperliche Bewährungsprobe
Der Boxer muss die Provokation des Polizisten widerstandslos ertragen. Er weiß, dass er mit jeder noch so geringen Gegenwehr seine Verhaftung begründet und damit den Kampf verpasst. Dabei weiß der Zuschauer um den Rat, den der Boxer am Anfang des Filmes von seinem Trainer erhält: „Lass dich nicht provozieren und halt die Deckung oben!“ Die Spannung steigt kontinuierlich. Immer wieder wird das Geschehen durch Zwischensequenzen des Boxers beim Kampf im Ring unterbrochen, die eine Art Kommentar für das Verhör liefern. Ein Schlag in den Magen symbolisiert den letzten entwürdigenden Versuch des Polizisten, sein Opfer aus der Reserve zu locken, indem er ihm ins Gesicht spuckt. Wird sich der Boxer wieder aus den Seilen befreien können? Ein epochales Ende – im Stile Hollywoods wie für den heroischen Rocky – sollte der Zuschauer aber nicht erwarten.

Unsere Seminar-Redaktion: ein Haufen kreativer, kinoliebender und koffeinierter Köpfe, die sich seit dem ersten Mai 2010 das filmkunstfest und die Produktion von filmab! als Zentrum ihrer Existenz vorgeknöpft haben.

Und wie das aussehen soll? Vom filmab!-Neuling bis zum alten Hasen arbeiten die 14 Jugendlichen aus MV zwischen 14 und 24 Jahren 24/7 an den fünf Ausgaben der filmab!. Im Komplex haben sie sich wie die Lemminge auf Koffein eingenistet und der Redaktionsraum sieht nach dem dritten Seminartag so chaotisch aus, dass er jedes Sofa der Hempels bedingungslos in den Schatten stellt: umherflatternde Notizblätter, Tastaturen werden gequält, Laptops an ihre technischen Grenzen gereizt, der Kaffeemaschine wurde der Urlaub gekündigt, DVDs stapeln sich neben Festivalkatalogen und Jounalismushandbüchern.

Unübersehbar mahnt der NonplusultraGrusel aller gestressten Karla Kolumnas: TickTack – die Deadlines: Texte 22:00 Uhr, Layout 3:00 Uhr nachts. TickTack.

Die Chefredaktion redigiert fleißig die ersten Rezensionen, das Layouterteam trat bereits am Montag den Kampf an der F(r)ont an, und die wortjonglierenden Redakteure versuchen mit Kuli und Notizblock bewaffnet das filmkunstfest in all seinen Facetten einzufangen.

Und was kann DER Filmkunstfestbesucher von der filmab! erwarten?

Haufenweise Interviews, Kommentare, Rezensionen, Konzert- und Ausstellungsberichte und Hintergrundinfos, lassen den “Filmabbern” die Köpfe rauchen.

Wer den Weg vom Film zur Rezension, über Korrektur, ans Layout und in die Hände und Köpfe der filmkunstfest-Besucher verfolgen will, kann auf dem Blog www.filmab.jmmv.de alle Beträge, Tweets, Podcasts, Bilder und Videos verfolgen. Auch dieses Jahr ist eine Online-Webcam im Redaktionsraum alle 15 Sekunden am Werk – DAS Tor zum chaotischen Redaktionsalltag und DIE Daily Soap live aus der Pfaffenstraße.

Wir hoffen auf einen gelungenen Auftakt, begeisterte Leser, auf Kommentare, Feedback, Anregungen und Kritik.

Für alle, die gerne in die Fußstapfen der RAF treten wollen, fangen die Möglichkeiten früh an: Die Welt von Andy, Kalle und Goodi steht bereits den Kleinen mit “Baader Meinhof Komplex for Kids” offen. Ein paar Jahre älter und schon kann man als Andreas Baader „elende Faschisten“ jagen oder sich als Gudrun Ensslin auf die marxistische und sexuelle Revolution vorbereiten: mit den RAF-Actionfiguren. Der Kampf gegen die „fiesen Bullenschweine“ kann dann mit dem Videospiel zum Film weitergehen.

Zugegeben: Das Ganze klingt etwas überspitzt, aber irgendwie auch nicht so abwegig. Der 2-minütige Animationsstreifen aus der Feder von Till Penzek und Jon Frickey wirkt wie ein ernstzunehmender Werbespot für weitere “Baader Meinhof Komplex”-Fanartikel. “Baader-Meinhof-Komplett” entstand 2008 für das NDR-Satire-Magazin extra 3, für das die beiden Autoren von 2006 bis 2009 einige Animationsfilme produzierten. In diesem Jahr gelang dem Film der Sprung aus dem TV auf die Leinwände des Kurzfilmwettbewerbs. Wenn er hier nur halb so viel Aufmerksamkeit erzeugt wie sein Ideengeber 2008, sollte er gute Chancen haben.

Kumpelige Schnauzhaftigkeit
Jeder fängt einmal klein an, heißt es so schön. Der ausgebildete Stahlschmelzer Krug arbeitete zunächst in einem Brandenburger Stahl- und Walzwerk und holte erst spät sein Abitur an einer Abendschule nach. Der Weg zum preisgekrönten Charakterdarsteller war nicht immer eben, anfangs eher gepflastert als geteert. 1954 wurde er von der Schauspielschule in Ost-Berlin geschmissen, wegen „aufmüpfigen“ Verhaltens. Die typisch kumpelige Schnauzhaftigkeit blieb ihm bis heute erhalten – glücklicherweise.
Erst mit dem 1961 erschienenen, autobiografischen Komödie „Auf der Sonnenseite“ erzielte Krug einen ersten einschlagenden Erfolg. „Manne“ wurde zum DDR-Publikumsliebling. Vorerst. So bedeutete das spätere Verbot des systemkritischen Streifens „Spur der Steine“ mit Krug als rebellischen Zimmermann Hannes Balla einen herben Rückschlag. Von oberster Stelle wurde die clevere Kritik an der schwächelnden DDR-Planwirtschaft wegen „antisozialistischer Tendenzen“ wegzensiert, noch ehe je ein Kinobesucher sie zu sehen bekam. Erst 1989 konnte der Film von Frank Beyer in Berlin uraufgeführt werden.

Zielscheibe der Staatssicherheit

Schlagartig endete 1977 Krugs Erfolg in der DDR, trotz mehrerer erfolgreicher Theater- und Fernsehproduktionen. Der Auslöser: Die Ausbürgerung seines engen Freundes, dem Liedermacher Wolf Biermann. Krug unterzeichnete die Protesterklärung, wurde somit selbst zur Zielscheibe der Staatsicherheit – und stellte nach einem Berufsverbot seinen Ausreiseantrag. Nach der Umsiedlung gen West-Berlin konnte er sich anfangs nur schwer als Schauspieler etablieren. Er verbrachte mehr Zeit im Arbeitsamt als vor der Kamera. Bis er 1984 die Rolle des Hamburger Kriminalkommissars Paul Stoever in der Krimireihe „Tatort“ übernahm, die er bis 2001 innehatte.

Heute steht „Manne“ selbst nicht mehr vor der Kamera, konzentriert sich aber weiterhin mit seiner langjährigen Partnerin Uschi Brüning auf seine Musik. Auf dem diesjährigen filmkunstfest wird neben einer facettenreichen Hommage-Reihe seines Schaffens auch die Gelegenheit bestehen, in seine musikalische Mischung aus Lyrik und Jazz reinzulauschen.

Maria ist auf der unaufhörlichen Suche nach Liebe. Dabei geht es ferner um das Gefühl geliebt zu werden, als darum, Liebe zu geben oder sie zu teilen.

Auf ihrer Suche begegnet sie David, einem Referendar bei Gericht, der fest im Leben steht, hervorragende berufliche Leistungen vorzuweisen hat und klaren Linien folgt. Außerdem trifft sie auf Franz, den gesellschaftskritischen Barkeeper. Von beiden Männern, die sich als gegenseitige Kontrastfiguren zueinander zeigen, lässt sie sich Liebe schenken. Bei keinem wird jedoch klar, wie sie die Liebe definieren, die sich thematisch wie ein roter Faden durch den Film zieht. Es wirkt beinahe so, als liebte keiner von ihnen tatsächlich.

Trotzdem machen sich Franz und David auf die Suche nach Maria, als ihnen an ihrer statt plötzlich nur noch die Ansage ihres Anrufbeantworters zurückgeblieben ist. Bei dieser Suche begegnen sie einander, finden zwar nie Maria, lernen die Frau, der sie glaubten nahe zu stehen allerdings weit besser kennen, als in den intimsten Momenten mit ihr.

„Cindy liebt mich nicht“ verspricht bereits am Anfang mehr, als der Spielfilm halten kann. Maria denkt über die Liebe nach. Diese wird in den Mittelpunkt des Geschehens gestellt, allerdings nur ernüchternd beleuchtet. Die Charaktere wirken stereotyp und klischeehaft. Man erfährt nur jene ihrer Eigenschaften, die sie als solche Typen darstellen. Aus ihren Rollen brechen sie nicht heraus, was ihr Handeln vorhersehbar macht.

Der Film zeigt Unterhaltungswert, jedoch keinen besonderen Tiefgang.

Schmalzlöckchen und Brille
Die Tagträume des jungen Herbs (Jaecki Schwarz), dem Begleiter vom LKW-Fahrer Hannes (Manfred Krug), waren sehr erfrischend und entlocken so manches Kichern, obwohl dieser Hans Wurst einen suspekten Eindruck hinterlässt. In seiner eingeschränkten, Ich-bezogenen Fantasie um Ansehen und Akzeptanz verstärkt sich das Bild eines Möchtegernmachos mit Schmalzlöckchen und Brille, der bei mir sicherlich keinen Zuruf findet.
Im Titel heißt es „weite Straßen“ und „stille Liebe“. Die weiten Straßen sind mehr als genug gezeigt worden. Die stille Liebe allerdings habe ich nicht erkannt. Eher eine kurze, flüchtige Bekanntschaft. Oder es war Liebe, die sich sehr gut in oberflächlichen Dialogen versteckt.

Angelockt von einem TM-Seminar David Lynchs im tiefsten Iowa, gelangt der Regisseur, Autor und Darsteller Sieveking immer weiter in die verborgenen Geheimnisse der sektenähnlichen Organisation. Versprochene Unbesiegbarkeit, Weltfrieden, Gesundheit, Brüderlichkeit, Erleuchtung, der Himmel auf Erden. Die transzendenten Grenzen zwischen eiskalter Realität, Wahrheit und spiritueller Besessenheit, Sucht und Hörigkeit, die nur all zu oft TM-Anhänger in den finanziellen und psychischen Ruin trieben, verschwimmen auf Davids Reise auf der Suche nach Antworten immer mehr.

Der Himmel auf Erden?

Nach einem Jahr extremer Nonstop-Meditation muss Sieveking schließlich resigniert feststellen: „Ich stehe vor einem Trümmerhaufen. Ich verlor meine Freundin, den Respekt meines Idols und die TM-Oberhäupter und Anwälte David Lynchs drohen mir wegen meinem „ketzerischen“, „verleumdenden“ Film mit einer Klage. Beim Meditieren fühle ich mich unglaublich vereint – aber danach sitz ich trotzdem allein in meiner Bude.“

Er trifft Abtrünnige, unterhält sich mit Gurus und Mönchen, die ihn über die Weltherrschaftsmasche der TM aufklären, denn: „Guru sein heißt teilen, nicht verkaufen.“ Ein kompletter Gegensatz zu dem kapitalistischen System, mit welchem die Transzendente Meditation versucht, die “Gläubigen” auszubeuten. Und langsam fragt sich David: Ist das der Himmel auf Erden? „Yogische Flieger“, die Deutschland unbesiegbar machen sollen? Woher kommen diese Ideen? Wer steckt dahinter? Was hab ich mir nur eingebrockt?

Tiefe, dunkle Abgründe

Die musikalische Untermalung von Karl Stirner lässt „David wants to fly“ einen wunderbar stimmigen Klangrahmen gewinnen. Durch die Kameraführung und eindrucksvollen Bilder von Adrian Stähli badet der Zuschauer auf der Beerdigung von Marashi in dessen Asche, drängelt sich durch die Marktgassen Indiens, erklimmt den Himalaya, läuft durch das riesige New York und sitzt mit David beim Kaffee in der Küche seines ranzigen Appartements in Berlin.

Der ideologisch anmaßende Ton der Transzendenten Meditation – erfüllt von Ausbeutung, Gehirnwäsche, Geschäft, Machtkampf und Lug und Trug – lässt ein deutlich größer als vermutetes Netzwerk hinter den Rajas, Maharajas, Predigern und Gurus erahnen. Die unfassbaren, schockierenden Geheimnisse hinter TM werden von Sieveking mit Pragmatismus und einer durchdringenden Skepsis aufgedeckt. Die zuvor unschuldig und unwissend dreinblickenden Kulleraugen verwandeln sich während Davids Plot- und Persönlichkeitsentwicklung in tiefe, dunkle Abgründe.

Spätestens dann wird nicht nur David klar: Jede 99-Cent-Lampe von Ikea scheint sinnvoller als jegliche spirituelle Erleuchtung durch eine bedeutungsschwangere Sektenspaßgesellschaft mit dem kreativen Namen “Transzendente Meditation”.

Im Mittelpunkt des Streifens von Sven Taddicken steht die Freundschaft zwischen Störtebeker und Gödeke. Die historischen Hintergründe werden zwar betont, sind aber nicht die Hauptsache. Doch nach einer Seeschlacht ist alles anders! Klaus wird tödlich verletzt und überlebt wie durch ein Wunder. Danach beherrschen ihn Angst, Panik und der starke Wille, nicht zu sterben.

Eins der lustigsten Szenen des Filmes ist, wenn Klaus Störtebeker anfängt einen Totenschädel als Handpuppe zu verwenden, um seine Gefühle auszudrücken. Der Piratenklamauk erinnert mit seinem Humor und seiner Machart eindeutig an die „Fluch der Karibik“-Trilogie: Einige Szenen waren stellenweise doch sehr ähnlich. Es lohnt sich wirklich, diesen Film zu gucken, der einer der besten deutschen Komödien ist, die ich je gesehen habe. „12 Meter ohne Kopf“ bringt alle Facetten des mittelalterlichen Freibeuterlebens hervor. Mit Witz und Charme erzählt er von den abenteuerlichen Beutezügen der Vitalienbrüder.

Kein Verlust eines geliebten Menschen. Kein Platz für Fehler. Keine Vorurteile. Keine Angst vor der Zeit. Einfach ein „perfektes Leben“.
STOPP! Es gibt sie, die lauten Proteste unseres Verstandes. Machen unsere Ängste, Träume und Fehler uns nicht erst dazu, was wir sind? Menschen, die nicht perfekt sind und es wohl nie werden? Welchen Preis zahlen wir für dieses „perfekte Leben“? Erfahren Sie den Preis eines perfekten Lebens in dem Film „Transfer“.

Arm und Reich, Schwarz und Weiß

Damir LukaÄ�eviÄ�, deutschsprachiger Regisseur, beweist in seinem Science-Fiction-Drama den Widerspruch zwischen gesundem Menschenverstand und dem Willen nach Leben. Mit der Dualität der männlichen und weiblichen Hauptfiguren zwischen Anna (Ingrid Andree) in Sarah (Regine Nehy), sowie Hermann (Hans-Michael Rehberg) in Apolain (BJ Brit) ist den Schauspielern eine außergewöhnliche Leistung gelungen. Insgesamt erzeugen sie eine spannende und nachdenkliche Atmosphäre. “Transfer” wirft eine Grundsatzdiskussion über den Konflikt zwischen Arm und Reich, Schwarz und Weiß auf – und lässt dem Zuschauer die Freiheit, sich selbst ein Urteil zu bilden.

Wer eine Fülle an Werken – seien es Skulpturen, Zeichnungen oder zufällig gefundene Gegenstände in surrealem Bezug zueinander – in Ausstellungen gewohnt ist, wird bei „Hart am Glück“ in Staunen und einen (fast!) leeren Raum versetzt. Der Festivalkatalog verspricht mit seiner Reihe Fotografien von ausgewählten Kunstwerken der Ausstellung einen interessanten Eindruck und lässt Erwartungen keimen. Auch die darunter stehende Beschreibung der Kunstwerke, Künstlerintentionen und Kunst im Ganzen scheint einen besonders außergewöhnlichen und beeindruckenden Leitfaden geben zu wollen. Doch auch die Fragezeichen in unseren Köpfen rauchen noch Stunden danach beeindruckend. Mitunter haben die insgesamt 13 Künstler ihren Werken Titel gegeben, um die Besucher nicht völlig aus dem Prinzip ihrer Gedanken auszuschließen, sondern mit einzubeziehen. Betritt man die Eingangshalle des Schleswig-Holstein-Hauses, schallen einem die hämmernden Schläge des Videos von Heike Gallmeier entgegen, die dabei ist, eine Installation von Wänden zu zerstören. Es scheint, als seien sie zur Zerstörung konstruiert. Nebenan ist es dem detailverliebten Augenzeugen vergönnt, die fantasievollen, fast futuristischen Werke Johann Lotz‘ und Anke Wenzels zu betrachten. Der Grünkohl vernehmenden Nase folgend gelangt man in die außenliegende Remise zu einer Collage, an die der grüne Kohl tatsächlich rangeklatscht wurde. Carola Deye und Antonia Puscas zeigen dort ihre Liebe zum Skurrilen. Die Treppe hinauf warten glitzernde, klare Abstraktionen und Reliefs von Suse Bauer. Einen Kunstsprung entfernt stapeln sich auf Kisten aneckende Anspielungen mit kritisch deutschem Bezug; schleppenden Schrittes tragen die Ohren den Betrachter bis hin zu Stefan Panhans eigenwürdigem Kunstfilm „Who‘s afraid of 40 Zimmermädchen?” . Maschinell, starr, zusammenhangslos lässt Panhan dessen zwei Protagonisten in pointierten Dialogen mit Komik-Charakter fahren. Im Gesamtbild atmet die Ausstellung  verwirrende Komplexität, die vielleicht nicht für jeden verständlich ist.

„Eine von 8“ handelt über zwei Freundinnen und eine Diagnose: Brustkrebs. Bei der Chemotherapie lernt Frederike die Straßenbahnfahrerin Marijana Gavric kennen. Sie versuchen, sich von der Diagnose nicht unterkriegen zu lassen, indem sie sich durch die Freundschaft unterstützen und somit Ängste und Hoffnungen teilen. Denn beide befinden sich in der gleichen Situation: ein Kind, ein Mann und ein Knoten in der Brust.

Sabine Derflinger gelingt in ihrem aktuellen Dokumentarfilm der kühle, nüchterne Blick auf den Krankheitsweg, den durchschnittlich jede achte Frau gehen muss. Frederike spiegelt ihn durch ihre Privatvideos wider, in denen auch die kleinen, nichtigen Dinge nicht außer Acht gelassen werden. Ihre Kameraführung verdeutlicht ihre Sicht auf die Krankheit und zeigt, wie sie damit umgeht. Der Zuschauer versetzt sich sofort in die Lage, den Ausnahmezustand der Freundinnen, und fühlt mit ihnen. Man wird mit dem konfrontiert, was niemand hören will – dass wir irgendwann einmal sterben müssen.

Ihr merkt, die erste Ausgabe der filmab! ist fast fertig ebenso wie wir – fertig. Eigentlich läuft es ganz entspannt aber Ina möcht gern ins Bett. Von daher müssen Marco und ich ein wenig mit dem Layout hetzen. Aber: läuft!

Allgemein war der Tag heut recht entspannt. Nach der Redaktionssitung um 9Uhr wusste jeder, was er zu tun hat und startete damit, Filme zu gucken und darüber zu schreiben. Die ersten Rezensionen trudelten dann auch recht bald ein, sodass wir mit dem Korrigieren und Layouten keinen Zeitdruck hatten. Alles in allem bin ich doch sehr zufrieden mit dem ersten Ergebnis und hoffe, dass das in den nächsten Tagen so weitergeht.

Um 4Uhr ist Dealine. Sieht gut aus. Packen wir. Gummibärchen.

Mal überlegen: studieren, vielleicht: in-Rostock-geboren-sein und in-Nähe-Greifswald-aufgewachsen-sein, kochen, fotografieren (leider weniger als früher), tanzen (ich belege in diesem Semester wiederholt einen Tanzkurs, es geht vor allem um Standardtänze), E-Mails schreiben (eines meiner bevorzugten Kommunikationsmittel) und vergessen (was wollte ich nochmal im Rewe?)

Nun zur Fotografie. Was kommt bei dir vor die Linse?

Ich habe zuerst mit einer Analogkamera angefangen. Vor allem machte ich Naturbilder, Bilder von Tieren, so etwas. Ich fotografiere aber auch gern Alltagssituationen – eine belebte Straße oder Menschen im Detail.

Was wünschst du dir für die Zukunft?

Ich möchte demnächst mein Studienfach wechseln. Zurzeit studiere ich Publizistik- & Kommunikationswissenschaften sowie Sozial- & Kulturanthropologie. In Zukunft möchte ich stattdessen Politikwissenschaften studieren.

Zukunftspläne gut und schön, aber meist kommt ja doch alles anders als geplant. Was kommt dir generell dazwischen?

Mir fällt es leider oft schwer, „nein“ zu sagen. Wenn ich für eine Aufgabe eine bestimmte Zeit einplane, möchte ich diese auch gern einhalten. Ich bringe Dinge, die ich anfange, gern zu Ende. Wenn ich aber zum Beispiel drei Stunden lang etwas für die Uni tun möchte, kommt plötzlich eine E-Mail. Oder mir fallen andere Aufgaben ein, die noch vor mir liegen. In einem Zeitmanagement-Seminar habe ich etwas über meine Art, Zeit zu nutzen, gelernt, aber auch erfahren, dass man sich mit seinen Gewohnheiten anfreunden kann und sollte. Ich komme mit meiner Methode generell gut zurecht.

Mal weg von der Arbeit: Bist du eher ein Sommer- oder Wintermensch?

Sommer! Definitiv. Gerade bei dem schönen Sonnenschein heute merkt man doch, dass der Winter viel zu lang ist. Und von Winterurlaub halte ich auch nichts. Im Winter bei Schnee und Eis noch auf die Piste? Mich zieht es dann doch eher dahin, wo es warm ist.

Hast du schon einen Plan für diesen Sommer?

Leider noch nicht. Das ist schade. Ich sollte mich darum kümmern.

Welche Orte möchtest du gern einmal bereisen?

Interessant wäre Südamerika. Ich kann gar nicht genau sagen, was mich daran besonders reizt. Vielleicht sind es die vielen verschiedenen, interessanten Kulturen dort. Nach Australien reist doch jeder, das interessiert mich mittlerweile weniger. Ein Auslandsjahr zu machen ist auch eine spannende Sache. Das hätte ich vielleicht nach der Schule machen können. Leider hab ich noch nicht viel von der Welt gesehen. Über europäische Grenzen ging es nicht hinaus und auch innerhalb bin ich noch nicht weit gekommen. Aber das möchte ich nachholen.

Zum Schluss: Was nimmst du dir noch vor?

Eine Radtour wäre was für mich. Keine Sonntagnachmittag-Picknickfahrt, sondern eher etwas in der freien Natur. Etwas ähnliches habe ich schon einmal gemacht. Vor einem Jahr ging es für etwa zwei Wochen durch Schweden. Ich dachte aber in Zukunft an eine längere Tour, die mich mehr fordert, wie eine Art Überlebenstraining.

Du engagierst dich für den JMMV. Nebenbei studierst du aber auch noch Patholinguistik. Bedeutet das nicht viel Stress?
Schon, dieses Jahr war es sogar besonders stressig, weil mein Vater Betriebsjubiläum gefeiert hat und ich am selben Tag noch anreisen wollte. Außerdem schreibe ich gerade an meiner Diplomarbeit, deswegen habe ich zum Seminar auch linguistische Literatur mitgebracht.

Du sagst, dass du zurzeit an deiner Diplomarbeit schreibst. Kannst du mir als Laien beschreiben, womit du dich darin auseinandersetzt?
Ich versuche es. Ich beschäftige mich mit der Sprachentwicklung 20 Monate alter Kinder. Man muss nämlich wissen, dass wir im Kleinkindstadium Laute unterscheiden können, die sich später für uns gleich anhören. So sind wir als Babys zum Beispiel in der Lage, Kontraste zwischen verschiedenen Sprachen wahrzunehmen – eine Fähigkeit die wir verlieren, je mehr die eigene Muttersprache an Relevanz gewinnt. In kleinen Übungen frage ich diesbezüglich den Entwicklungsstand der Kinder ab.

Wie findest du nebenbei noch die Zeit für filmab!?
Ich bin sehr strukturiert und teile mir meine wenige Zeit so ein, dass ich alles unter einen Hut bringen kann. Die Zeit reicht aber mittlerweile nicht mehr um an anderen Projekten des JMMV teilzunehmen, darum bin auch ausschließlich noch in der filmab!-Redaktion.

Was schätzt du so an der Arbeit beim filmab!?
Ich bin ja sozusagen ein Überbleibsel der letzten Generation des filmab!-Teams. Ich habe hier ganz normal als Teilnehmer angefangen und übernehme jetzt schon seit längerer Zeit den Posten der Chefredakteurin. In dieser Zeit und während meines sonstigen Engagements für den JMMV habe ich Freunde fürs Leben kennengelernt. Außerdem hatte ich viele tolle Erlebnisse, zum Beispiel letztes Jahr als wir beim PeterLicht-Konzert waren und Axel Prahl ganz ausgelassen vor uns tanzte. Da merkt man, dass diese Leute auch ganz normale Menschen sind. Von Starallüren war da keine Spur.

Was sind deine diesjährigen Erwartungen als Chefredakteurin?
Es sind ja immer wieder neue Gesichter bei filmab! dabei. Vom letzten Jahr ist beispielsweise nur noch Anna als Redakteurin wieder hier. Mit den neuen Leuten wünsche ich mir vor allem ein gutes Verhältnis. In meiner Arbeit als Chefredakteurin redigiere ich die Texte der anderen und stoße dabei manchmal auf Unverständnis. Natürlich möchte ich den Redakteuren aber nur helfen, ihre Texte zu verbessern. Es ist mir wichtig, nur soviel zu verändern, dass der ursprüngliche Charakter, also der Stil des Autors, erhalten bleibt.

Mit deinem Studium schlägst du allerdings weniger eine journalistische Laufbahn ein. Wo siehst du dich in fünf Jahren?
Das Studium würde mich sowohl zur Arbeit in einer Klinik als auch in der eigenen Praxis befähigen. Ich arbeite am liebsten mit Kindern. Durch das Studium in Potsdam wohne ich auch weit weg von meinen Eltern, ein Umstand, den ich in Zukunft gerne ändern würde. Das Familienleben hat mir immer sehr gut gefallen, sodass ich selbst nie den Wunsch verspürt habe, mich von meinen Eltern abzugrenzen. Ich würde auch selbst gerne eine Familie gründen, am liebsten hätte ich zwei oder drei Kinder, aber für den Anfang möchte ich erstmal wieder eine Katze.

Wie ist dein erster Eindruck von der filmab! und den Teilnehmern?
Alle sind entspannt und freundlich, da hatte ich doch zu große Befürchtungen. Ich bin ja mit 23 Jahren älter als die meisten und hatte mit dem schlimmsten Fall gerechnet – dass hier nur rumgealbert wird. Aber so bin ich eben; ich rechne vorab schon immer mit dem Schlimmsten, damit letztendlich doch das Positive eintritt. So bewahrt man sich vor Enttäuschungen.

Hast du Angst davor, enttäuscht zu werden?
Nee, aber Enttäuschungen sind ja immer so frustrierend. Klar, man muss sich ja erst kennenlernen, aber wenn man da mit ein wenig Skepsis rangeht, umgeht man Enttäuschungen bestenfalls einfach. Ich denke lieber in einer verkehrten Welt. So bleib ich positiv, und ich bin gerne positiv geladen.

Was sind deine Stärken neben dieser verkehrten Gedankenwelt?
Meine größte Stärke ist, glaube ich, mein ungezügelter Optimismus, der mich zu einem fröhlichen und entspannten Menschen formt. Außerdem brauche ich als Organisatorin ein gutes Durchsetzungsvermögen. Dafür sollte ich mich wohl mal bei meinen Brüdern bedanken…

Für dein Durchsetzungsvermögen?
Ja, ich glaube von ihnen hab ich das gelernt. Als kleine Schwester darf man sich nichts bieten lassen, sonst wird man ja untergebuttert. Als ich noch klein war, haben sie mir oft Kletten in meine langen Haare geworfen. Schwestern hätten sie mir wahrscheinlich eher gekämmt…  Kleine Schwestern werden nun mal getriezt von ihren Brüdern, und das ist auch wirklich gut so.

Stimmt, immerhin kannst du es in deinem Beruf jetzt gut gebrauchen. Die Organisationsarbeit bei Kunstausstellungen und freiwillige aktive Mitarbeit bei der filmab! verrät deine Neigung zur Kunst. Gibt es vielleicht einen Künstler, dessen Werke du dir gerne ansiehst?
Yoshitaka Amano! Der Japaner, der für das Charakterdesign in dem Videospiel “Final Fantasy” zuständig war, zumindest bis zum 8. Teil. Ab dem 9. hat dann Akira Toriyama mitgemischt, Erfinder von “Dragon Ball”, weswegen der Protagonist übrigens auch diesen katzenähnlichen Schwanz hat. Amanos Stil ist traditionell japanisch und nicht klassisch. Bei seinen Illustrationen gefällt mir, dass sie zwar irgendwie platt aber doch belebt wirken, und besonders die ausgesprochene Farbenfreude.

Fantasiehaftes scheint dir besonders am Herzen zu liegen. Kann man sagen, dass du im Herzen gerne Kind bist?
Ich bin sehr kindisch und mag auch alles Bunte, Niedliche, Kuschelige, Quietschige. Ich finde, im Herzen muss man ein Stück Kind bleiben, damit man positiv bleibt. Einige Erwachsene sind leider schon so verbraucht.

Warum sind sie verbraucht?
Das passiert, wenn man Geld über alles stellt. Manche machen alles, um an Geld zu kommen und töten sich damit fast ab. Sie leben dann gar nicht mehr richtig, und sind im schlimmsten Fall blind für ihre eigene Familie, da sie nur noch in dem “Arbeit-Geld-Muster” denken.

Meinst du, dass es in der älteren Generation an dem Kriegshintergrund liegen kann, wenn die Menschen “verbraucht” sind?
Naja, jeder hat den Krieg anders erlebt. Es ist ein Unterschied, wenn jemand aufgrund seines Flüchtlingsdaseins Angst hatte, in Hinblick auf jemanden, der nicht damit umgehen kann, zehn Menschen getötet zu haben. Menschen verarbeiten Dinge unterschiedlich. Einige tun es gar nicht, sondern schlucken nur.

Was passiert mit dem “Kind” im Herzen bei diesen Menschen?
Das Kind stirbt nie. Es wird halt nur weggesperrt, eine Blockade schiebt sich davor und umschließt es. Doch auch dann ist es noch nicht zu spät – gefährlich wird es erst, wenn sich diese Blockade festfährt, weil sie immer weiter gebaut wird. Dem entgegen zu wirken ist wichtig, Kommunikation ist das Gegengift! Wer kommuniziert, wird sich nicht verlieren. Da kann die Herzensfreude nur gewinnen.

Hjördis, wie geht’s dir so?
Ich bin noch ein bisschen müde, der Kaffee wirkt langsam. Ich bin leider etwas erkältet – ich war es schon die ganze letzte Woche. Aber nächste Woche wird’s hoffentlich wieder besser.

Wie bist du heute in den Tag gestartet?
Mit Haare waschen – und habe dabei gemerkt, dass meine Haare zu lang sind und wie viel Zeit ich damit verschwende! (lacht) Christopher und ich waren danach beim Bäcker und haben für die Redaktion 30 frische Brötchen gekauft. Aber es war total voll.

Bei welchem Bäcker wart ihr denn Brötchen kaufen?
Puh, keine Ahnung, wie der hieß. Der Name steht auf der Tüte. Eigentlich wollten wir ja auch noch 30 Knüppel mitbringen…

„Knüppel“?
Ja, diese länglichen Brötchen. Kennst du die nicht?

Also so wie Baguettes?
Ja, genau. Hier nennt man die Knüppel.

Hmm, diesen Begriff kannte ich dafür noch nicht. Was isst du denn sonst morgens zum Frühstück?
Eigentlich esse ich sonst kein Frühstück, oder habe keine Zeit dafür. Manchmal lieber Obst, Blaubeeren zum Beispiel. Aber das ist immer so mühsam. (lacht)

Was machst du denn, dass du so wenig Zeit hast?
Ich schlafe nicht unbedingt sehr viel, aber ich gehe meistens spät ins Bett. Und dann brauche ich etwas länger, um nachmittags dann langsam wach zu werden. Ach, meist ärgere ich mich oft einfach über mich selbst, dass ich meine Zeit vertrödle. Ich kann mich stundenlang auf eine ganz bestimmte Sache konzentrieren und vergesse schnell alles um mich herum – bis ich dann merke, dass ich eigentlich noch was ganz anderes erledigen wollte.

Wir erzählen noch etwas über ihr Studium in Greifswald, Germanistik und Kunstgeschichte sind ihre Fächer und mittlerweile ist sie im 4. Semester. Eigentlich wollte sie nach dem Abi ein FSJ in Schwerin machen, am Theater oder an der Schule der Künste. Leider kam die Absage dann so spät, dass nicht mehr viel Zeit für Alternativen blieb. „Und bevor ich gar nichts mache, habe ich mich dann noch ganz spontan in Greifswald eingeschrieben.“ Obwohl sie selbst von einem Dorf kommt, findet sie Greifswald „klein und manchmal langweilig“. An den Wochenenden fährt sie dann meistens zu ihren Freunden, nach Hamburg oder Berlin.

Während wir durch die Friedrichstraße zum Komplex zurückgehen, sehen wir in einem der Läden ein Plakat zum Flohmarkt, der am nächsten Sonntag stattfinden soll. “Da freu ich mich schon drauf. Da findet man immer ganz viele tolle Sachen, Schreibmaschinen zum Beispiel”, erzählt mir Hjördis – und nebenbei erfahre ich, dass sie Schreibmaschinen sogar sammelt. Vier Stück kann sie inzwischen ihr Eigen nennen. Manchmal schreibt sie damit auch einen Brief an Freunde – “ganz old school”, wie sie sagt. Schade, dass ich sie dazu nicht schon im Interview befragt hatte.

Es gibt aber noch eine Seite an Christopher. Eine künstlerische, besser gesagt, eine fotografische Seite. Neben seiner Ausbildung betreibt er einen kleinen Blog der auf den Namen fototeddy.de hört. Ich frage ihn, wie er denn bitteschön auf fototeddy kommt. „Meine Freundin nennt mich Teddy“ Aha, alles klar. Ein interessantes Projekt, was er gerade betreibt, ist „365“ – was nichts anderes bedeutet, als jeden Tag ein Foto hochzuladen. Er würde auch gerne fotografisch mehr erreichen und mehr machen, aber irgendwie fehlt dann doch manchmal die Zeit.

filmab!, DAS Thema, was uns alle eine Woche beschäftigen wird, ist natürlich auch meine Frage: Was erhoffst du dir von der Woche? „Ich möchte viel über den Redaktionsalltag lernen und darüber, wie man Artikel schreibt. Es ist immer nervig, wenn man irgendwo fotografiert und die Zeitung noch eine Zusammenfassung des Ereignisses haben möchte. Auf die Frage, ob er denn schon ein Highlight auf dem filmkunstfest habe, antwortet er mir: „Ich gebe zu, dass ich erst vorhin das System hinter dem filmkunstfest verstanden habe.“ Na das kann ja heiter werden. ;-)

Was war dein erstes Erlebnis mit einer Zigarette?
Nun, mein erster Kontakt mit Zigaretten hatte ich mit 12 Jahren, als meine 13-jährige Freundin einen Zug von einer Zigarette abgegeben hat. Ich habe den Zug genommen und bekam einen starken Hustenanfall. Es war so schlimm, dass meine Freundin dachte, ich ersticke. Nach diesem Erlebnis habe ich das Thema „Zigarette“ erstmal weit von mir geschoben.

Warum hast du dann wieder angefangen?
Mein Kumpel bot mir eine Zigarette an. Nun ich wollte dazu gehören und habe es eigentlich aus Gruppenzwang gemacht.

Wie viel rauchst du heute?
Das ist ganz unterschiedlich. Manchmal rauche ich fünf und manchmal auch bis zu zwanzig Zigaretten täglich.

Wieso so viel?
Aus Langeweile. Damit ich etwas zu tun habe.

Wann würdest du aufhören mit dem Rauchen?
Ich würde nur dann aufhören, wenn ein wirkliches dramatisches Erlebnis mich betroffen hätte. Zum Beispiel bei einer Schwangerschaft.

Würdest du gänzlich auf eine Zigarette verzichten in oder nach einer Schwangerschaft?
Nun, für mich steht das Kindeswohl an oberster Stelle. Ich würde zugunsten meines eigenen Kind auf die Zigarette während der Schwangerschaft verzichten. Das Wichstige ist, meinem Kind eine gute Zukunft zu bieten. Deswegen denke ich, dass ich nach neun Monaten Durchhalten auf die Zigarette verzichten kann.

Würdest du zum Schutz der Kinder ein Gesetz gegen rauchende Eltern erlassen?
Das ist schwer zu sagen. Natürlich würde ich zum Wohle der Kinder ein Gesetz erlassen. Doch wie im Einzeln das Rauchen von Erwachsene verhindert werden soll – das weiß ich nicht.

Kampagnen der Bundesregierung weisen ja auf eine Gefahr des Rauchen hin. So steht auf Verpackungen: „Rauchen kann tödlich sein“. Was hältst du von dieser Gefahr?
Sie wirkten früher abschreckend. Heute sind die Sprüche zum Alltag geworden und haben somit ihren Glanz verloren. Die größte Gefahr sehe ich in der aktiven Anwerben der farbigen Zigaretten, bei Kindern. Es kann nicht sein, das Grundschulkinder vor der Schule rauchen.

Wer hat deiner Meinung nach Schuld?

Ganz klar: Die Tabakkonzerne, die nur nach Profit ausgehen und nicht auf das Wohl der Menschen achten. Ein kleinen Beitrag fügen die rauchenden Eltern mit ihrem ungesunden Stil hinzu.

Die 20-Jährige fotografiert für ihr Leben gern und versucht, sich damit auszuleben. Schon mit 15 Jahren fing sie an, als ihr Vater ihr eine Kompaktkamera in die Hand drückte. Es ging immer weiter und weiter, zuerst mit einer normalen Digitalkamera und dann mit ihrer ersten eigenen digitalen Spiegelreflexkamera.
Dazu später noch mehr, jetzt erst einmal weiter mit dem Leben der Ueckermünderin: Als Maria ihr Abi in der Tasche hatte, aber noch nicht wusste, was sie mit ihrem Leben anfangen sollte, ging sie zum Arbeitsamt. Sie wurde gefragt: “Was kannst du?” Maria erinnerte sich an ihr Praktikum im Kindergarten und erwähnte nebenbei, dass sie mit Kindern ganz gut könne. Also kam der Vorschlag, dass sie doch eine Ausbildung zur Erzieherin machen solle.

Sie bewarb sich an vier Schulen, alle wollten sie. Und Maria entschied sich für Lübeck. Dort blieb sie ein Jahr. Im letzten Jahr nahm sie am Fotoseminar des JMMV teil. Dort lernte sie dann Marco, ihren jetzigen Freund, kennen. Er half ihr, sich dazu durchzuringen, ihre Ausbildung abzubrechen, die sie unterforderte.

Zusammen haben Maria und Marco dann letztes Jahr blende2komma2 gegründet. Sie bauten eine Internetpräsenz auf und zeigen dort ihre Fotos, denn Maria hat in Sachen Fotografieren ein großes Lebensziel: Sie möchte für die Vogue arbeiten.

]]> http://filmab.jmmv.de/?feed=rss2&p=1170 0 http://filmab.jmmv.de/?p=1201 http://filmab.jmmv.de/?p=1201#comments Sun, 02 May 2010 22:02:23 +0000 AnnemarieB http://filmab.jmmv.de/?p=1201 Kevin ist 20 Jahre alt, kommt aus Güstrow und stellt ein Musterbeispiel für ein gesundes und verantwortungsbewusstes Leben da.

Wie stehst du zu Alkohol und Zigaretten?
Ich habe einmal probiert zu rauchen, jedoch habe ich den Reiz dahinter bis jetzt nicht entdeckt. Genauso ist es auch mit dem Alkohol. Es schmeckt mir einfach nicht, und andererseits will ich meinen Körper nicht unnötig schädigen. Wenn ich etwas trinke, ist es nur ein Schnäppi, zum Beispiel „Saurer Apfel“.

Wie siehst du die derzeitige Situation von Alkoholkonsum unter Jugendlichen?
In meinen Augen ist die derzeitige Lage sehr dramatisch. Die trinken doch nur unter dem Vorwand, besoffen zu sein und dem Gruppenzwang nachzugeben, damit sie dazu gehören. Außerdem steigt die Kriminalität unter den Jugendlichen immer weiter an, und ich denke, dass daran der übermäßige Alkoholmissbrauch schuld ist. Die wissen doch gar nicht mehr, was sie tun, wenn sie betrunken sind und finden paar Tage später eine Anzeige wegen Körperverletzung in ihrem Briefkasten.

Glaubst du, dass die Erziehung von Kindern eine essenzielle Rolle spielt in Fragen des Drogenmissbrauchs und der Gewalt? Meinst du, die soziale und finanzielle Lage sei relevant?
Die Erziehung spielt zum Teil eine Rolle, jedoch ist sie nicht essenziell. Jeder hat die Macht über sein eigenes Handeln und kann selbst entscheiden, welchen Weg er wählt. Die gesellschaftliche Lage ist noch weniger relevant als die Erziehung, denn auch in den Wohlstandsschichten kommt es zu kriminellen Auseinandersetzungen, nur regiert dort die Macht des Geldes und des Schweigens über solche Vorfälle. Die praktische Umsetzung von Gesetzen stellt immer noch ein Problem dar.

Wie meinst du das?
Die Theorie ist leichter als die Praxis. Die Gesetze sind lediglich das Fundament einer funktionierenden Politik. Doch was tut man, um letztendlich das Haus darauf zu bauen? Wenn ich Kioskverkäufer sehe, die kleinen 12-Jährigen Kindern Schnaps verkaufen, frage ich mich, was die Exekutive Deutschlands den ganzen Tag macht. Es müssen mehr Kontrollen durchgeführt und abschreckende Beispiele gezeigt werden, um den Alkoholmissbrauch einzudämmen.

Was stellst du dir unter “abschreckende Beispiele” vor?
Nur irgendwelche Filme zu zeigen erscheint mir sinnlos, weil das doch alles nur gespielt ist und man keinen Bezug dazu hat. Man muss konkrete persönliche Beispiele bringen, zum Beispiel den Jugendlichen einen Einblick in das Leben eines Alkoholikers geben und ihnen die Chance lassen, Fragen zu stellen oder sogar Mitgefühl zu entwickeln.

Was erhoffst du dir für die Zukunft, wenn deine Vorschläge angenommen werden würden? Wenn du die Macht zur Veränderung hättest?
Ich würde mir mehr Verantwortungsbewusstsein wünschen – und zwar von jedem Einzelnen – um eine Gesellschaft entstehen zu lassen, in der Gleichberechtigung, Toleranz und Akzeptanz herrschen.

Hey Marco. Zum Anfang zunächst ein paar Standardfragen: Wie alt bist du und wo kommst du her?
Ich bin 20 Jahre alt und wohne mittlerweile in Berlin. Ursprünglich komme ich aber aus einem kleinen Dorf namens Weitenhagen bei Greifswald.

Beim JMMV bist du ja eines der aktiven Mitglieder. Seit wann engagiert du dich dort?
Im JMMV bin ich seit 2008 ehrenamtlich tätig und mittlerweile auch als Organisator wie z.B. hier beim filmab! seit 2009 und als Referent.
Und wie bist du zur filmab!-Redaktion gestoßen?
Von Tino wurde mir ein Flyer vom filmab! gezeigt und viele meiner Bekannten meinten, ich solle das ganze doch mal ausprobieren. Auch wenn’s nicht direkt ums Filmemachen geht, könnte es mir doch ganz gut gefallen. So bin ich dann 2007 zum ersten Mal als Teilnehmer beim filmab! gelandet. Seitdem war ich jedes Jahr mit dabei. Für’s nächste Jahr hoffe ich auch wieder dabei zu sein und quasi mein 5-jähriges Jubiläum zu feiern.
Du bist nun im vierten Jahr in Schwerin. Gibt es irgendwas, das dir hier besonders gefällt?
In Schwerin sind mir die Jahre über der Pfaffenteich, an dem wir im vorletzten Jahr von der Redaktion aus gegrillt haben und das Schloss mit dem Schlosspark positiv aufgefallen. Zum Schlosspark gibt’s auch noch eine kleine Geschichte aus meinem ersten Jahr beim filmab!: Wir sind nachts über den Zaun in den Schlosspark geklettert und auf dem Rückweg kam auch schon die Polizei. Zum Glück haben sie uns beim Zurückklettern nicht erwischt.
Wenn du nicht gerade in der filmab!-Redaktion bist: Womit beschäftigst du dich sonst den Tag über?
Genau genommen bin ich im Moment arbeitslos. Mein Wunsch ist es, Kameramann zu werden bzw. dies zu studieren. Meine Bewerbung dafür an der HFF Potsdam wurde leider abgelehnt. Außerdem fotografiere ich sehr gerne und verdiene mir damit auch ab und zu ein paar Euro.
Du sagst, dass du auch gerne fotografierst. Gibt es deine Bilder denn im Internet zu sehen?
Ja, klar. Ein paar meiner Bilder gibt’s auf fototyp.wordpress.com zu sehen. Das ist mein persönlicher Blog mit vielen Bildern und ein paar Gedanken aus meinem Leben. Außerdem gibt’s noch blende2komma2.de. Hier zeige ich mit Maria zusammen noch einiges mehr an Bildern von mir.
Vielen Dank für deine Zeit und das Gespräch!

Was, denkst du, sind deine Stärken?
Ich bin sehr geduldig mit anderen, allerdings nicht mit mir selbst. Ich höre gerne zu und schreibe gern. Es kommt vor, wenn ich nachts in meinen Bett schreibe, mit dem Stift in der Hand einschlafe und morgens die letzten Wörter nicht mehr lesen kann. (lacht)

Hast du schon für andere Projekte geschrieben?
Nein. In der Grundschule habe ich einen Comic gezeichnet. Der wurde zum Abschluss der 4. Klasse gedruckt. Wir waren sehr kreativ. Da kamen alle zu mir und sagten „Dein Comic ist so toll!“. Wenn ich ihn jetzt angucke, dann …

Also war Zeichnen früher deine Leidenschaft?

Ich weiß nicht. Ich spiele auch Gitarre und singe. Das ist meine Kunst, mein Ausdruck. Meine Kindergärtnerin, die jetzt unsere Gemeindeleiterin ist, holte mich früher auch immer nach vorne. Aber in der Grundschule war Zeichnen meine Leidenschaft, später wurde Schreiben meine Kunst. Es hat sich irgendwie ausgetauscht. Ich bin sehr wortverliebt.

Wenn du wortverliebt bist, liest du auch gerne Werke von anderen?
Natürlich lese ich gerne. Ich mag es, wenn es jemand schafft, dass Worte eine neue Bedeutung bekommen. Wie eine Art Absurdung. Was für ein Beispiel könnte man nehmen? (überlegt) „Ich habe mich taub gefühlt.“ Damit ist ja nicht gemeint, dass man nicht hören kann – sondern eher, dass man wie gelähmt war.

Also kann man sagen, du magst abstrakte Sachen?
Was ist abstrakt? Jeder Mensch nimmt die Welt nun mal anders wahr. Ich mag es, wenn jemand sie anders sieht. Dass man die Welt eben besonders sieht.

Bist du der Meinung, auch besonders zu sein?
Besonders… (überlegt) Letztlich hängt es von jedem selbst ab, wie man sein will. Es ist die freie Entscheidung, ob man aufmerksam ist oder ob man blind durchs Leben läuft und alle Menschen um sich herum anrempelt.

Meinst du, dass man sich in einen bestimmten Alter entscheidet, ob man nun offene Augen hat oder blind ist?
Die wenigstens Sachen entscheiden sich altersabhängig. Pubertät oder die Monatsblutung kommen durch das Alter. Ob man aufmerksam oder blind ist, baut sich auf Erfahrungen auf. Auch 30- oder 40-Jährige könnten durch ein bestimmtes Ereignis ihre Augen öffnen. Es ist nicht altersbedingt.

Hat dir selbst ein bestimmtes Erlebnis die Augen geöffnet?
Ich weiß nicht, ob meine Augen offen sind. Es gibt keinen Maßstab. Bin ich aufmerksam oder nur aufmerksamer als der neben mir? Wann öffnen sich Augen? Das ist wie die Frage zum Sinn des Lebens. Man sollte nicht fragen, sondern einfach leben.

In dem Sinne: Danke für das Interview!

Allerdings fällt es ihm schwer, mal nichts zu sagen. Er hat zu allem einen Kommentar, man weiß immer, was er gerade tut – ohne hinzusehen. Aber gerade das macht ihn besonders – er geht sehr offen auf andere zu und ist selbst ihm unsympatischen Leuten gegenüber freundlich. Jedenfalls solange, bis sie seinen Sarkasmus bemerken.

Würde er eine Weltreise mit einem Heißluftballon planen, würde er ganz nach dem Buch „In 80 Tagen um die Welt“ reisen. Starten in London, dann über Paris in Richtung Osten. Ebenso systematisch würde er einen Zoo erkunden – eins nach dem anderen. Bei anfallenden Arbeiten geht er da schon chaotischer vor und stürzt sich kopfüber in die Arbeit. Dabei denkt er meist – typisch männlich – praktisch, weshalb er, wenn er ein Baum wäre, sich für die Eiche aufgrund des guten und langanhaltenden Brennholzes entscheiden würde.

Ich bin mir sicher, dass Rundohrs Reise um die Welt noch nicht beendet ist. Aber ob er nun wieder nach Irland geht um seinen Vater zu suchen oder es ihn nach Neuseeland zieht, wird sich zeigen…

Da bin ich wohl mit der Tür ins Haus gefallen. Machen wir mal mit den Zukunftsplänen weiter. „Ich möchte bildende Kunst in Kassel oder Saarbrücken studieren. Und währenddessen würde ich auch gern ein Jahr ins Ausland, zum Beispiel nach Israel.“ Dort hat Jules im März israelische und deutsche Jugendliche für das Propaganda-Projekt seiner Einrichtung begleitet und Fotos gemacht. Zehn Tage lang hat er bei einer Gastfamilie gelebt. „Viel zu kurz“, erinnert er sich. „Mir hat die Mentalität sehr gefallen, ich möchte dort gern nochmal für eine längere Zeit hin.“

Während seiner Schulzeit hat er bereits ein Jahr in Thailand verbracht, bestimmt oft Nudelsuppe gegessen und dort auch ein wenig thailändisch gelernt. Ich bin ganz fasziniert von den bedeutungsschwangeren Kringelchen. Thailändisch ist eine Tonsprache, so heißt glai–( ไกล) fern, glai^ (ใกล้) nah – das Wissen eines Nichtlinguisten erfährt an dieser Stelle signifikante Ausstülpungen.

Übrigens wurde Jules nach dem französischen Film „Jules und Jim“ aus dem Jahr 1962 benannt. In dem Klassiker der französischen Nouvelle Vague wird Jules als geduldiger Mann, sanftmutiger Mensch und in jeder Hinsicht großzügig und verständnisvoll beschrieben. Eine gute Namenswahl für unseren Jules. Er ist übrigens noch Single, Mädels!

Der erste vorbereitende Tag der filmab! geht zu Ende. Gestärkt vom reichhaltigen Frühstück starteten wir den Arbeitstag, indem wir uns gegenseitig interviewten und tiefe Geheimnisse ans Licht kamen. Später bekamen alle von Tino und Ina einen Crashkurs in Sachen journalistisches Schreiben, sodass wir tiptop vorbereitet sind, ab morgen aussagekräftige Rezensionen zu schreiben.

Außerdem bekamen wir Besuch von Oliver Hübner, dem Pressereferent der Filmland M-V gGmbH, der uns einige Hintergrundinformationen zum filmkunstfest gab und sich für uns als Ansprechpartner anbot. Welche Zeiten nun aber als human gelten, um ihn anzurufen, wurden noch nicht geklärt – das werden wir dann im Laufe der Woche herausfinden.

Abends ging es für uns an den Pfaffenteich um gemütlich zu grillen, Rundohrs Gitarrenspiel zuzuhören und uns gegenseitig zu schminken. Frösche, Zombies, Glücksbärchis, Raubkatzen und Urukais – wir haben nichts ausgelassen. Fröhlich trällernd schlenderten wir zurück zum Komplex um nun zusammen einen Film zu schauen, bevor es morgen richtig losgeht.

Gute Nacht.

]]> http://filmab.jmmv.de/?feed=rss2&p=1287 0 http://filmab.jmmv.de/?p=1178 http://filmab.jmmv.de/?p=1178#comments Sun, 02 May 2010 10:44:16 +0000 Falko http://filmab.jmmv.de/?p=1178 Ein kleiner anonymer Blogpost vom Admin: Wer ein iPhone, Android oder ein anderes internetfähiges Telefon hat, kann sich diese Webseite nun optimiert für kleine Bildschirme ansehen.

filmab touch

Damit die Redaktion, die in wenigen Tagen loslegen will, das Redaktionssystem und die normalen Blog-Funktionen nutzen kann.

Schöne Grüße in die Welt

wir haben uns sehr über eure Ideen, Anregungen und Kommentare gefreut. Habt vielen Dank.

Gestern ist das 19. filmkunstfest zu Ende gegangen. Die filmab!-Crew hat noch gemütlich gebruncht, über die erlebnisreiche Woche geplaudert und die Redaktionsarbeit ausgewertet.

Mittlerweile sind die Betten für die nächsten Gäste im Komplex frisch bezogen, das Redaktionszimmer wurde hoffentlich noch gestaubsaugt, nachdem wir uns mit einem vollen Staubsaugerbeutel abplagen mussten, und die Redaktionsmitglieder sind alle wohlbehalten zu Hause angekommen. Noch einige schlafreiche Nächte Eingewöhnungszeit in den Alltag und wir können wieder Kraft tanken für das nächste filmkunstfest.

Denn es gelten immer noch die Wahrheiten des Artikels “Quo vadis, filmkunstfest?” und der Kommentare.

Auf ein Wiedersehen bei einem filmkunstfest, das hält, was es verspricht!

Die PDF direkt.

Stell dir vor, es ist filmkunstfest und keiner geht hin… Entschuldigung, so schlimm ist es natürlich nicht. Glücklicherweise. Doch irgendetwas fehlte bei dieser 19. Ausgabe des filmkunstfestes Mecklenburg-Vorpommern. Doch was? Begeben wir uns dazu am besten auf eine kleine Spurensuche, eine Analyse gesammelter Eindrücke.

Gute Filme? Definitiv nicht. Gute, spannende, intelligente gab es zu genüge. In allen Kategorien, in allen Genren, in allen Facetten. Ob die mutigen Experimente der Kurzfilme, die inhaltliche Brillanz der Spiefilme oder die thematische Vielfalt der Sonderreihen wie die USA-Länderreihe, die Ballhaus-Hommage oder die „Filme die Wende“.

Namhafte Prominenz? Auch nicht. Ballhaus, Dresen, Prahl, Stahlberg – nur um einige Namen zu nennen, auf die das Büro des filmkunstfestes zu Recht stolz sein darf. Und wo hat man als Kinobesucher schon mal die Chance, nach der Vorstellung mit dem Regisseur noch ein Bier trinken zu gehen? Eben.

Oder fehlte ein attraktives Nebenprogramm? Fehlanzeige. Als wenn das Geschehen nicht schon auf der Leinwand interessant und vielfältig genug gewesen wäre, wurde Schwerins Filmfestival zusätzlich durch eine klug ausgewählte Mischung aus Kunst und Kultur bereichert. Ob Musik, Fotografie, Malerie, Literatur, Tanz oder eben beim Filmtalk mit Knut Elstermann. Unterhaltend, nachdenklich, mitreißend.

Vielleicht fehlten ja einfach die, für die Filmfestivals gemacht sein sollten: Die Besucher. Nicht, dass sie gar nicht da gewesen wären. Vor einigen Vorstellungen bildete sich eine beachtliche Schlange. Doch es gab auch die andere Seite der Medaille: So mancher Kino- oder Veranstaltungssaal erschreckte mit einer gähnenden Leere, für die wir bis heute nach einer Begründung suchen: Warum haben sich die Schweriner ABC-Schützen die tollen Kinderfilme entgehen lassen? Warum spielten Bands wie Urlaub in Polen und Nathan Vanderpool nur vor einem guten Dutzend mutiger Fans stimmungvoller Musik? Und wo hat sich das gewisse Etwas namens Flair versteckt, das einem solchen Festival erst wirklich Leben einhaucht? Fragen über Fragen. Wir freuen uns auf die Antworten – beim 20. Jubiläum des filmkunstfestes im kommenden Jahr.

Es passiert im deutschen Kino leider selten, dass ein Film derart überraschen kann. So gewöhnlich der Start, so ergreifend und beklemmend entwickelt er sich im weiteren Verlauf. Besonders die schauspielerische Leistung des vor kurzem verstorbenen Thierry van Werveke sorgt dafür, dass sich dem Zuschauer alles zusammenzieht.

Anfangs mit einigen Schwierigkeiten, das mager besiedelte Publikum zu begeistern, rissen Regatta 69 in der zweiten Hälfte ihres Sets jeden einzelnen Zuschauer mit. Der Club füllte sich mit der Zeit, die Musik wurde schneller, härter, lauter – und überzeugte selbst Nicht-Ska-Fans mit ihrem einladenen Offbeat, das Tanzbein zu schwingen. Mit einer Mischung aus Coverversionen von Bob Marley und Blondie sowie groovig-funkigen neuen und alten Stücken aus ihrem Songrepertoire bildeten Regatta 69 genau das, was sich ein jeder am Freitagabend in einem Club vorstellen mag: tanzbare, mitreißende Songs.

Nein, das tat es definitiv nicht. Jedenfalls nicht im negativen Sinne. Wenn sich etwas bestätigt hat, dann der Fakt, dass PeterLicht, dieser romantisch-verschrobene Indiepop-Querkopf aus Köln, ein wunderbar mitreißender Livemusiker ist. Denn spätestens als das capitolsche Lichtspiel seine volle Luminanz versprüht, kommen die gesellschaftskritischen Minihmynen und poetischen Detailverliebtheiten – passend begleitet von Klavier, Schlagzeug und E-Gitarre – zur vollen Geltung. Ob „Das Trennungslied“, „Sonnendeck“, „Das Lied vom Ende des Kapitalismus“ oder die „Benimmregeln des Arbeitsgeberpräsidenten“: Hier klingt stichelnder Humor, der nicht kitschig ist; Schwermut, der nicht lähmt; Pathos, der nicht übertrieben melancholisch seufzen lässt. Und zur Überraschung unserer mitsummenden Chefredaktion lässt so mancher PeterLicht-Song sogar den Vordernachbar Axel Prahl im fröhlichen „Walk like an Egyptian“-Stil mitwippen. Herrlich.

Zugaben-Rufe, natürlich. Wie sollte es auch anders sein. Und als ihm dann sogar bei der Zugabe NACH der Zugabe der Text entgeht und er ihm erst wieder einfällt, als die ersten Hilfsrufe erklingen, bleiben nicht nur die Melodien im Ohr. Sondern auch das Lächeln auf den Lippen.

Die Frischverliebten können flüchten, sie wollen gemeinsam per Schiffüberfahrt nach Amerika. Im blau-weißen Chrom-Schlitten fahren sie Richtung Hamburg. Lulu und Jimi leben für den Rock ’n’ Roll und schwören sich ewige Liebe. “Ich werde dich immer hören. Über Ozeane werde ich dich hören.” Doch das Schicksal bzw. die von der Mutter engagierten Profikiller stellen sie auf eine harte Probe.

Die Handlung von „Lulu und Jimi“ ähnelt einem Märchen: eine ganz bezaubernde Katrin Saß in der Rolle der bitterbösen Mutter mit Hang zum Ethanol und einer herrisch-liebevollen Aufmerksamkeit für die rosarote Pudeldame Lilly, zwei sich unsterblich liebende Traumtänzer, die um ihre Liebe kämpfen, und die zarte Hoffnung auf ein Happy End.

Man nehme eine Riesenportion Schminke, Haarspray und Hackenschuhe, kombiniere sie mit feshen Kostümen und schicken Ami-Karren, mische grelle Farben und buntes Licht hinzu und heraus kommt ein wunderbar farbenfroher Rock-’n’-Roll-Liebesfilm. Tolle Musik, aufregende Tanzszenen und eine Lollipopkulisse sorgen für das berauschende 50er-Jahre-Flair, das es so nie tatsächlich in Deutschland gab, aber anderthalb Stunden lockerleichte Unterhaltung bietet.

Hansen muss an einem wunderschönen Sommersonntag zur Arbeit. Da seine Exfreundin den gemeinsamen Sohn Micha (Janos Giuranna) nicht wie vereinbart abgeholt hat, muss er ihn mitnehmen.

Es ist ein ganz besonderer Tag für Micha, denn heute endlich erlaubt sein Vater ihm, einmal ganz alleine die Knöpfe zu drücken, die die Brücke heben und senken können. Er ist so dankbar, dass er seinem Vater ein Bild malen will und sich dafür auf einen Vorsprung unter die Brücke setzt.

Ein Stromausfall. Die Hebebrücke ist noch oben, weil gerade ein großes Schiff durchgefahren ist. Doch nun rast ein Zug auf die Brücke zu – 300 Passagiere fahren in den Tod, wenn Hansen nicht sofort die Notsenkung auslöst. Hysterisch klopft der verzweifelte Vater an die Scheiben, ruft nach seinem Sohn, der noch unter der Brücke spielt. Doch Micha ist gehörlos.

Hansen muss eine Entscheidung treffen.

Axel Prahl schafft es, die Schmerzen für die Zuschauer fühlbar zu machen. Wie hätte man sich selbst in einer solchen Situation entschieden? Wie kann man die Entscheidung rechtfertigen? Die traurig schönen Klavierklänge sind der Rahmen für das wirklich unter die Haut gehende Drama.

So verschieden die Werke auch sind, so einheitlich ist ihre Mission. Jedes der 13 Kurzfilmbonbons vergegenwärtigt deutsche Politik, Denkart und Lebensart auf eine sehr unterhaltsame Art. Teilweise sieht man da ein sozialkritisches Werk, dann wieder ein Märchen mit einer gewitzten und intelligenten Bildsprache, aber auch Dokumentationen. „Deutschland 09“ beweist dem Publikum, wie interessant und lebendig man die aktuelle Politik darstellen kann. 100% ist das Lob dann aber auch nicht, denn „Erster Tag“, „Der Weg den wir nicht zusammengehen“ und „Seance“ haben ihre Längen, da hier die Spannung der eines Stilllebens aus zwei Äpfeln und einer Banane gleicht.

Herausragend ist Isabelle Stevers Beitrag über Demokratie-Unterricht an einer Grundschulklasse.  Dabei ist es unglaublich faszinierend zu beobachten wie partizipative Entscheidungsfindung selbst unter Kindern funktionieren kann. Man erkennt aber auch dessen Notwendigkeit. Nennenswert ist auch Dany Levys einem Märchen gleichende Kampfansage an die Schwarzmalerei.

Beim Kauf einer Kinokarte sollte dem Zuuschauer bewusst sein, dass er einen Superdeal gemacht hat. Denn mit nur einer Karte bekommt man 13 Filme zu sehen, wobei jeder garantiert seinen Liebling finden wird.

Ludwig, jetzt wo du gerade aus der Vorstellung deines neuesten Films „Ein Teil von mir“ gekommen bist: Wie wichtig ist dir das Feedback des Publikums?

Das ist das wichtigste überhaupt, wie die Leute ihn finden.

Wenn man einen Blick auf deine bisherigen Filme wirft, verkörperst du sonst eher den typischen „Problemjugendlichen“: Den Neonazi in „Kombat 16“, den rebellischen Schulverweigerer in „Guten Morgen, Herr Grothe“ oder den frustrierten Rapper in „Ihr könnt euch niemals sicher sein“. Wie kommt es, dass du immer wieder diese Rollen mimst, und was reizt dich an ihnen besonders?

Natürlich ist das ganz typisch deutsch, dieses Schubladensystem, in das man Schauspieler gerne hineinsteckt. Ganz oft mag ich auch die Rollen, weil diese Jugendlichen nicht nur oberflächlich betrachtet werden. Weil sie im Kern auch Menschen sind, die Liebe geben können – und Liebe haben wollen.

In „Ein Teil von mir“ spielst du einen 17-Jährigen, der sich gegen sein unerwartetes Vatersein sträubt – und somit ganz anderen Problemen ausgesetzt ist. Inwiefern war diese Rolle für dich neu?

„Ein Teil von mir“ behandelt diese kleine, außergewöhnliche Geschichte, die aber auch so alltäglich ist: Ein junger Mann, der durch die Liebe zu seinem Baby sich selbst entdeckt. Sie war insofern schwierig zu spielen, weil… (überlegt) sie so fremdbestimmt ist. Ein kompletter Kontrast zu dem, was ja eigentlich mich ausmacht.

Du bist im Rahmen des filmkunstfestes auch in der Jury des Kurzfilmwettbewerbs. Wie kam es dazu?

Meine Agentur rief mich irgendwann an und fragte, ob ich nicht Lust dazu hätte – und ich sagte: „Na klar, warum nicht?“ Das ist eine ganz neue Erfahrung, sich über Filme auszutauschen. Das finde ich superspannend und ich fühle mich auch sehr geehrt.

Was macht für dich ein guter Kurzfilm aus?

Er muss in wenigen Minuten ein spannendes Thema behandeln und eine Aussage treffen. Man muss die Fantasie dahinter spüren.

Im Vergleich zu großen Filmfestivals: Was macht das filmkunstfest für dich so besonders?

Es ist genauso professionell, nur ist es familiärer, gemütlicher, näher am Publikum. Nicht so großräumig. Man sitzt einfach intimer zusammen. Ich hoffe, ich werde im nächsten Jahr wieder dabei sein.

Die Zigarette ist aufgeraucht. Nacheinander schüttelt Ludwig uns die Hand und verabschiedet sich höflich, während schon die nächsten Zuschauer auf ein Autogramm von ihm warten.

„Eigentlich bin ich vier. Da wären Hans Tomato, Hans Narva, Torsten Müller-Fornah und Lothar – wer das so wirklich ist, weiß ich auch nicht so genau.“ So fängt Hans an, sich und seine Identität irgendwie zu erklären. Selbst, wenn er sich auf einiges selbst keinen Reim machen kann. Bassist bei The Hidden Sea, Herbst In Peking, Hands Up Exitement, Jens Friebe, The Crank-up Collective und The Inchtaboktables; Nostalgiker, Lebenskünstler, Kapitalismus-Verweigerer und Berliner Urgestein Hans erklärt in „Hans im Glück“ sein Leben, seine Musik und den Drang aus Regeln und Vorschriften auszubrechen. „Widerstand gegen jede Art von Autorität“ bezeichnet er sein Verhalten, andere dagegen als „infantile Verweigerung“. Und das alles auf einem Streifzug durch seine Heimatstadt Berlin an all die wichtigen Orte seiner Vergangenheit. Der Film zeigt Therapiesitzungen, Besuche bei Familie und Freunden, Bandproben, Konzerte und Gerichtsverhandlungen.

Das Dokuportrait von Claudia Lehmann (Regie und Drehbuch) beschreibt Hans auf dem sicheren Wege in den Knast. Ein Troublemaker wie er im Buche steht: Erste Kontakte mit dem DDR-Kittchen konnte der mit Musikweisheiten um sich schmeißende Hans schon im zarten Alter von 15 Jahren erfahren. Sein Leben, vom ständigen Scheitern – sei es persönlich oder beruflich – geprägt, erzählt Hans gelassen und leicht, als wären alle seine Erinnerungen in Watte gehüllt. Der Individualist auf der Suche nach Idealen und Werten, schwimmt zwischen Verzweiflung und überraschender Leichtigkeit. Im Film wird deutlich, wie er jetzt, mit 40 Jahren, beginnt, sich über die Mechanismen und Hintergründe seines ständigen Aneckens Gedanken zu machen. „Du musst dein Leben verändern.“ rät sein Freund und Bandkollege Rex Joswig.

Einblicke in das Musikergemüt des 40-Jährigen freiheitsliebenden Hans werden in der 60-Minuten Dokumentation so preisgegeben, als stünde man direkt daneben. Die goldenen Lebensweisheiten von dem Typ, der sich als „vier“ sieht und gleichzeitig meint „ich bin immer noch wie 16 und habe mich wohl um keine Gehirnwindung weiterentwickelt.“ Interessant, genau wie seine Beschreibung der Musik in der DDR und seinem Leben. Eben ein echter Rock ’n’ Roll Guy.

25 Jahre ist es her, dass Eddi (Paul Newman) das letzte Mal einen Queue angefasst hat, doch dann entdeckt er in einer Bar das junge Billardtalent Vince (Tom Cruise). Beeindruckt von seinen Leistungen schlägt Eddi ihm eine Zusammenarbeit vor und überredet ihn, mit nach Atlanta zu einem Billardturnier zu reisen. Eddi bietet sich als Manager an und versucht Vince alle nötigen psychologischen Tricks beizubringen: am Anfang wenig setzen und verlieren um am Ende, wenn der Gegner mutig wird, richtig abzuräumen.

Für denn ehrgeizigen und naiven Vince erweist es sich aber immer wieder als schwer, absichtlich zu verlieren und sich zu verstellen. Die unterschiedlichen Ansichten des alten Zynikers und die des jungen Heißsporns führen unweigerlich zum Konflikt. Es kommt zum Bruch zwischen Eddi und Vince. Vom jungen Billard-Ass beeindruckt, beginnt Eddi dann wieder selbst zu trainieren. Schließlich stehen sich Schüler und Lehrer im entscheidenden Turnier gegenüber.

In „Die Farbe des Geldes“ geht es weniger um Action als um Mimik, Psychologie und das Spiel an sich. Auch wenn der Plot langatmig erscheint, wird es doch kaum langweilig. Die Spannung bleibt vor allem durch den Konflikt und die Psychologie der Protagonisten erhalten, deren ausgearbeitete Charaktere den Zuschauer förmlich in ihre Welt reißen. Interessante Kameraaufnahmen setzten vor allem das Billardspiel mit allerhand gelungenen Kunststößen in Szene. Besonders der Showdown ist mit schnellem Schnitt und brutalen Aufnahmen ein mitreißendes Meisterwerk.

Der Mann erzählt eine Geschichte. Ein Schäfer führt seine Herde über einen Hügel. Ganz hinten mit etwas Abstand gehen einige Schafe, die verletzt sind. Ein Schaf bricht zusammen, rappelt sich alleine auf, fällt wieder hin und bleibt liegen. Kinder diskutieren. Ist der Schäfer Schuld, hätte er nicht helfen müssen? Aber der Schäfer kann doch nichts dafür, dass das Schaf verletzt ist, oder doch?

Eva Stotz schuf mit „Sollbruchstelle“ eine sorgfältig zusammengesetzte Collage aus Stadtbildern, Porträts und den harten Fakten des Lebens. Zuerst nicht zueinander passen, sich schließlich aber doch zu einem großen Puzzle zusammenfügen. Die einzelnen Momentaufnahmen von Himmel, Natur und den Menschen darin reihen sich aneinander und werden überraschend aber logisch von den wahren Geschichten der arbeitenden Menschen durchbrochen. Es entstehen Sollbruchstellen, die erst irritieren, dann akzeptiert werden – und manchmal auch verstanden.

In diesem Film geht es nur nebensächlich um Arbeit oder Arbeit, die keine Arbeit ist. Es geht um die Menschen, ihre Rolle in der Gesellschaft, die durch Arbeit gefestigt wird. Es geht um die psychologische Bedeutsamkeit, etwas zu schaffen und damit etwas zu sein. Ein Dokumentarfilm, der mit seinen Geschichten zum Nachdenken anregt und nur manchmal zu einer sehr eindrucksvoll vertonten Melancholie einlädt.